Destruindo pianos

David Torn - Sesc Belenzinho

2012-01-22T17:33:00.000-08:00

"Tocou com Lou Reed" e "improvisação livre": foram essas duas informações que me fizeram ir ao show de David Torn, que rolou hoje no Sesc Belenzinho - a boiada de pagar um quarto do valor do ingresso com a carteirinha de comerciário também pesou, devo assumir. Mas o que importa é que o show muito, mas muito mais do que eu esperava.

Torn se apresentou acompanhado pelo saxofonista Tim Berne e pelo baterista Ches Smith (que, aliás, toca com a Mary Halvorson). O que mais me chamou a atenção foi a dinâmica dos três: Torn praticamente só trabalhando texturas por meio de efeitos e distorções e criando assim uma "cama" para o diálogo entre o sax (prolífico) e a bateria (ultra-prolífica). Às vezes o guitarrista parecia até meio absorto em uma viagem particular, o que criou um efeito interessante na música: os outros dois, que por um lado estavam mais em evidência, mais na posição de solista, por outro lado seguiam as direções sugeridas pela paisagem de fundo criada por Torn. E na hora em que este partiu para um solo torrencial, o efeito foi de clímax.

Meu único senão foi quanto ao baterista. O cara toca muito, tem uma complexidade rítmica impressionante, mas parecia ignorar a importância das pausas, do silêncio (talvez porque quisesse mostrar serviço e provar que estava à altura dos outros dois, bem mais velhos e experientes). Houve um momento, por exemplo, em que a guitarra e o sax entraram em um diálogo super interessante e delicado, que acabou um pouco desfigurado pela insistência de Smith em batucar a caixa. Mas mesmo os excessos do baterista não chegaram a prejudicar a apresentação.

O engraçado é que eu estava lendo uns textos sobre improvisação livre antes de ir ao show e em um deles o autor, Frederic Rzewski, colca que um aspecto importante da improvisação é a autonomia do momento: "o universo da improvisação está sempre sendo criado; ou melhor, a cada momento um novo universo é criado" - e este universo pode ser uma continuidade do anterior ou não ter nada a ver com ele. Com isso, a música improvisada é como a vida real, em que a maioria das coisas acontece sem ter nenhum motivo, simplesmente acontece.

E foi justamente isso o que eu ouvi no show de David Torn: algumas ideias colocadas por um dos instrumentistas eram desenvolvidas, outras eram abandonadas, outras sofriam transformações em decorrência das ideias propostas pelos outros músicos. Mas nenhuma ideia era mais importante do que outra, todas tinham sua beleza. E nenhuma delas precisava de um ponto de partida ou de um ponto de chegada para justificar sua existência. Elas existiram. E ponto.

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Phil Minton & Han Bennink

2012-01-17T08:00:00.000-08:00

Em dezembro de 2010, tive a oportunidade fodástica de entrevistar Han Bennink e Phil Minton, duas lendas da improvisação livre, para a +Soma (se quiser conferir, só clicar aqui).

Na ocasião, o Fernando Stutz fez um vídeo tanto da entrevista quanto do show deles no CCSP, que depois foram editados e deram origem a esse registro lindo:

+SOMA::OnProgressSeries::Han&Phil from kultur studio on Vimeo.

MuCoMuFo 4: Mary Halvorson

2012-01-15T12:32:00.000-08:00

Não se deixe enganar pela carinha de geek fofa da Mary Halvorson: essa guitarrista não veio ao mundo pra fazer coraçãozinho com a mão. Toca com o Trevor Dunn no Trio-Convulsant, tem seus próprios grupos e aqui aparece acompanhando o lendário saxofonista de free jazz Joe McPhee. Destaque para o caráter percussivo da guitarra em alguns momentos, para o modo como ela brinca alucinadamente com a afinação do instrumento e para o diálogo com o sax. Fodona!

E falando em MuCoMuFo, a Matana Roberts disponibilizou em streaming o áudio de um show em que toca a segunda parte da saga Coin Coin (o show foi gravado em 2010, antes do lançamento em disco da primeira parte). E, ao fim da apresentação, ela diz que a história vai ter mais uns seis capítulos - ou seja, vamos ouvir Coin Coin até 2039, benzadeus!

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Equação simples

2012-01-14T09:43:00.000-08:00

Rock progressivo - (cafonice + megalomania) + barulho = This Heat

Aproveitando o post, queria indicar dois blogs bem legais que conheci nesta semana. Um é o Barulho Horroroso, que não tem muito texto, mas é um lugar legal para pesquisar música torta, de free jazz a industrial (com links pra baixar os discos e tal). O outro é o Heavy Metal Be-Bop, de um jornalista americano que está investigando a pequena porém rica interseção jazz/metal - este último, aliás, foi uma sugestão passada pelo Bernardo nos comentários do post sobre a Matana Roberts. Achei tão legal que resolvi compartilhar com todos os 5 leitores do blog!

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Entrevista com Page Hamilton (Helmet) - Parte 2

2012-01-08T11:53:00.000-08:00

Em 99, o Helmet acabou. O que aconteceu? Muitas mudanças na formação?
Meus companheiros de banda da formação original resolveram mudar e fazer algo diferente. E você não pode impedir uma pessoa, obviamente, embora eu preferiria ter tirado um ano de folga e depois voltado, mas eles não queriam. É difícil, economicamente, manter uma banda na estrada. Você tem que ganhar dinheiro para pagar as pessoas, porque ninguém quer estar em uma banda de graça. É preciso ser um bom músico para tocar no Helmet, então os caras são chamados para tocar em outras bandas, que podem pagar mais. É parte do que eu tenho que lidar como líder de uma banda independente. Não consigo pagar o que o Guns’n’Roses, The Cult ou Maroon 5 pagam para meus ex-bateristas.

E então você tocou em uma turnê com David Bowie. Como aconteceu o convite?
Ele estava se separando do (guitarrista) Reeves Gabrels depois de 13 anos, eles estavam em uma situação difícil. Na época, eu estava no apartamento do meu empresário em Nova York, porque eu tinha deixado minha esposa um mês antes e ela ficou no apartamento e na casa que tínhamos. E um dia eu simplesmente recebi uma ligação do David Bowie perguntando se eu queria tocar com ele e eu disse: “Claro!”.

Do nada, David Bowie te ligou? Você não pensou que fosse um trote?
Eu tinha passado a noite inteira festejando e bebendo, fui a um club after hours e voltei ao apartamento às 3 da tarde. Meu empresário ligou e disse: “David Bowie está tentando falar com você”. E eu fiquei: “Uau, cacete!”. Não é uma ligação que você recebe todo dia.

Não mesmo! Naquela época o Bowie já tinha uns 20 discos, então você teve que aprender um monte de músicas.
Era muito material. Aprendi 30 músicas em duas semanas. Foi um trabalho duro, porque eu estou acostumado a tocar minha própria música. Mas foi ótimo, uma ótima experiência. Ele me disse que eu não precisava tocar exatamente o que os outros guitarristas tocavam, tinha que apenas tocar no espírito da música. Foi encorajador. Então eu fiz assim e acabei, espero, adicionando algo à música dele.

Você também trabalhou com trilhas sonoras e produção de discos. Acredito que isso tenha influenciado o som que o Helmet faria após a volta. Você pode apontar algumas coisas que tenha aprendido com trilhas sonoras e produção e usado nos discos novos do Helmet?
Sim. Tocando em filmes, comecei a pensar as guitarras, o feedback e coisas do gênero como ferramentas expressivas para descrever o personagem, em vez de escrever músicas a partir da minha perspectiva. Ser forçado a abordar a guitarra de um modo diferente foi uma coisa boa. No último disco, a música Morphing é um resultado direto do trabalho com filmes. Improvisei algumas guitarras e então orquestrei meio que à mão, catando algumas notas nos instrumentos de corda, metais e madeiras. Também usei um pouco de piano.

Por que decidiu ressuscitar o Helmet?
Continuei a compor e formei uma banda com o (baterista) John Tempesta. Estávamos ensaiando e um amigo nosso, Jay Baumgardner, dos estúdios NRG, se ofereceu para gravar de graça, porque não tínhamos dinheiro nenhum. Já tínhamos a banda, ainda não sabíamos como iríamos chamá-la e então um dia Jimmy Arvine, da minha antiga gravadora, Interscope, ligou: “Por que você não faz outro disco do Helmet pra Interscope?”. Eu tinha amado trabalhar com o pessoal da Interscope, então foi perfeito.

Sua voz mudou um pouco nesses discos novos. Foi natural ou algo que planejou?
Hoje trabalho bem mais do que antes em relação a cantar e estar consciente da minha extensão. Tenho voz grave, então a afinação drop C me deu uma maior extensão, de um jeito estranho. A guitarra toda afinada um tom abaixo é mais adequada à minha voz e eu comecei a me sentir cada vez mais confiante. Comecei a trabalhar com um vocal coach, Mark, em LA. Eu disse: “Quero fazer vocais realmente agressivos e quero fazer coisas melódicas também”. E desde o primeiro dia tivemos ambos.

Esqueci de perguntar sobre seu vocal. Você teve aulas ou simplesmente decidiu que seria o cantor da banda?
No começo não tive. Eu queria cantar, mas não sabia direito o que estava fazendo, simplesmente urrava e berrava e tentava cantar. Comecei a cantar no Band of Susans e isso me deu confiança para cantar minhas próprias músicas. Mas eu ficava bem nervoso no começo. Enchia a cara para combater o nervosismo. Quando saíamos em turnê, depois dos dois ou três primeiros shows, eu ficava meio rouco. Então eu sempre pedia um dia de folga depois desses primeiros shows e aí voltava bem.

Você disse em uma entrevista que está trabalhando em “fantasias jazz e fantasias orquestrais”.
Estou cercado por estantes de música, trabalho em muitos standards de jazz. Terminaremos a tour em novembro e tenho três bandas para produzir. Espero que depois disso eu tenha tempo para trabalhar de verdade e decidir o que vou fazer com eles. Vou compor algumas coisas com Mark e ele trabalha com a Antonia Bennet, filha do Tony Bennet. Ela é uma ótima cantora, tem uma voz super cool. Vamos tentar botar nossas cabeças para funcionar juntas e compor algumas coisas. Espero gravar um disco com amigos.

Vai ser um disco de standards de jazz?
Não sei se serão só standards, mas algumas das canções que faremos serão. Tenho algumas em mente, músicas que sempre amei, mas é uma questão de achar o que consigo cantar, o que funciona para a minha voz. Algumas coisas funcionam e outras não, é preciso ser seletivo em relação ao material. Estou tentando achar o tom certo também. Uma das canções eu tentei em C, Bb, B e Ab. E cada tonalidade meio que tem uma personalidade diferente. Ab é quase blues e sombria, por ser um registro mais grave. Em C é uma outra coisa, porque você vai achar uma extensão diferente na sua voz. É bem interessante.

E as fantasias orquestrais?
Comecei e me frustrei, não gostei de nada do que escrevi. Então agora está na geladeira e o cara com quem trabalho está passando férias na Alemanha com a família. Ele escreve para orquestra e filmes o tempo todo, além de ser um ótimo pianista clássico. Compusemos algumas coisas juntos e isso nos deu a ideia de fazer um disco com orquestra. Guitarra – ou guitarras – e orquestra.

Falando em jazz e fantasias, em 96 você gravou o disco Zulutime, com Caspar Brötzmann. Só consegui ouvir algumas faixas, mas é muito legal. Com quantas guitarras foi feito? Era uma improvisação livre?
Ele todo foi feito com duas guitarras e gravado ao vivo. Fomos para o estúdio com (o engenheiro de som) Wharton Tiers, que trabalhou em Strap it on, Meantime e Monochrome. E só tivemos que apertar “record”. Eu começava uma peça e ele (Caspar) começava a seguinte. Acho que fizemos em dois dias. Tocávamos por algumas horas e ele falava: “Page, acho que deveríamos sair para tomar um coquetel e criar um clima legal”. Então íamos ao bar, tomávamos umas, voltávamos e tocávamos mais um pouco. Era um diálogo: apenas dois caras em uma sala com guitarras e amplificadores gigantes, respondendo um ao outro.

Usaram efeitos também?
Distorção foi o principal efeito. Eu aprendi com ele como usar o wah-wah para criar texturas diferentes. Além dos pedais de distorção e wah-wah, também usei um chorus e um delay. Isso ajuda a moldar o som. Ele usou um wah-wah, acho que a distorção era um pedal RAT e o chorus era um Roland.

Usaram coisas como loop machines? Porque eu consegui ouvir umas quatro guitarras ali…
Não, só duas guitarras. Louco, né?

Última pergunta: você trabalhou na trilha sonora do filme Across the Universe. Só tocou guitarra ou também fez arranjos?
Ambos. Havia um monte de músicos ótimos no estúdio: o guitarrista Mark Stewart, que toca com Paul Simon, o baterista Charlie Drake e o baixista T Bone Walk, que morreu no ano passado e tocava na orquestra do Saturday Night Live. Havia também T Bone Bernet e Rick Martino, que trabalha muito com Elliot Goldenthal. Todos os músicos participavam nos arranjos, dando ideias e experimentando. Tive uma ideia legal para a música Across the Universe, do Lennon, uma coisa modal e meio drone. E foi assim que começamos, o arranjo foi construído a partir desses pequenos feedbacks de guitarra que eu tinha, bem simples. Todos tinham muitas ideias, foi um sonho trabalhar com esses músicos.

Entrevista com Page Hamilton (Helmet) - Parte 1

2012-01-02T17:44:00.000-08:00

Pra começar 2012 de um jeito bacanudo, aqui vai a primeira das entrevistas órfãs que fiquei de publicar no blog. Chamei essa entrevista de "entrevista amaldiçoada", porque tudo parecia dar errado. Cronologia dos perrengues:

- um dos produtores do show que o Helmet fez em São Paulo em julho é amigo do Gonzo, editor da Soma, e perguntou se não rolava uma matéria na revista. Aí o Gonzo entrou em contato comigo perguntando se eu não tava a fim de fazer a entrevista e eu disse que sim, claro. Imaginei que já estava tudo certo, só iriam me passar as coordenadas de onde e quando, eu iria lá, conversaria com o cara e sairia a matéria linda na revista. Aí quando chegou na semana do show, eis que o Gonzo não conseguia de jeito nenhum entrar em contato com o tal produtor, que, depois descobrimos, tinha ido pescar no Pantanal (!) e estava incomunicável.

- chegou o dia do show, bateu aquele desespero em todo mundo, "meo deos como vamos fazer???" e o que consegui foi o contato do Samuel, que faria uns vídeos do show (são esses aí que aparecem ao longo da entrevista). Liguei pra ele, garanti meu passe para a passagem de som e aí falaria com o Page Hamilton - saberia que não daria pra fazer uma entrevistona bacana ali na correria, mas daria pra pegar email e aí combinar um papo via Skype.

- Peguei o email do moço, entrei em contato e marcamos uma entrevista por Skype em uma semana em que ele estaria na casa dos pais em Oregon, meio que de férias. Parecia lindo. Só que a conexão estava uma merda e a entrevista teve que ser abortada depois de dez minutos. Aí combinamos de fazer por telefone alguns dias depois. Aí o celular dele estava uma merda e de novo a entrevista foi pro saco. Combinamos de fazer de novo via Skype, quando ele estivesse de volta à casa dele, onde tem uma conexão melhor e tal.

- Nessas a revista já estava fechando e eis que Bernardo Pacheco, do Elma, entrou em contato com o Mateus, editor da Soma, dizendo que tinha feito uma entrevista com o Page Hamilton e perguntou se ele não queria publicar na revista. Como não havia previsão de sair a minha e a revista não pode atrasar, o Mateus acabou optando pela entrevista feita pelo Bernardo - que, aliás, ficou bem legal, saca só.

- Como eu ainda queria falar com o Page e achei que seria, como diria a Sandra Annenberg, muito deselegante descombinar o papo, expliquei a situação e ele, que é o cara mais gente boa do mundo, topou em falar comigo mesmo que o resultado só fosse publicado no meu humilde blógui. E aí, bom... aqui vai a primeira parte do resultado!

Quando você foi pra Nova York, queria estudar jazz. Que tipo de jazz você curtia: free jazz ou mais tradicional?
Quando comecei a escola – em Oregon, primeiro, na University of Oregon – comecei a curtir guitar jazz: George Benson, Grant Green. E depois jazz modal, como Kind of Blue, do Miles Davis. E aí comecei a ouvir Coltrane, o que foi muito inspirador. Daí fui conhecendo coisas mais antigas, bebop dos anos 40 e 50. Então meu período favorito no jazz é entre os anos 40 e 60. Gosto de standards. Trabalho em standards o tempo todo. Também amo Wayne Shorter, ele tem umas mudanças de acordes interessantes. Free jazz também me interessa, ouço o Coltrane de 66 e 67 e também o disco Free Jazz, do Ornette Coleman. Mas eu gosto de harmonia, e free jazz, como o nome já diz, é livre harmonicamente, não há mudanças de acordes. Não dá pra realmente estudar free jazz. Se você for a uma instituição, provavelmente você vai aprender sobre mudanças de acordes e tal. Então estudei composição: escrevi uma peça para big band, um octeto para metais, uma canção baseada num poema e alguns temas originais de jazz, que toquei no meu recital de formatura.

Em que instituição você estudou?
Manhattan School of Music.

Na época em que você foi para Nova York já era um fã de rock e metal ou só gostava de jazz?
Cresci no rock. Toco guitarra por causa do Led Zeppelin. Então gosto de heavy, hard rock. Sempre gostei de música pesada, agressiva. Pra mim, Coltrane é bem pesado, agressivo, assim como Charlie Parker. Músicos não devem se prender a gêneros musicais, na minha opinião. Quando alguém me diz “Odeio jazz”, eu reviro os olhos. Se for um músico, está perdendo uma das maiores formas de arte já criadas. É o mesmo quando alguém diz que odeia música pesada, metal. Só digo: “Problema seu”. Gosto de tudo, não me identifico com um estilo.

Você chegou a NY no começo dos anos 80, certo?
1985. Me mudei pra NY com 600 dólares no bolso. Trabalhei como segurança no Welfare Hotel, onde eu morava. Não conseguia nem pagar o aluguel. Estava devendo 6 meses e o dono veio dizer: “Ei, seu aluguel está atrasado”. Eu disse: “Você é meu chefe, é você quem me paga. Mal consigo comer, como posso pagar o aluguel?”. Então arrumei um bom emprego de motorista de van, fazendo entrega de learning antiques, que são umas revistas de educação continuada para adultos. Eu as entregava 4 dias por semana. Ganhei um bom dinheiro com isso e pude sair do vermelho.

Como você foi tocar com o Glenn Branca?
Vi um anúncio no Village Voice – também foi assim que eu entrei pro Band of Susans. Não sabia do que se tratava. Tive uma audição, só eu e Glenn no escritório dele, ele tinha um monte de livros e tal. Ele me deu alguns ritmos para tocar com uma guitarra em open tune (sistema em que todas as cordas da guitarra são afinadas em uma mesma nota). Ele também pegou uma guitarra e tocamos juntos. Adorei. E ele me contratou. Com o Glenn não é uma gig fixa, em que você só toca com ele, porque ele faz só uns seis shows por anos. Foi assim: ensaiamos para alguns shows na Itália e na França, paramos por alguns meses e então ensaiamos de novo para a gravação (da sinfonia Devil’s Choirs at the Gates of Heaven).

Gostaria de falar sobre algumas técnicas ou ideias que você aprendeu com ele e depois usou no Helmet ou em outros projetos.
Acho que a principal coisa foram as figuras rítmicas do Glenn e a sobreposição de coisas como guitarras em 5/4 e bateria em 4/4. Isso ficou comigo. Também absorvi o open tuning. No caso do Glenn, as guitarras são afinadas em E e B. Ele dividia as guitarras em seções: soprano, contralto, tenor, barítono e baixo. É quase como um coro, um coro de guitarras. A soprano, por ser mais aguda, tinha cordas de expessura mais fina, que têm um som mais brilhante. Muito interessante. No Helmet, não usamos open tuning, mas acho que aquele som permaneceu comigo. A maneira como ele sobrepõe acordes e cria esses harmônicos interessantes na upper part of the chords. Qualquer nota tem uma série harmônica e quando você adiciona distorção e outras notas, você tem essa parede sonora interessante.

Antes do Helmet, você tocou no Band of Susans. Há umas guitarras muito boas naquele disco Love Agenda. Eram 3 guitarras, certo?
Sim. Com três guitarras é obviamente menos cabeludo e complexo do que o grupo do Glenn, que tinha nove guitarras, acho, na época em que gravamos a Sinfonia nº 6. O Robert pegava acordes bem simples e os contrapunha a outros acordes. Era lindo. Foi ele quem me fez começar a experimentar com distorção.

helmet: role model / so long / ironhead from de casa on Vimeo.

Como o Helmet nasceu?
Eu estava compondo e tinha esperança de que algumas dessas músicas entrassem no disco (Love Agenda), mas o Robert achou que não eram apropriadas pro Band of Susans. Foi por isso que saí. Eu amava a banda, era ótima, mas eu queria compor. Então decidi formar minha própria banda. Depois de excursionar com o Band of Susans, acho que perdi meu emprego, então arrumei um emprego em uma revista chamada Rock Pool. Eu cuidava da correspondência e escrevia entrevistas usando um nome falso. Conheci uma amiga, ela me achou realmente talentoso e então pagou um anúncio no Village Voice para mim. Foi assim que conheci John Stanier (baterista). Ela era casada com um australiano, Peter Mengede (guitarrista), ele entrou na banda e fizemos audições para baixista. Coloquei um anúncio no Village Voice de novo. Acho que 13 baixistas apareceram na audição. Henry (Bogdan) era fantástico.

Isso foi em 88, 89?
89.

Sei que quando as pessoas formam uma banda elas não sentam e ficam horas pensando em como querem que o som seja, mas acredito que haja coisas que queiram explorar, e outras que não queiram. Como foi isso com o Helmet?
Eu ouvia muitas coisas e voltei ao rock depois de anos longe, estudando e tocando jazz e violão clássico. Comecei a ouvir rock no fim dos anos 70, começo dos 80, e gostava de Killing Joke, Wire, Gang of Four e bandas punk como Buzzcocks e Undertones. Eu realmente queria fazer alguma coisa com vocais e guitarras agressivos. Eu estava compondo, meio usando coisas do Glenn Branca, do Band of Susans e da minha bagagem de jazz. Escrevi o que me veio naturalmente. O drop tuning me ocorreu em uma noite, quando voltava pra casa. Me veio um riff à cabeça para a música Repetition, do Strap it on. Então cheguei em casa, peguei a guitarra e tive que mudar a afinação para achar as notas. Afinei a corda mi grave um tom abaixo, em ré. Isso me libertou e me abriu para todo esse mundo que não tinha explorado antes, e foi assim que o vocabulário do Helmet começou. Hoje tocamos em drop C. Mas naquela época, toda a guitarra estava na afinação tradicional, exceto a corda mais grave, que estava um tom abaixo. Agora, usamos essa afinação e depois abaixamos um tom da guitarra toda (fica assim: d – a – f – c – g – C). Gosto mais desse som.

Tenho uma impressão sobre o Helmet: que as coisas realmente loucas acontecem principalmente nos solos de guitarra. Ruído eu só consigo ouvir nos solos.
Estava conversando outro dia sobre isso e a pessoa me disse que talvez o fato de eu ouvir muitos saxofonistas tenha influenciado isso, porque eu estou sempre tentando tirar frases de saxofone da guitarra. John Coltrane é um dos meus heróis, assim como Charlie Parker e Wayne Shorter. E isso se transformou nesse estilo meu.

Os solos de guitarra são bem importantes na música do Helmet, mas hoje em dia a maioria das pessoas – com exceção dos guitarristas – parecem estar meio cheias disso. Solos de guitarra não são tão populares como eram nos anos 70, por exemplo.
Não me preocupo com isso, porque eu amo solos de guitarra. Gosto da excitação que eles criam e das mudanças de seção que você pode fazer com eles.

helmet: i know / wilma's rainbow / milquetoast from de casa on Vimeo.

Voltando no tempo, no começo dos anos 90, algumas pessoas compararam o Helmet à cena de Seattle. Você vê coisas em comum ou isso é asneira de jornalista?
Acho que é asneira de jornalista. Pela banda ter se formado na mesma época as pessoas fazem essas comparações. Mas eu e o baixista, Henry, somos do Noroeste, de Oregon. Saímos de lá e fomos correr atrás de nossas carreiras musicais em Nova York. Ao formar uma banda em Nova York, sofremos influência do estilo de vida urbano, que é completamente diferente do estilo de vida em cidades como Seattle e Porland, que não são tão agitadas quanto Nova York. Gosto de muitas dessas bandas de Seattle, mas o som delas é mais retrô, inspirado nos anos 70. Na verdade, conversei com os caras do Mudhoney algumas vezes e eles disseram que estavam chupinhando Stooges em velocidade lenta. Achei engraçado. O Helmet vem mais da cena noise artística de Nova York. Somos muito mais agressivos. Então não vejo semelhança entre nós e Nirvana, Soundgarden, Pearl Jam ou Alice in Chains.

E The Melvins?
Amo The Melvins. Dá pra ouvir influência de Black Sabbath na música deles. São uma das minhas bandas favoritas do Noroeste e são meus amigos também. Eles sempre compuseram ótimas músicas. Mesmo quando estão fazendo coisas com ruído e feedback, continua divertido e interessante de ouvir. Eles certamente me empolgam e eu diria que me influenciaram. Eles usam essas melodias pentatônicas ozzyanas. E a melodia na música Unsung, do Helmet, tem esse som de pentatônica ozzyana. Acho que peguei isso do Melvins.

Curtiu? A parte 2 vem logo, logo...

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MuCoMuFo 3: Matana Roberts

2011-12-26T13:26:00.000-08:00

Acabei de conhecer essa saxofonista/compositora estadunidense (mas com um pé bem fincado na África), então não tenho nem muito o que discorrer sobre o som dela. Mas uma coisa é fato: Matana mete os dois pés no peito sem dó. Jazz experimental pesadíssimo.

Porque Natal com música errada é muito mais feliz!

2011-12-21T04:07:00.001-08:00

Natal é aquela época em que todos os setores competem para se superar na breguice: as decorações são atrozes, as mensagens são medonhas, as propagandas dão enjoo e as músicas... meodeos! Letras piegas, arranjos de mau gosto na velocidade 5 do créu e tudo isso embalado em capas de disco deste naipe.

Aí surge essa compilação toda trabalhada em noise, power electronics e música errada em geral para quebrar o clima de pseudo-felicidade hipócrita. Eu só conhecia o Guanoman, mas também pirei nas outras faixas, especialmente as do ReNero e do Syrinx.

&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;a href="http://dreamdark.bandcamp.com/album/a-dreamdark-christmas"&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;A Dreamdark Christmas by Dreamdark&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;/a&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;

Da série: Virgi!

2011-12-16T11:43:00.000-08:00

Na real, nem achei o resultado tão espetacular, mas que encontro, hein? Thurston Moore e Prurient:

Curiosidade: outro dia, estava escutando o EP "novo" do Prurient, Time's Arrow, na firrrma e a colega do lado perguntou se eu tava ouvindo Idoser de alucinógeno, hahahaah

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Só dando um pulinho...

2011-12-09T07:04:00.000-08:00

Só para não falar que eu nunca mais apareço por aqui, venho compartilhar minha mais recente semi-obsessão:

A banda já era fodaça, aí teve essa ideia de chamar mais um integrante e fazer essa bateria siamesa que, além do som tijolada na testa, fica incrível visualmente. E falando em visual: que figurinos, meo deos!

O que eu amo no Melvins é a forma como eles levam a música à sério, mas não se levam à sério.

ps: tenho duas entrevistas órfãs que, ao contrário da entrevista com o Attila, não encontraram pais adotivos. Então logo menos elas pintarão por aqui.

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O fim (ou não)

2011-11-15T16:01:00.000-08:00

Ninguém sabe direito o que será do Sonic Youth daqui pra frente - e na real, ninguém sabe direito que raios aconteceu, visto que o tal comunicado sobre a separação do Thurston e da Kim sumiu do site da Matador em dois segundos e todo mundo que deu a notícia o fez baseado em outras fontes que não a original.

Mas enfim... se o show que eles fizeram no SWU ontem foi o último da carreira, se despediram muito bem. Tirando o fato do show ter sido curto (o que não foi culpa deles, e sim uma exigência do formato festival), tudo o mais foi lindo, desde o início matador com Brave Men Run emendada em Death Valley 69 até o final igualmente matador em que a barulheira comeu solta e livre por quase 6 minutos.

A apresentação foi, de certa forma, uma síntese do que é o Sonic Youth, a banda que conquistou de vez o espaço para o ruído dentro do rock, que levou a revolução guitarrística de Glenn Branca para a MTV, que uniu melodias quase grudentas ao experimentalismo casca grossa, que abraçou Nirvana e John Cage - e Lydia Lunch e Merzbow e Carpenters...

Valeu, SY. Vocês vão fazer falta.

Plunderphonics

2011-11-06T08:20:00.000-08:00

Plunder =roubar
Phonic = relativo a som

No mundo da música tradicional, um compositor cria uma obra e então registra em uma gravação.
No mundo do plunderphonics, um compositor (neste caso, também chamado de "pirata", "ladrão", "aproveitador" e "bandido") usa uma gravação já existente para criar uma nova obra. Encaixam-se nessa categoria o sampling, o mash-up, o turntablism, o remix, as experiências com rádios, gramofones e fitas magnéticas dos músicos concretos e de John Cage.

Além de desafiar a poderosa (não por muito tempo...) indústria do copyright, a prática do plunderphonics coloca em xeque as noções de originalidade e individualidade, tão caras à música ocidental, mistura os mundos da high art e low art até o ponto em que essas definições deixam de fazer qualquer sentido, e transforma equipamentos que reproduzem som em instrumentos que produzem som.

As primeiras experiências apareceram no terreno da música de vanguarda/eletroacústica, mas ainda tinham um elemento de acaso, não eram tão auto-conscientes - por exemplo, em Imaginary Landscapes nº 4, Cage botou sobre o palco vários rádios em estações aleatórias.

O primeiro exemplo de "roubo sonoro" deliberado foi feito por James Tenney em 1961 com a gravação de Blue Suede Shoes, do Elvis. O resultado final é a peça Colage #1, que faz referência à original - é possível reconhecer o som do Elvis em alguns momentos - ao mesmo tempo em que é algo totalmente diferente:

Outro crássico do gênero é a gravação de Pretender, da Dolly Parton, manipulada por John Oswald.

Em 1989, Oswald juntou todos os seus trabalhos em um CD sabiamente intitulado Plunderphonics. Mas o seu Michael Jackson - que estava ali no meio dos sons roubados - se sentiu errr... roubado e moveu, junto com sua gravadora, um mega processo que resultou na absurda decisão judicial que obrigou Oswald a destruir todos os CDs que ainda não haviam sido distribuídos. Mas em 2002, ele lançou de novo o disco - e aí o MJ já estava mais preocupado em provar que ele próprio não era criminoso.

Desabafo

2011-10-27T19:09:00.000-07:00

Só queria deixar registrado meu profundo desprezo, rancor e ódio por todos que assistiram o show do Attila com a Dimanda na sexta-feira passada e não se deram ao trabalho de fazer uma porra de um videozinho.

Pronto, escrevi.

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Dúvida

2011-10-23T16:13:00.000-07:00

Eu que estou com algum problema sério no canal auricular e/ou no cérebro ou esse disco da bizarra parceria Lou Reed/Metallica é, digamos... bom?

Pra quem ainda não ouviu, Lulu está disponível em streaming aqui.

Como tretar com classe

2011-10-17T17:21:00.000-07:00

Quem tá por dentro do que rola na imprensa musical já deve ter visto a baixaria sem limites envolvendo umas figurinhas deprimentes da crítica musical troll, novos artistas, jornalões e a comunidade virtual de uma revista finada. Se você não faz a menor ideia do que eu estou falando, você é uma pessoa de sorte. Mantenha-se assim.

Mas se você conhece a encrenca toda e também está de saco cheio de mimimi e discussões que vão do nada a lugar nenhum, trago aqui um exemplo de como tretar com classe.

Em 95, um repórter da Radio 3 levou pro Stockhausen músicas de artistas eletrônicos mais """comerciais""". Aí o Stockhausen ouviu e fez altas críticas. Então, o repórter levou as críticas pros caras e aí eles fizeram a crítica da crítica.

O foda é que são críticas pesadas (bem mais que "vc é uma tia véia"), só que tudo na maior finesse, porque os argumentos são baseados em música e não em... nada. É uma treta entre artistas adultos, discutindo seus conceitos de música, e não entre garotos se pegando na saída porque não têm nada melhor pra fazer.

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Post pequenino

2011-10-04T14:53:00.000-07:00

Cato Salsa Experience = banda de rock da Noruega
The Thing = trio do Mats Gustafsson (um deles...)
Who the Fuck = música da PJ Harvey

Legal, né?

Tremei...

2011-09-26T19:16:00.000-07:00

Guarde a data: 21 de outubro de 2011. Neste dia haverá um show de ninguém mais ninguém menos que Diamanda Galás E Attila Csihar (não tenho certeza se será um duo ou se o Void ov Voices só vai abrir pra ela, mas mesmo assim é foda). Essa maravilha será em Copenhague. Se você, como eu, não pode se dar ao luxo de fazer uma bate-e-volta na Escandinávia, chore. Ou reze para alguma alma caridosa gravar a apresenatção e colocar no youtube.

E caso você tenha caido de pára-quedas neste blog e/ou neste planeta e está se perguntando quem são esses dois na noite, eu vos apresento.

Esta é a senhorita Galás:

E este é o seu Attila:

MuCoMuFo 2

2011-09-18T18:10:00.000-07:00

E continuo com minha campanha Mulheres Contra a Música Fofinha, aka MuCoMuFo.
Agora com a violista Mandy Drummond, a saxofonista Ingrid Laubrock e a violoncelista Hannah Marshall, do Sol6, que conta também com três homens e fez um show lindo hoje no Centro Cultural São Paulo.

Não tem nenhum vídeo deles no Youtube, mas dá para ouvir algumas faixas no site do baixista, Luc-Ex. Só clicar aqui.

Virgi...

2011-09-15T19:23:00.000-07:00

Que coisa infame... Curti.

PRURIENT - A Meal Can Be Made by Hydra Head Records

O fator Mike Patton

2011-09-12T15:02:00.000-07:00

Sem Mike Patton:

Com Mike Patton:

Cada um tire suas próprias conclusões...

Rascunho do inferno

2011-09-05T21:06:00.000-07:00

Em junho do ano passado, fiz um post falando um pouco sobre certas músicas feitas com a intenção deliberada de torturar o ouvinte. Eis aqui mais um exemplo, que dispensa descrições:

UMA FAIXA.
UMA HORA.

Espancadora de pedal steel strikes again

2011-09-05T10:11:00.000-07:00

Faz uns dias, postei um vídeo da Heather Leigh Murray. Fiquei sabendo da existência dessa moça por meio do documentário Her Noise, que está lá na linda Ubuweb - na verdade, não é um documentário, é meio que o making-off de uma exposição chamada Her Noise, que, como o nome sugere, juntou um monte de mulheres que fazem barulho. Literalmente.

Bom, pirei no som dela e então joguei Heather Leigh Murray no Google. Impressionante, mas em plena segunda década do século 21 a moça não tem nem site, nem myspace, nem um modesto blog ou twitter. O máximo que achei foram uns vídeos meia boca no Youtube. Até que um colega indicou este lindo blog, cujo menu é só carne de cavalo, e lá estava: um disco dela para ser baixado - quer dizer, não exatamente dela. É do duo Jailbreak, formado por ela e pelo baterista Chris Corsano, a mesma dupla do vídeo.

The Rocker (essa coisona branca no topo do post é a capa dele) consiste em quase 37 minutos de noise/improvisação livre/fritação. Nunca um pedal steel foi tão mal tratado (no bom sentido!). O link tá aqui.

Clássicos do dia 7: Diamanda Galás - Masque of Red Death pt. 3

2011-08-28T14:49:00.000-07:00

E eis que chegamos à última parte da trilogia Masque of Red Death, o disco You Must be Certain of the Devil. Enquanto as letras do primeiro disco eram, com exceção de uma, tiradas do Antigo Testamento, e as do segundo disco de poemas franceses do século 19, as letras de You Must be Certain of the Devil são de autoria da própria Diamanda Galás, com apenas alguns excertos bíblicos no meio.

Por isso, encontramos referências diretas a AIDS, à polêmica de que a doença seria um castigo divino e ao tratamento dispensado aos infectados:

“Do you fear the cages they are building in/
Kentucky Tenessee and Texas/
while they are giving ten to forty years to find a cure?//
In Kentucy Harry buys a round of beer/
to celebrate the death of Billy Smith, the queer/
whose mother still must hide her face in fear”
(Let’s not chat about despair)

“The devil has designed my death/
and he’s waiting to be sure/
that plenty of his black sheep die/
before he finds a cure”
(Let My People Go)

“... the red eyes of the pentecostal killers/
and the black eyes of roman catholic killers/
and the blue eyes of the pinhead skindhead killers”
(Malediction)

É interessante ver como de um disco para o outro a música vai, de certa forma, de desradicalizando. É claro que a temática continua pesada e os arranjos (especialmente a parte da voz) continuam muito longe do convencional, mas em You Must be Certain of the Devil é possível identificar traços de blues no piano de Let’s not Chat About Despair, e de spiritual em You Must be Certain of the Devil, faixa que também tem um clima alegre, proporcionado pelo ritmo e pelo uso do órgão Hammond – ainda que esta alegria seja usada de maneira irônica, para criar um contraste com a letra, nada alto-astral, e com os berros medonhos que aparecem no final. E Double Barrell Prayer, que virou videoclipe, não soaria completamente alienígena se tocada em um clube gótico (não consegui incorporá-lo, então se quiser ver, só clicar aqui).

Há também no disco duas canções tradicionais americanas: Swing Low Sweet Chariot (cujo arranjo eu devo confessar que acho muito ruim) e Let my People Go. Esta última é, originalmente, um spiritual sobre Moisés atravessando o Egito levando o povo hebreu. Mas Galás mudou a letra (para ter uma ideia, o novo refrão é: “O Lord Jesus, do you think I served my time?/ The eight legs of the devil now/ are crawling up my spine”) e criou um arranjo bastante sombrio utilizando apenas voz e piano.

A última faixa do disco é o famoso salmo “The lord is my shepard”. Só que, em vez de musicar o texto bíblico, como fez em Divine Punishment, aqui Galás apenas recita as palavras, sem nenhum acompanhamento instrumental. É bastante angustiante e aflitivo, pois ela faz voz de quem não está conseguindo respirar direito. Soa como a última oração de um moribundo.

Abaixo, a famosa tatuagem de Galás:

Attila, seu huno

2011-08-26T11:57:00.001-07:00

E foi publicada no blog Intervalo Banger a primeira parte da minha entrevista com Attila Csihar. Que ele é o atual vocalista do Mayhem (com quem também gravou o crássico De Mysteriis Dom Sathanas), membro-sombra do Sunn O))), fundador do Tormentor e que colaborou com trocentos projetos, de Jarboe a Keep of Kalessin, todo mundo já sabe. Então aqui vão algumas facetas menos conhecidas do cara:

Faceta EBM: Plasma Pool (convém não olhar as imagens do vídeo)

Faceta techno black metal: Aborym

Faceta one-man-band: Void ov Voices

Faceta além de qualquer compreensão: Burial Chamber Trio

(desculpe a qualidade - aliás, a falta de - do áudio. Iutubiu é fueda...)

Dignity of Labour

2011-08-22T11:03:00.000-07:00

Da série "Músicas para ouvir em uma tarde gelada":

E sim, é o mesmo Human League que depois lançaria Don't You Want Me.
E sim, é o mesmo Human League que depois lançaria Human.
E sim, isso também me faz perder um pouco de fé na Humanidade.

Kevin Drumm

2011-08-18T19:43:00.000-07:00

O show do Kevin Drumm - e, em especial, o set com o Objeto Amarelo - foi uma experiência sobrenatural, intensa à milhonésima potência: chão tremendo, órgãos internos vibrando, coração acelerando, sustos, e também momentos de calmaria, drones. No finalzinho, quando do nada ele simplesmente cortou todo o som, a sensação foi de cair num abismo. Um abismo de silêncio. Saí do SESC vendo estrelas e acho que vou continuar assim durante alguns dias.

E aqui tem uma entrevista com o cara, feita pelo Amauri Gonzo e com uns pitacos desta que vos escreve.

MuCoMuFo

2011-08-17T18:05:00.000-07:00

Estou lançando o movimento Mulheres Contra a Música Fofinha, aka MuCoMuFo.
Pra começar, a espancadora de pedal steel Heather Leigh Murray:

Clássicos do dia 7: Diamanda Galás - Masque of Red Death pt 2

2011-08-17T08:35:00.000-07:00

Saint of the Pit, segundo disco da trilogia Masque of Red Death, foi lançado em 1988, e conta com a participação de FM Enheit, do Einstuerzende Neubauten, na percussão de algumas faixas (esqueci de dizer que em Divine Punishment é a própria Diamanda Galás quem executa todos os instrumentos).

O disco, que abre com a faixa instrumental La Trezième Revient, composta por camadas de órgãos, é menos satânico que o disco anterior. Dessa vez, Galás deixou os textos bíblicos de lado e musicou poemas de Baudelaire, Gerard Nerval e Tristan Corbière. Mesmo assim, tanto o clima geral das faixas quanto o conteúdo das letras continua pesado, com muitas referências a morte, castigo e sofrimento.

Novamente, Galás faz uma ponte entre duas épocas e duas realidades diversas, porém semelhantes, usando obras de poetas malditos do século 19 para ilustrar a condição dos portadores de HIV nos anos 80 do século 20. Para isso, segue a mesma linha de Divine Punishment: parte instrumental econômica porém agressiva e vocais absurdos, muitas vezes sobrepostos.

Em Saint of the Pit, ela explora tessituras mais graves, assim como técnicas típicas do canto lírico (por exemplo, sustentar uma mesma nota por muitos compassos com um certo vibrato). Aprofunda a investigação do canto de lamento com toques de Oriente Médio – que já havia iniciado em Deliver me from my enemies pt. IV, do disco anterior – na faixa Ezeaóyme, que mais para o fim se torna uma cacofonia de vozes. E, como sempre, trabalha com timbres considerados feios pelos ouvidos menos acostumados. Cris D’Aveugle, por exemplo, começa com gritos tão agudos que podem ser descritos como o equivalente vocal de unhas arranhando a parede.

Enfim: 100% expressividade, 0% concessão ao gosto médio do público, ao mercado, ao agradável. Como tudo o que Diamanda Galás faz.

Troféu como não escrever sobre música - and the winner is...

2011-08-11T19:13:00.000-07:00

Gosto de músicos que refletem sobre a arte que fazem, gosto de músicos que escrevem essas reflexões e gosto do Liturgy. Dessa forma, foi com a maior boa vontade que li o manifesto "Transcendental Black Metal", escrito por Hunter Hunt-Hendrix, vocalista-guitarrista da banda. Mas nem toda a boa vontade do mundo seria suficiente para achar qualquer coisa de prestável em suas (felizmente poucas) páginas. É um pastiche de Nietsche, Marx, Walter Benjamin, conhecimentos primários de física, química e biologia, frases de efeito e metáforas, tudo embalado por uma escrita tosca e repetitiva.

É tão absurdamente LIXO que me dei ao trabalho de traduzi-lo, só para que mais gente consiga entrar em contato com essa peça rara da pseudo-filosofia musical. Se você não sabe o que é vergonha alheia, aqui está uma chance de provar o gostinho agridoce do constrangimento. Mas antes do horror, um clipezinho do Liturgy, só pra provar que a banda é realmente interessante, embora com alguns probleminhas (falarei sobre ela em breve...):

Black Metal Transcendental - Uma visão do humanismo apocaliptico

Prologomenon

Alguém pode propor um novo significado para o black metal junto com uma nova gama de técnicas para ativar esse significado. O significado do Black Metal Transcendental é Afirmação, e sua nova técnica é o Burst Beat.

A vontade de potência possui dois estágios. O primeiro pode ser chamado de Fortificação; o estabelecimento de um paradigma ou conjunto de regras e, consequentemente, a exploração do potencial que está contido nesses limites. O segundo estágio pode ser denominado Sacrifício; uma auto-destruição, uma auto-superação na qual as regras iniciais, completamente digeridas e satisfeitas, são então mutiladas. Elas são transformadas na base de algo novo e inédito.

Black Metal Transcendental é o black metal no modo de Sacrifício. É a retirada das características superficiais e uma nova exploração da essência do black metal. Como tal, é solar, hipertrofiado, corajoso, finito e penúltimo. Seu tom é a Afirmação e sua técnica-chave é o Burst Beat.

Hoje, USBM vive à sombra do Black Metal Hiperbóreo. Chegou a hora de uma ruptura decisiva com a tradição europeia e o estabelecimento de um black metal verdadeiramente americano. E devemos falar “americano” em vez de “US”: os US são um império em declínio; a América é um ideal eterno que representa dignidade humana, hibridização e evolução criativa.

O ato de reniquilação é a traição do Black Metal Hiperbóreo e a afirmação do Black Metal Transcendental. E é, ao mesmo tempo, a constituição de um humanismo apocalíptico a ser chamado de Aesthetics. Assim sendo, a questão do Black Metal Transcendental é somente a ponta do iceberg em cuja base está escondida uma nova relação entre arte política, ética e religião.

Parte I - A morte de Dead

O vazio tátil como causa final

A história do metal pode ser considerada em termos de níveis de intensidade. Considerado dessa maneira, o black metal mostra-se como a culminação ou ponto final dessa história, e também uma rua sem saída.

O desenvolvimento histórico do metal extremo não é uma série acidental de mudanças estilísticas. É teleológica – governada por um Ideal, ou uma causa final, vagamente entendido porém intensamente sentido. Essa causa final é chamada de Vazio Tátil.

O Vazio Tátil é um valor de intensidade hipoteticamente total ou máximo. É o horizonte da história do metal.

A orientação em direção ao Vazio Tátil é expressa como sentimento. O sentimento é uma unidade, mas em pensamento podemos dividi-lo em quatro elementos:

Há, em primeiro lugar, uma certa contração muscular, uma constrição das mandíbulas, pulsos, braços e tórax.
Em segundo, há um afeto: uma certa agressividade ou brutalidade, uma sensação paradoxal de poder, destruição, plenitude e vazio.
Em terceiro, esboça uma satisfação primordial relacionada ao afeto que age normativamente. Bom metal produz um aroma satisfatório de contração, constrição e afeto brutal.
Finalmente, há um je ne sais quoi vagamente discernível que diz “não é suficiente”. Uma insatisfação complementar – como se qualquer colapso brutal não fosse brutal o suficiente. É uma fissura, uma rachadura, uma falta de ser. Uma insuficiência comparada à plenitude prometida. Talvez seja a incapacidade de qualquer música concreta se equiparar à inspiração que a gerou. Paradoxalmente, essa insatisfação é sentida em proporção direta ao nível de seu complemento.

É essa insatisfação, esse quarto elemento, que faz com que o metal extremo desenvolva novos estilos ao longo do tempo. É o impulso da causa final. Esse buraco, essa fissura, é o anjo que guia a história do metal. Vemos o metal marchar em direção ao vazio, deixando thrash, death metal e black metal, sucessivamente, como resultado.

Mas a promessa feita pelo Vazio Tátil é uma mentira. Só sua ausência se faz presente.

Transilvanian Hunger

Black Metal Hiperbóreo é a culminação da história do metal extremo. O Black Metal Hiperbóreo nasceu no Círculo Ártico, que é tradicionalmente conhecido como região Hiperbórea. A região Hiperbórea é uma terra não cultivada porque falta periodicidade. Não há morte ou vida lá, porque o sol não nasce nem se põe.

Black Metal Hiperbóreo é a culminação da história do metal extremo (que é a culminação da história da Morte de Deus). O sujeito dessa história pode ser comparado a um alpinista, fazendo manobras sobre e através os vários terrenos de thrash, grindcore e death metal – ou então, escavando esse terrenos nas encostas das montanhas – e lutando para alcançar o Vazio Tátil, vagamente entendido porém fortemente sentido, vislumbrado claramente do cume.

Black Metal Hiperbóreo representa a chegada do alpinista ao pico e um suposto salto a partir dali, indo diretamente para dentro do Vazio Tátil. Uma intensidade total, máxima. Uma completa enchente de som. Uma plenitude absoluta.

Mas lá ele aprende que não é possível distinguir a totalidade do nada. Ele aprende que é impossível saltar para dentro do horizonte. E ele é deixado, abatido e sozinho, na região Hiperbórea. É um lugar morto e estático, uma terra polar onde não há oscilação entre dia e noite. Mas estase é atrofia. A região Hiperbórea está morta com pureza, totalmente absoluta, imutável e eterna. O alpinista passa por uma apostasia profunda que ele não consegue entender completamente e chega ao niilismo.

A técnica do Black Metal Hiperbóreo é o blast beat. Black metal puro, representado por Transilvanian Hunger, significa open strumming e um blast beat contínuo. Mas o blast beat puro é a própria eternidade. Sem figuras articuladas, sem começo, sem fim, sem pausas, sem variação de dinâmica. É um pássaro planando no ar sem nenhum lugar para pousar nem por um momento. O que a princípio parecia um grande clamor decai para um zunido atrofiado. Tendo escalado até o topo da montanha, o alpinista se deita e congela até a morte.

Parte II - A afirmação da afirmação

América

Black Metal Transcendental representa uma nova relação com o Vazio Tátil e a auto-superação do Black Metal Hiperbóreo. É uma sublimação do Black Metal Hiperbóreo tanto no aspecto espiritual quanto no aspecto técnico. Espiritualmente, transforma o niilismo em afirmação. Tecnicamente, transforma o Blast Beat em Burst Beat.

Espiritualmente, nós reconhecemos o niilismo e nos recusamos a afundar nele, tarefa que parece impossível. Black Metal Transcendental é Reniquilação, um “Não” a toda gama de Negações, o que se transforma na afirmação da continuidade de todas as coisas.

Black Metal Transcendental é a reanimação da forma do black metal com uma nova alma, uma alma cheia de caos, furor e êxtase. Um clamor alegre especificamente americano que também é um tremor. Ou talvez seja o ato oposto: a retirada da casca de convenção, a pele morte de clichês e uma nova exploração da alma viva do black metal, com objetivo de reativar sua mais pura essência e produzir algo que cresce a partir disso mas não se parece com suas encarnações passadas por ser construído desde a fundação em tempo e espaço diferentes. Construído na América. Uma América que nunca existiu e possivelmente nunca irá existir. Uma América que representa o humanismo apocalíptico de William Blake. A América celebrada na Appalachian Spring de Aaron Copeland ou Skies of América de Ornette Coleman.

Essa América é uma metáfora da criatividade pura e irrestrita, o exercício corajoso da vontade e a alegre experiência da continuidade da existência. Uma celebração da evolução híbrida e criativa.

O Burst Beat

A espinha dorsal do Black Metal Transcendental é o Burst Beat. O burst beat é um hiper blast beat que tem fluxo e refluxo, se expande e se contrai, respira. Substitui morte e atrofia por vida e hipertrofia. Essa transformação é conseguida por duas partes essenciais: aceleração e ruptura.

A primeira parte essencial do burst beat é aceleração. O burst beat acelera e dasacelera. Tem fluxo e refluxo. Esse fluxo espelha a vida assim como estimula a vida. Expande e contrai como a maré, a economia, dia e noite, inspiração e expiração, vida e morte.

A segunda parte essencial do burst beat é a ruptura. O burst beat consiste de rupturas repentinas e transições de fases. Como todo sistema natural, passa repentinamente de um estado para outro. Pense no cavalo quando muda do andar para o trotar para o galope. Pense na água quando passa do gelo para o líquido para o gás. O momento da ruptura é o momento de transcendência. O que é sagrado senão o momento em que a água vira vapor? Ou o momento em que o andar se transforma em correr?

O burst beat expressa um arco de intensidade. Ele responde e suplementa o fluxo melódico em vez de oferecer um receptáculo ou pano de fundo rítmico. A taxa de mudança de tempo, tanto positiva quanto negativa, corresponde a um nível de intensidade. Qualquer tempo estático é um grau zero.

O burst exige total despesa de poder e seu próprio exercício fomenta o crescimento e aumento de força. E ainda assim o burst beat nunca chega a lugar nenhum, eternamente “ainda não” ao seu destino final, eternamente “quase” no tempo alvo. Como um nômade, o burst beat sabe que nunca irá chegar.

Espelhando a vida, o burst beat estimula e fomenta a vida. Fomentando a vida, o Black Metal Transcendental afirma a vida.

Hiperbóreo Transcendental
niilismo afirmação
atrofia hipertrofia
blast beat burst beat
lunar solar
perversão coragem
o infinito o finito
pureza penultimidade

Propriedades

O Black Metal Transcendental existe como uma unidade, mas em pensamento pode ser analisado por sete propriedades:

Por que o Black Metal Transcendental é afirmativo?
O Black Metal Transcendental é, de fato, niilismo, no entanto é um niilismo duplo e um niilismo final, uma negação de uma vez por todas de uma série inteira de negações. Com esse “Não” final, chegamos a um tipo de afirmação vertiginosa, uma afirmação que é tensa, aterrorizada, não sentimental e corajosa. O que afirmamos é a condição factual do tempo e a incapacidade de decidir o futuro. Nossa afirmação é uma recusa à negação.

Por que o Black Metal Transcendental é hipertrofiado?
Crescimento é vida, estase é decadência. Estamos comprometidos a lutar eternamente, vivendo um tipo de revolução permanente. Assim como um músculo bem exercitado é belo e poderoso, seremos belos e poderosos. Na verdade, não existe estase. A única escolha é entre atrofia e hipertrofia. A celebração da atrofia é confusa, fraca e neurótica. A celebração da hipertrofia é honesta e viva.

Por que o Black Metal Transcendental é solar?
O Black Metal Transcendental é solar em três respeitos, seguindo três aspectos do sol: periodicidade, intensidade e honestidade. O sol permite que as coisas nasçam e cresçam, para que morram. O burst beat é periódico porque nasce e se põe como o sol. O sol encanta e queima. Participamos na intensidade porque não somos sentimentais e sabemos que a morte chega. Mas por que não seguir um objetivo, seguir o sol e perseguir seus dons? Por que não ficarmos em chamas em vez de diminuir até virar uma partícula de areia? O sol representa a Verdade e revela tudo o que toca. Somos honestos porque nos recusamos a espreitar das sombras, nos recusamos a apontar o dedo, nos recusamos a praticar nossos ritos em segredo. Não somos doentios, malvados, odiosos. Não nos escondemos atrás de figurinos e parafernália.

Por que reverenciamos o finito em vez do infinito?
O que é sagrado é dar cada passo. Cada decisão honesta. O infinito é óbvio e está em todos os lugares. Comprometer-se com o finito requer coragem e produz hipertrofia. Deus é infinito, a natureza é infinita. O infinito está em todos os lugares e é vulgar. O finito sim é raro. O finito sim é peculiar à humanidade. A finitude significa confrontar o que está presente à mão autenticamente e fazer o que é honesto com os meios à disposição. O solar nutre o finito. O finito nasce, luta e morre.

Por que reverenciamos a penultimidade?
O Black Metal Trancendental sacraliza o penúltimo momento, o “quase” ou o “ainda não”, porque descobriu-se que não há nada após o penúltimo momento. O penúltimo momento é o momento final, e acontece a todo momento. O tecido da vida é aberto. Não há nada que seja completo; não há nada que seja puro.

Por que o Black Metal Transcendental é corajoso?
A coragem é aberta e rústica. Coragem significa voar em direção ao horizonte sem a garantia de um local para pousar. Coragem é o salto ativo e honesto de um momento para o outro. Sem dissimulação, sem desculpas, sem ironia, sem reclamações. A Coragem não possui objeto de ataque. A Coragem não é gasta, desapontada e sem emoção. A Coragem não é um voo na fantasia e na nostalgia. É o oposto de Perversão. Perversão é liberdade falsa. Um dardo venenoso atirado das sombras. Um recuo que parece avanço. Um ataque que é na verdade apenas um escudo. Perversão é dissimulação; coragem é autenticidade. A Coragem não tem imagem de si mesma. É inovadora. Não tem nenhum caminho anterior. Seu único traço é o rastro que deixa por onde passa.

Epílogo - Sete teses sobre Aesthetics

1. Black Metal representa uma auto-superação da Contracultura e a ascensão de Aesthetics.

2. Aesthetic poderia ser uma terceira modalidade da arte ao lado do cômico e do trágico. Nem açucarado nem irônico, sem preocupação em relação tanto à verdade inefável quanto ao que é muito óbvio. Seria uma arte diretamente neural fomentando alegria, saúde, ressonância, despertar, transfiguração e coragem.

3. Aesthetic é estético, ascético e ético.

4. Os antigos identificaram o Verdadeiro, o Bom e o Belo. Depois que a poeira baixar e o trabalho da modernidade e da pós-modernidade estiver feito, e a as divisões entre alta cultura, cultural de massa e contracultura não existirem mais, o que sobra? Uma única, brilhante Cultura que é Verdadeira, Boa e Bela.

5. Na era da informação, a cultura passou da superestrutura para a base. Despida de poder de coerção há tempos, a cultura agora é tida como uma força econômica sem precedentes, que intensifica seu poder espiritual, poder sobre corações e mentes. A questão de qual deve ser sua função permanece.

6. O assassinato de Euronymous por Varg Vikernes aparece como o gesto fundador da tradição do black metal. Na verdade, é um mero mito de origem, encobrindo seu verdadeiro gesto fundador. O verdadeiro gesto, embora menos notório, é o suicídio de Dead. Compare o “eu traí a contracultura” de Cobain com o “eu me traí pela contracultura” do Dead. A morte de Dead inaugura secretamente o nascimento do black metal e a morte da contracultura como tal. Só a ausência da voz de Dead assombra De Mysteriis, então a recente volta de Attila para o Mayhem significa que estamos prontos para explorar as implicações do suicídio de Dead.

7. Aesthetics é a ressurreição da aura e uma afirmação do poder do significado de significar.

Clássicos do dia 7: Diamanda Galás - Masque of Red Death pt 1

2011-08-06T06:52:00.001-07:00

O Clássicos de agosto vai ser especial, já que vou falar sobre uma trilogia: a resenha do primeiro disco sai agora dia 7, do segundo no 17 e do terceiro no 27. A trilogia em questão é Masque of Red Death, de Diamanda Galás, que trata do tema da AIDS. O irmão dela morreu da doença e a partir de então ela se tornou militante dos direitos dos HIV+ (ela até tem uma tatuagem “We are all HIV+”).

Divine Punishment, o primeiro da série, é o mais pesado (em todos os sentidos) e, na minha modesta opinião, o melhor dos três. Foi lançado em 1986, ainda no início da epidemia, quando os reaças de plantão pregavam que a AIDS era uma punição divina aos homossexuais, prostitutas e viciados, e que os contaminados deveriam ser apartados da sociedade. Diamanda Galás, que além de cantora e pianista com formação clássica, estudou bioquímica, sabia que a AIDS não se transmite pelo ar e que essa era uma manobra dos fascistóides para segregar quem não segue seus padrões morais/moralistas.

É disso que trata o disco, cujas letras (exceto da última música) são todas tiradas do Antigo Testamento, e, portanto, mostram um deus furioso e vingativo. A letra da última faixa, Sono L’Antichristo, escrita pela própria Diamanda, apresenta dois conceitos importantes para compreender a crítica contida em todo o disco e o paralelo entre textos bíblicos de milhares de anos e a condição dos “””desajustados””” de 1986. O primeiro é o conceito de Satã do Antigo Testamento, entendido, segundo as palavras da artista, como “o inimigo da sociedade, alguém que está separado da sociedade por escolha ou por herança, ou ambos”. O segundo é um conceito que ela mesma elaborou, o de “shit of God” (merda de Deus): “os “erros” de Deus, aqueles que os legisladores querem depositar fora da cidade... e aquelas pessoas que não estão interessadas em produzir para o Estado”.

“Minimalista” é uma palavra inadequada para descrever Divine Punishment, mas há no disco uma clara economia de instrumentos (só piano, teclado, percussão e eletrônicos e nunca todos são usados juntos; aliás, algumas faixas são totalmente vocais) e os próprios arranjos dão espaço ao silêncio e fazem uso de drones. Isso na parte instrumental, porque no vocal o pau come solto. Diamanda Galás é dona de uma técnica impressionante e, além de ter uma extensão vocal fora do comum, é capaz de criar uma gama enorme de timbres com a voz. E o melhor é que ela usa o talento a favor da expressão, mesmo que isso signifique fazer a voz soar “feia”. Como no disco em questão o clima é tétrico, há muitos vocais roucos, quase guturais e desesperados (Deliver me from my enemies pt V) gritos agudíssimos ensurdecedores e voz de choro (Deliver me from my enemies pt VI), cantos de lamento (Deliver me pt IV), e até vocais um tanto diabólicos (Deliver me pt III). Se as pinturas de Bosch representando o inferno tivessem trilha sonora, não seria muito diferente do que se ouve em Divine Punishment:

Sono L’Antichristo fecha o disco de maneira espetacular, com um teclado ao mesmo tempo grandioso e tenebroso, gritos inumanos e um final épico no qual ela (e, por consequência, o irmão falecido e todas as merdas de deus) afirma orgulhosamente sua condição de pária.

Sei que é uma comparação injusta e talvez até equivocada, mas como o disco trata da questão da AIDS e, especificamente, do preconceito contra quem tem a doença, não pude deixar de lembrar do filme Filadélfia. Mas enquanto a produção hollywoodiana aborda o tema de maneira piegas e mostra o doente quase como um coitadinho, Diamanda Galás dispensa a piedade e o sentimentalismo e desfere um belo e assustador soco no estômago do ouvinte.

Helmet em São Paulo

2011-08-01T10:19:00.001-07:00

Quinta-feira passada, os americanos do Helmet fizeram um show em SãPã, em uma casa no baixo Augusta (rápida explicação: o Helmet é uma banda de metal formada na virada dos 80 pros 90. Lançou quatro discos e se desfez no fim dos anos 90. Em 2004, o guitarrista-vocalista-compositor-fundador Page Hamilton resolveu ressuscitar o grupo, que desde então já lançou mais três discos).

Meu medo maior era que a banda se focasse mais nas faixas dos álbuns recentes, que são bem ruinzinhos (outra rápida explicação: o Helmet foi uma mega influência para o nu metal, só que a impressão que dá, nesses discos pós-retorno, é que o nu metal inspirou o Helmet. Juro que tem uma faixa de Size Matters que lembra de leve Linkin Park - é, TENSO).

Felizmente, meu medo não se concretizou. O repertório do show passeou por toda a carreira do grupo, incluindo aí o quase hit Unsung, Wilma's Rainbow, Birth Defect, Blacktop, In the Meantime... Todas executadas perfeitamente, sem nenhum deslize - se lembrarmos que, tirando o Hamilton, todos estão na banda há pouco tempo (o guitarrista base talvez não fosse nem nascido quando o grupo lançou o primeiro disco), foi um feito surpreendente.

No entanto, o show teve seus probleminhas - e o mais bizarro é que esses problemas parecem ter sido causados pelo fato de Page Hamilton ser um cara absurdamente gente boa. Vejamos:

- Page Hamilton é tão gente boa que o volume da sua guitarra estava igual ao da guitarra base. Ou seja: na hora dos solos, praticamente não dava para ouvir o que ele tocava. O que é uma merda, visto que é nos solos que Hamilton mostra todo seu lado noizêro de quem no Glenn Branca Ensemble e se aventura por maluquices free jazz. O público berrava "aumenta essa porra!!!", mas Hamilton é gente boa demais pra pedir pro técnico aumentar a porra, ou pra ir ele mesmo e enfiar a pata no botão de volume do amplificador.

- Page Hamilton é tão gente boa que pergunta para o público o que ele quer ouvir. Umas três ou quatro vezes ele meio que parou o show para ouvir sugestões da plateia. Claro que nessas horas 498368 pessoas começaram a berrar ao mesmo tempo, e claro que sempre tem aquele fã mala pedindo para tocarem uma sobra de estúdio da gravação da primeira demo da banda. Apesar dos esforços de Hamilton para fazer todos felizes, teve um desgraçado do meu lado que passou o show todo gritando "Sinatra!!!", que eles não tocaram - uma pena, pois acho essa a música mais foda do Helmet.

- Page Hamilton é tão gente boa que quis homenagear o público brasileiro tocando música brasileira, então em um certo ponto do show começou a puxar umas bossas (começando por Garota de Ipanema, sente o drama). Ninguém teve coragem de gritar algum desaforo, mas as expressões de "Que merda é essa?!", "Aqui nós odiamos essa porra!" e "Você está queimando seu filme animalmente" fizeram com que ele rapidamente desistisse de encarnar o João Gilberto.

Tirando isso, foi só alegria.

440Hz: Especial dia do róqui

2011-07-12T19:30:00.000-07:00

Para comemorar tão ilustre data, o 440Hz de julho vai ao ar algumas semaninhas antes do usual, trazendo uma seleção de crássicos com arranjos de gosto duvidoso, interpretações um tanto infelizes e letras capazes de ruborizar uma criança de 9 anos - mas que a gente adora mesmo assim:

Highway Star - Deep Purple

A canção traz uma mensagem profunda à juventude, que pode ser resumida da seguinte forma: Eu tenho um carrão, vou sair com ele feito um louco pela estrada para mostrar para todos (e especialmente para a gatinha que está no banco do passageiro) que sou fodão. À propósito: ninguém vai roubar minha cabeça, eu tenho velocidade dentro do meu cérebro. Fuck yeah!

Shook me all night long - AC/DC

Para entoar ode de amor tão visceral, nada melhor do que a voz de gato estripado do Brian Johnson. A canção segue a escola Ian Gillian de poesia (com alguns toques de sensualidade tipicamente australiana) e ensinou às mulheres a importância de manter o motor limpo.

Rainbow in the dark - Dio

O grande feito dessa canção é gerar em poucos minutos uma fobia de teclados que acompanhará o ouvinte pelo resto da vida. Além disso, por mais que connoisseurs defendam a técnica do Dio, estou convencida de que ele é o pai espiritual de todos os vocalistas castrati que assolam o metal.

Jethro Tull - Aqualung

Imposível não ter sentimentos contraditórios quando o assunto é Jethro Tull: sim, é meio brega e a flautinha do Ian Anderson tem um quê de "melodias para assobiar com duendes", mas pô... ouve o riff dessa música!!! Por isso, até hoje não sei o que pensar da banda - e também não sei o que equipamento de mergulho tem a ver com um mendigo pedófilo.

Joan Jett and The Blackhearts - I love rock'n'roll

A ex-The Runnaways Joan Jett compôs uma música sobre como ela ama o gênero musical da música que compôs e assim garantiu uma fonte de renda eterna, visto que I love rock'n'roll é executada uma média de 7649573540 vezes por rádios do mundo todo em 13 de julho.

Na fossa com os freaks

2011-07-11T18:40:00.000-07:00

Cosey Fanni Tutti namorava Genesis P-Orridge, com quem tinha a banda Throbbing Gristle. Aí Cosey deu um pé no Genesis e começou a pegar o Chris Carter, também da banda. Genesis ficou tristinho e compôs uma música. Até aí a história se parece com o triângulo amoroso que rolou no Fleetwood Mac - a diferença é que, enquanto o cornudo do Fleetwood Mac compôs a baladinha mala Dreams, Genesis criou a música de fossa mais bizarra de todos os tempos, Weeping:

Aliás, toda a história do TG é pautada por coisas, digamos, pouco convencionais, como o fato de terem começado como um grupo de arte performática chamado COUM Transmissions, cujos happenings envolviam coisas do tipo injetar leite no rabo; e o fato de hoje Genesis P-Orridge ostentar um vistoso par de tetas. E estes são só alguns exemplos. Vale dar uma fuçada no Google sobre a banda - e ouvir os discos, que são foda em todos os sentidos possíveis para a palavra "foda" (desculpe aí a profusão de palavrões em um post tão pequenino).

ps: a analogia entre as bandas foi chupinhada do livro Rip it up and start again, do Simon Reynolds.

Dreamsludge

2011-07-08T11:10:00.000-07:00

Quem bate o olho numa foto do duo Nadja provavelmente vai pensar se tratar de alguma coisa com "indie" e "hype" no meio - até porque a moça parece saída diretamente do clipe da Banda Mais Picareta, quer dizer, Mais Bonita da Cidade. Levando em conta que eles são conterrâneos da Celine Dion e do Bryan Adams, o desejo de sair correndo é quase inevitável.
Felizmente, meu primeiro contato com a banda não foi por meio de fotos e sim da própria música, que é uma das coisas mais impressionantes que ouvi nos últimos tempos.

Imagine o My Bloody Valentine, com suas camadas de guitarras distorcidas criando uma atmosfera etérea. Agora aumente o volume das guitarras, eleve o ruído branco à décima potência, adicione uma boa dose de peso e troque as canções de 4 minutos por viagens quase free-jazzísticas de 15, 20, 30, 40 minutos. Tudo lento, muuuito lento. O resultado é um negócio tão absurdo que os jornalistas musicais vêm criando rótulos os mais bizarros para tentar classificar o Nadja: shoegazer metal, ambient doom, ambient drone e um que não quer dizer muita coisa, mas tem uma sonoridade bacana: dreamsludge.

Também chama a atenção a própria formação da banda, que conta apenas com o mentor, guitarrista e eventualmente vocalista Aidan Baker e com a baixista Leah Buckareff. Para completar o som cheio de camadas e detalhes, eles contam com uma drum machine (que, aliás, considero o único ponto fraco) e com uma série de traquitanas eletrônicas. O vídeo abaixo, tirado de um show, mostra bem como tudo funciona:

Mas o aspecto que mais me surpreende no Nadja é a união entre agressividade e delicadeza, já que as músicas alternam distorções carregadíssimas, blasts de fazer cair da cadeira e torrentes de ruído branco com momentos de tranquilidade e minimalismo, em que Aidan conduz uma cuidadosa exploração de timbres.

O site do grupo tem links para discos em streamming (Radiance of Shadows, Touched, Truth Becomes Death) e no Free Music Archive é possível baixar o áudio de dois shows. Altamente recomendado.

Update: no bandcamp dá pra ouvir mais uma caralhada de discos do Nadja, além de solos do Aidan Baker e projetos paralelos.

3º Aniversário

2011-07-04T17:42:00.000-07:00

Ilustração: Vberkvlt

Aconteceu há três anos. Não lembro se a ideia me veio quando eu estava entediada no chatíssimo estágio que fazia, ou durante alguma aula picareta na faculdade, ou quando estava no banheiro... o fato é que em algum momento decidi criar um blog para falar sobre aquilo que mais me interessa na música: barulho, experimentações e esquisitices em geral. Foi assim que o Destruindo Pianos veio ao mundo. Três anos depois, o brógui continua com o mesmo espírito de então: sem seguir o hype, sem preocupação com atualizações constantes, sem marketing em redes sociais e praticamente sem acessos. Autista e feliz.

Para comemorar tal data, o Destruindo Pianos vai assoprar não três velinhas e sim três velas pretas de sétimo dia - porque a playlist especial de aniversário tá toda trabalhada no metal avant-garde, minha paixão atual. Lembrando que isso não é um best of e sim uma pequena compilação do que eu tenho ouvido. Ishpia:

01 - Helmet: Sinatra
02 - Godflesh: Head Dirt
03 - Anaal Nathrakh feat. Attila Csihar: Regression to the Mean
04 - Mayhem: A Wise Birthgiver
05 - Menace Ruine: Nothing Above or Below
06 - Khanate: Wings from Spine
07 - Sunn O))): CandleGoat
08 - Gnaw Their Tongues: All the Dread Magnificence of Perversity
09 - Nadja: Stays Demons
10 - Swans: The Sound

Pra baixar, só clicar aqui.

Como não brincar de música erudita

2011-06-20T09:23:00.000-07:00

Meses atrás, escrevi um post sobre as ótimas gravações que o Naked City fez de algumas peças do repertório erudito. Hoje, vou falar um pouco sobre como o trio de jazz The Bad Plus assassinou Fém, estudo para piano de Gyorgy Ligeti.

Para começo de conversa, eu gosto muito do The Bad Plus, tanto que fui ao show que eles fizeram aqui no mês passado e entrevistei os caras (talvez esteja na próxima edição da +Soma). Uma das coisas que eu aprecio na banda é o fato dela regravar Nirvana, David Bowie, Radiohead, Black Sabbath e várias outras bandas/artistas de rock e pop. Outra coisa que aprecio muito é o fato dessas regravações serem extremamente respeitosas com as originais. Por mais que eles mudem o ritmo, a harmonia, virem a música do avesso, a essência da música é preservada - para comprovar, basta ouvir a versão deles para Lithium.

Infelizmente, o mesmo respeito não é devido às peças do repertório erudito. No disco For All I Care (no qual está a ótima versão de Lithium, aliás), eles gravaram Fém, Semi-Simple Variations (Milton Babbit) e Variation d'Apollon (Stravinski). Decidir trabalhar com esse repertório já traz um problema: enquanto na música pop há uma melodia e uma harmonia e sobre essa base se constrói o arranjo, na música erudita a composição já é seu próprio arranjo - portanto, não há muita margem para variações.

Uma das poucas coisas abertas à variação é o timbre - e foi exatamente isso o que o Naked City fez, ao trocar piano por guitarra e contrabaixo, por exemplo. Já The Bad Plus resolveu mexer na própria estrutura da música: enfiaram bateria onde não tinha e nem era pra ter, e, no caso do estudo do Ligeti, cortaram a segunda parte da peça. Perguntei isso a eles e o pianista respondeu que ele achava que esse coda não estava certo, então resolveu consertar (sim, "fix it" foi a exata expressão que ele usou) para o Ligeti.

#FAIL

Clássicos do dia 7: Machine Gun - The Peter Brötzmann Octet

2011-06-07T11:23:00.000-07:00

Estou me inflitrando bem devagarinho e com bastante cuidado no mundo do free jazz/improvisação livre/composição instantânea/ invente-mais-um-nome-pra-colocar-aqui. Por isso nem vou me meter a especular sobre o porquê da importância de Machine Gun e em que sentido ele dá continuidade ou quebra com a "tradição" iniciada por Ornette Coleman, John Coltrane, entre outros. Vou apenas apontar alguns aspectos que considero interessantes nesse disco lançado no mítico ano de 1968:

Instrumentação não convencional - nessa época, o grupo contava com dois baixistas (que usavam arco) e dois bateristas.

Ruído e cacofonia - imagine oito músicos tocando ao mesmo tempo. E imagine que não há ritmo, harmonia ou tema os conduzindo. E imagine que dos instrumentos não saem notas e sim gritos, guinchos, engasgos, fricções.

Agressividade - Imagine que em vários momentos do disco tudo o que eu citei no item acima aparece em volume alto e com um ataque tão forte que parece que os instrumentos estão ligados na distorção. Fora as bateras quase death metal. Machine Gun, como o nome já sugere, é brutal. O que eu acho ótimo. A esmagadora maioria da produção cultural na sociedade de consumo (incluindo aí não só a arte, mas a publicidade, livros de não-ficção e programas de rádio/TV) passa a mão na cabeça do público: “você é especial”, “você merece o carro do ano”, “vencer só depende de você”, “você vai encontrar o amor da sua vida” e mais toneladas de baboseiras que nos são empurradas goela abaixo diariamente. Resta à Arte com “A” maiúsculo a tarefa de nos dar uns sopapos de vez em quando, tirando-nos do estado de indiferença no qual passamos a maior parte do tempo.

Caos controlado - apesar de não ter um tema e uma sequência de acordes sobre os quais se basear, as faixas de Machine Gun acompanham um desenho. Isso é claramente perceptível ao ouvirmos os dois takes da faixa-título. Embora sejam diferentes (tanto que um tem 14 minutos e o outro, 17), eles têm um padrão em comum: ambos começam com os instrumentos de sopro emulando som de metralhadora, em seguida a poeira baixa um pouco, entra o piano e momentos de jazz tradicional são intercalados com intervenções barulhentas, depois vem o momento “contrabaixos from hell”, e assim por diante. No finalzinho, mais uma vez o barulho de metranca.

Mudanças de clima - se com o tipo mais caretão de jazz a impressão do ouvinte é a de estar parado assistindo a um (tedioso) desfile de solistas, com Machine Gun temos a sensação de que a música está nos conduzindo por paisagens diversas – obra das mudanças de dinâmica, andamento, instrumentos, intenções...

Pequenos momentos de ordem - também na faixa-título (e em ambos os takes), é possível encontrar dois momentos de ordem, em que uma melodia surge do meio do caos. No primeiro, apenas os sopros ensaiam um teminha, repetido só quatro vezes e logo dissolvido na bagunça sonora. No segundo, todos os instrumentos entram e até parece que a música vai se ordenar, mas, instrumento por instrumento, esse também vai desmoronando. O mais interessante é que são frases absolutamente banais, mas que nesse contexto de cacofonia ganham uma força absurda. São pequenos vislumbres de ordem em meio à entropia – e é somente por causa da entropia que essas “visões” parecem tão especiais. Na faixa Responsible rola uma coisa parecida, só que com um toque afrocaribenho.

Han Bennink - um dos bateristas que participou da gravação, esse quase septuagenário continua alive and kicking. Veio fazer um show no Brasil no fim do ano passado e eu o entrevistei para a Soma. Quando perguntei sobre a experiência com Brötzmann (além de ter tocado com o saxofonista alemão, a última faixa de Machine Gun se chama Music for Han Bennink), ele não teve a menor cerimônia em dizer que foi uma droga. Sinceridade é isso aí.

Novo jazz na fábrica

2011-06-06T18:18:00.000-07:00

Mês passado rolou no SESC Pompeia o festival Jazz na Fábrica. Elenco aqui alguns grupos novos que se apresentaram lá e que merecem uma ouvida.

Knalpot - Sei lá que contorcionismo mental o curador do festival, Carlos Calado, fez para encaixar o duo na categoria "jazz" - não porque use recursos eletrônicos e efeitos, mas porque não me pareceu ter nada de improvisação no som dos caras. Mas o que importa é que é um puta som:

Bodes e Elefantes - Projeto do Guilherme Granado, do Hurtmold, com outros caras do Hurtmold, o Bodes parece com Hurtmold, mas é ainda mais legal que Hurtmold. Outra pro rol da "música instrumental brasileira não-coxinha":

Fire! - Trio do veterano saxofonista sueco Mats Gustafsson, que só por tocar sax barítono já ganha vários pontos comigo. Não consegui achar nenhum vídeo do grupo com áudio minimamente decente, mas achei um incrível do Mats Gustafsson fazendo uma improvisação livre com Phil Minton e o guitarrista John Russell:

obs.: quando eu tava vendo isso eu pensei "Tem um percussionista escondido aí?" e "Por que o Mats tá com a boca no instrumento e fazendo cara de esforço se não tá saindo nenhum som do sax?". Aí eu percebi que o som de percussão tava vindo do sax dele...

SWANS: de novo e de novo e de novo

2011-06-03T06:46:00.000-07:00

Será que se eu mentalizar todo dia "O Swans vem pro Brasil o Swans vem pro Brasil", o Swans vem pro Brasil?

Olha só os caras no Primavera Sound, que rolou em Barcelona no fim de maio:

O Swans talvez seja o único caso de banda que ressuscitou ainda melhor do que já era. Adoro as primeiras coisas dos caras e esquisitices como Soundtrack for the Blind, mas o disco que eles lançaram ano passado é a síntese perfeita da linguagem do grupo, e a formação atual com dois percussionistas está animalesca - mesmo que sem a Jarboe...

Uma das características mais legais do Swans é que, passando pela discografia do grupo, é possível visualizar direitinho como o estilo deles foi sendo criado. Óbvio que quando lançaram The Burning World, mais "pop" e bem menos inspirado que os trabalhos anteriores, deve ter sido um choque para os fãs. Mas hoje dá para perceber como a passagem pela canção mais tradicional foi fundamental para que eles pudessem voltar a fazer música com altas doses de energia negativa, mas sem o caráter de repetição excruciante do início - que foi uma puta sacada na época, mas se desgastou rapidamente.

O fato é que o Swans pode até ter feito alguns discos não tão bons quanto os outros, mas o grupo nunca incorreu no erro de se tornar cover de si mesmo (oi, Alice in Chains). E é por isso que eles estão aí, tiozões de camisa social, quebrando tudo.

Moedor de língua

2011-05-13T13:00:00.000-07:00

Indo direto ao ponto: Gnaw Their Tongues é a coisa mais brutal que já ouvi na vida. Até aí, bela merda, porque "brutalidade" não é exatamente um sinônimo de "qualidade". Mas, no GTT, a brutalidade é atingida por meio de uma elaborada composição sonora. Há guitarras distorcidas a ponto da própria nota/acorde ser engolida pela chiado, e há os vocais histéricos característicos do black metal, mas não é só isso. Em cada música é possível encontrar uma vasta gama de timbres - além da instrumentação ser variada, há diversos tipos diferentes de batidas, barulhos de explosão ou de coisas quebrado, som de metal-batendo-em-metal.

O fato é que o GTT é, na real, uma one-man band de um sujeito chamado Mories. Rato de estúdio e muito provavelmente fã de coisas fofas como Nurse with wound e Whitehouse, ele primeiro trabalha na própria essência do som para então organizar os diferentes timbres em verdadeiras bricolages de horror. É uma torrente sonora tão forte que, após passar a sensação inicial de espancamento, entra-se em um estado de torpor. A extrema tranquilidade atingida por meio da extrema agressão.

Ao menos na música, o caminho do meio nunca pareceu tão sem graça.

(Antes de assistir ao vídeo: se você for vegetariano, recomendo deixar um balde meio por perto...)

440Hz: Uma coisa uma, outra coisa outra coisa vol. 2

2011-04-28T19:04:00.000-07:00

Recentemente, venho ouvindo (quer dizer, lendo) um monte de gente falar sobre um tal de Odd Future. Semana passada tava lá no site Quietus, vi o link pra uma matéria e cliquei para saber ao menos do que se tratava. É um coletivo de rappers americanos bem jovens que apostam na tática da agressão. E foi aí que resolvi voltar a esse assunto, do qual já falei há uns dois anos nesse post.

Antes de tratar do caso em particular, façamos algumas considerações gerais. Há uma linha muito clara (ao menos para mim) separando o que pode e o que não pode em Arte em termos éticos: a linha da ação. Usando um exemplo: uns anos atrás, um artista visual criou uma obra que consistia em deixar um cão amarrado dentro de um museu, sem água e sem comida, até que morresse de inanição. Na época, a crítica que se ouvia era "Isso não é arte!". Discordo. Acredito que arte é qualquer coisa feita com a intenção de ser arte. Mas a arte não existe acima do bem e do mal. Matar um animal com requintes de crueldade é errado e ponto, seja para criar uma obra de arte, seja para produzir um casaco de peles.

Mas a coisa se complica muito quando saímos do terreno da ação para o da, digamos, abstração (ou melhor: quando saímos do "de verdade" para o "de mentirinha"). E se em vez de criar uma obra em que o cachorro morre realmente, o artista tivesse criado uma obra sobre como é divertido ou excitante torturar animais - mas sem que nenhum animal fosse machucado?

Gosto de encarar a arte em termos de ficção e simbologia. Uma obra sobre como é legal judiar de animais (ou matar criancinhas ou seja lá o que coisa abjeta for) não significa que o autor esteja advogando em favor da causa: ele pode muito bem ter se colocado na mente de uma pessoa que faz isso a fim de tentar explorá-la, desvendá-la (eu lírico) ou pode estar usando a crueldade contra animais como metáfora - pode estar falando, por exemplo, da dose de maldade que cada ser humano supostamente carrega dentro de si. E, se é verdade que todos nós temos uma quedinha pelo cruel e pelo abjeto, a arte (seja produzindo ou seja fruindo) é uma maneira saudável e segura de lidar com nosso lado negro da força. Prova disso são os indíces baixíssimos de violência em shows de metal extremo.

Mas ainda assim há situações nebulosas:

1. Quando se sabe que o artista está realmente advogando em favor da causa - por exemplo, o bizarro sub sub sub gêreno National Socialist Black Metal.

2. Quando se sabe que o artista está apenas querendo causar polêmica - por exemplo, a utilização de símbolos nazistas pelas bandas punks no fim dos anos 70.

O Odd Future muito provavelmente (ou ao menos eu assim espero) pertence à segunda categoria. Só que em vez de loas à raça ariana, os caras compõem versos sobre o prazer de estuprar e matar mulheres. Não sou uma pessoa que se choca facilmente e prefiro pecar pela indulgência a dar uma de Tippy Gore, mas me senti realmente muito incomodada e até assustada com o teor das letras - isso porque consegui entender uns 30% do que eles cantam.

E se até eu, que sempre dou à arte o benefício da dúvida e até relevo alguns casos em que não há dúvida (não vou deixar de ouvir Mayhem porque o ex-baterista é um porco racista), me senti profundamente ofendida, o que acontece com aquelas pessoas que não conseguem separar o real do "de mentirinha"? E se esta pessoa não ficar abalada e sim achar interessante a ideia de se divertir estuprando e matando?

À objeção "Ah, mas o cara só vai fazer algo assim se já for louco", digo que concordo, mas em partes. Isso pode ser verdade se aplicado a um adulto de cabeça feita. Mas e no caso de moleques de 13 anos que precisam se afirmar e para isso copiam seus ídolos? E, se a arte não tem o poder de mudar nossos pontos de vista e mesmo nossas atitudes, de que servem então as "mensagens positivas" da arte? Brecht é um total fracasso?

A quantidade de pontos de interrogação não é à toa. Não tenho resposta a essas perguntas.
Não acho que o artista deva ser censurado pelo que escreve/filma/canta. Mas também acho que um pouquinho de responsabilidade não faz mal a ninguém. Talvez a resposta esteja no equilíbrio entre essas duas questões.

ps.: óbvio que essa polêmica não se aplica a obras que tratem de questões abjetas, mas o fazem de uma maneira tão estilizada que é óbvio que estamos no terreno na ficção. Só uma pessoa muito tapada acreditaria que os filmes do Tarantino ou as músicas do Carcass fazem apologia à violência - aliás, os caras do Carcass são vegetarianos muito gente bowa.

Bizarro, medonho e fascinante

2011-04-20T19:35:00.000-07:00

Abruptum é um duo de black metal/dark ambient sueco descrito pelo falecido Euronymous como "the audial essence of pure black evil" (algo como "a essência sonora da pura maldade preta" - poético, não?). Para dar mais um toque exótico à coisa, segundo o livro Lords of Chaos o líder do grupo, que atende pelo pseudônimo It, é um anão. Mas o que faz o Abruptum ser uma das entidades musicais mais bizarras da História é a própria música do Abruptum. Na real eu nem sei como descrever isso. É avant-garde ou simplesmente uma espécie de versão satânica do The Shaggs? Não sei. Mas sei que o resultado é tão feio que chega a ter uma beleza estranha.

11-unimum, mentem alcis juventutem largitionibus, hostes add by rasetz

Tentarei falar menos de black metal por aqui, mas entrei numas de ouvir esse tipo de som, então fudeu... Aproveitando a obcessãozinha do momento, recomendo a leitura desse artigo do site The Quietus, em que são exploradas as semelhanças entre black metal norueguês e gangsta rap americano (!!!). Aliás, em breve farei um post falando um pouquinho de rap - mas não, não tô numas de ouvir rap.

Desculpe pelo sangue...

2011-04-08T10:04:00.000-07:00

Era uma vez uma banda norueguesa de black metal chamada Mayhem. O vocalista do grupo, um sueco que atendia pelo pseudônimo Dead, era um cara esquisitão, calado e depressivo que tinha hábitos excêntricos como por exemplo recolher animais mortos das ruas e guardá-los em sacos plásticos para poder inalar “o odor da morte” antes de subir no palco. Quando criança, Dead teve uma experiência de quase morte e desde então ficou obcecado pelo tema, tanto que nos shows usava um tipo de maquiagem cadavérica que ficou conhecido como corpse paint e se tornou uma das marcas do black metal. Dia 8 de abril de 1991, a fantasia engoliu a realidade e Dead se matou. Até aí não seria nada de muito surpreendente, dado o histórico do garoto. Mas as circunstâncias do suicídio e os acontecimentos que se sucederam fazem da morte de Dead a mais macabra da história do rock. Vamos a eles:

- Dead não se matou de um jeito simples: primeiro cortou os pulsos e saiu sangrando pela casa toda e só depois deu um tiro de espingarda nos miolos;
- A última frase da carta de suicídio era: “Desculpe por todo esse sangue”;
- Dead dividia a casa com outros integrantes da banda. O primeiro a chegar no local e encontrar o cadáver do amigo foi o guitarrista, Euronymous. Em vez de ligar para a polícia, chamar uma ambulância ou simplesmente sentar e chorar, ele sacou uma câmera fotográfica e fez várias imagens de Dead com os miolos estraçalhados. Uma das fotos virou capa de bootleg;
- Aproveitando a oportunidade, Euronymous também recolheu alguns pedacinhos do crânio e transformou em um colar. Dizia ele que também tinha comido um pedaço do cérebro do morto, mas Euronymous dizia um monte de merda para parecer fodão, então pode ser que fosse só bravata – ou não;
- Enojado com as atitudes de Euronymous, o baixista Necro Butcher saiu da banda. Foi substituído por Varg Vikernes, um rapazinho que estava em guerra contra o cristianismo e que dali a dois anos e pouco assassinaria Euronymous com mais de vinte facadas.

A parte boa de toda essa sangreira é que Attila Csihar foi chamado para gravar o primeiro álbum da banda, De Misteriis Dom Satanas. Em 2004, ele entrou de vez pro Mayhem, onde premanece até hoje - mês passado o grupo fez um show fudido em São Paulo.

Mas fiquemos com Dead e toda a tosqueira froun rél dos primórdios do Tr00 Norwegian Black Metal:

Clássicos do dia 7: James White & the Blacks - Off White

2011-04-06T18:56:00.000-07:00

No fim dos anos 70, punks odiavam disco music. Tanto que, em 1979, rolou a famigerada Disco Demolition Night, na qual milhares de LPs de disco music foram queimados no meio de um campo de baseball durante intervalo entre jogos. Mas eis que, naquele mesmo ano, James Chance grava um álbum de disco music, para o qual rebatizou sua banda James Chance & the Contortions como James White & The Blacks. Não que ele fosse um cara de cabeça aberta a fim de acabar com a raivinha dos punks contra Donna Summer e cia. Na verdade, Chance detestava disco music e não perdia oportunidade de fazer declarações racistas (aliás, o racismo no meio punk é escarafunchado por Lester Banges no artigo White Noise Supremacists – que título, hein –, também de 79). Acontece que Chance foi procurado por Michael Zilkha, dono da gravadora ZE, que lhe fez a seguinte proposta: lançaria um álbum do Contortions caso ele também gravasse um álbum de disco music, a ser lançado simultaneamente. James Chance, que podia ser preconceituoso, racista e psicopata, mas não era besta, fechou negócio. E assim nasceu Off White.

Antes de falar da música propriamente, é bom lembrar como funciona a questão “racial” nos EUA: lá ou você é branco ou você é negro (claro que há miscigenação, mas as pessoas se definem como um ou como outro, você nunca vai ouvir um americano dizendo que é mulato, moreninho, escurinho ou “da cor do pecado”, como rola aqui no Brasil). Se você é branco, você fala como branco, se veste como branco e mora no subúrbio com outros brancos. Se é negro, fala como negro, se veste como negro e mora no gueto com outros negros. A música não fica de fora dessa divisão, o que é escancarado na própria existência da expressão “black music”, balaio de gatos que engloba desde o cantor soul com influência do gospel até o gangsta rap mais violento. Para nós, brasileiros, é quase impossível pensar nesses termos. Por isso nos soam tão estranhos o nome do grupo (James White & the Blacks), os títulos das canções (White Savages, White Devil, Bleached Black) e, principalmente, a letra de Almost Black, Pt. 1, em que duas garotas (uma branca e outra negra) discutem se James Chance tem um quê de negão por baixo da pele branquela.

Mas voltemos à música. Quando Michael Zilkha propôs a Chance gravar um álbum de disco music, ele deixou bem claro que não precisava ser algo comercial, que Chance tinha liberdade para fazer o que quer que entendesse por disco. E, apesar de considerar disco music uma coisa nojenta, havia algo nela que Chance admirava: a monotonia. As faixas de Off White são construídas sobre loops de baixo e bateria, até dançantes, mas exaustivamente repetitivos. Sobre essa base quase imutável, as guitarras e o sax estão livres para brincar. Está na interação entre as guitarras barulhentas (sempre bom lembrar que o pessoal da no wave não tinha o menor interesse em acordes) e o sax free jazz anti-virtuosi de Chance a grande graça do álbum.

Off White começa com uma versão disco para Contort Yourself (do álbum Buy, do Contortions), na qual os berros autoritários de Chance são substituídos por um coro feminino que languidamente convida o ouvinte a se contorcer, e o instrumental apoplético dá lugar a um groove bem marcado (tanto que a canção ficou cerca de 1:40 mais longa). Segue a chatinha Stained Sheets, música de motel embalada pelos gemidos de Lydia Lunch, e o também não muito empolgante cover de Heatwave (não a do Martha & the Vandellas).

A coisa fica boa mesmo nas instrumentais White Savages e Off Black, nas quais estão os diálogos mais interessantes entre guitarras e sax. No caso de Off Black, que conta com a participação do guitarrista Robert Quine, a relação entre as duas guitarras que se estabelece por volta de 2:30 também é digna de atenção. E se essas conversas abstratas, ruidosas e por vezes absurdas (porém de uma precisão quase sonic-youthiana) dizem alguma coisa, é: “James Chance é um filho da puta, mas esta é provavelmente a melhor disco music que você vai ouvir na vida – seja você branco, negro, cor de rosa ou verde com bolinhas douradas”.

Contort Yourself - versão Contortions:

Contort Yourself - versão James White:

Cobain + Burroughs

2011-04-05T18:20:00.000-07:00

De arrepiar os pelinhos do dedão do pé:

The Priest They Called Him

"Fight tuberculosis, folks." Christmas Eve, an old
junkie selling Christmas seals on North Park Street.
The "Priest," they called him. "Fight tuberculosis, folks."
People hurried by, gray shadows on a distant wall.
It was getting late and no money to score.
He turned into a side street and the lake wind hit him like a knife.
Cab stop just ahead under a streetlight.
Boy got out with a suitcase. Thin kid in prep school clothes,
familiar face, the Priest told himself, watching from the doorway.
"Remindsme of something a long time ago." The boy, there, with his overcoat unbuttoned, reaching into his pants pocket for the cab fare.
The cab drove away and turned the corner. The boy went inside
a building. "Hmm, yes, maybe" - the suitcase was there in the doorway.
The boy nowhere in sight. Gone to get the keys, most likely,
have to move fast. He picked up the suitcase and started for the corner.
Made it. Glanced down at the case. It didn't look like the case the boy had,or any boy would have. The Priest couldn't put his finger on what was so old about the case. Old and dirty, poor quality leather, and heavy.Better see what's inside. He turned into Lincoln Park, found an
empty place and opened the case. Two severed human legs that belonged to
a young man with dark skin. Shiny black leg hairs glittered in the
dim streetlight. The legs had been forced into the case and he had to use his knee on the back of the case to shove them out. "Legs, yet,"
he said, and walked quickly away with the case.
Might bring a few dollars to score.

The buyer sniffed suspiciously.
"Kind of a funny smell about it." "It's just Mexican leather."
"Well, some joker didn't cure it."
The buyer looked at the case with cold disfavor.
"Not even right sure he killed it, whatever it is.
Three is the best I can do and it hurts. But since this is Christmas
and you're the Priest..." he slipped three bills under the table into the Priest's dirty hand. The Priest faded into the street shadows, seedy
and furtive. Three cents didn't buy a bag, nothing less than a nickel.
Say, remember that old Addie croaker told me not to come back unless
I paid him the three cents I owe him. Yeah, isn't that a fruit for ya,
blow your stack about three lousy cents.

The doctor was not pleased to see him.
"Now, what do you WANT? I TOLD you!"
The Priest laid three bills on the table. The doctor put the
money in his pocket and started to scream.
"I've had TROUBLES! PEOPLE have been around!
I may lose my LICENSE!" The Priest just sat there, eyes, old and heavy with years of junk, on the doctor's face.
"I can't write you a prescription." The doctor jerked open a drawer
and slid an ampule across the table. "That's all I have in the OFFICE!"
The doctor stood up. "Take it and GET OUT!" he screamed, hysterical.
The Priest's expression did not change.
The doctor added in quieter tones, "After all, I'm a professional man,
and I shouldn't be bothered by people like you."
"Is that all you have for me? One lousy quarter G? Couldn't you lend
me a nickel...?" "Get out, get out, I'll call the police I tell you."
"All right, doctor, I'm going."

Of course it was cold and far to walk,
rooming house, a shabby street, room on the top floor.
"These stairs," coughed the Priest there, pulling himself up along the
bannister. He went into the bathroom, yellow wall panels,
toilet dripping, and got his works from under the washbasin.
Wrapped in brown paper, back to his room, get every drop in the dropper.
He rolled up his sleeve. Then he heard a groan from next door,
room eighteen. The Mexican kid lived there, the Priest had passed him on
the stairs and saw the kid was hooked, but he never spoke, because he
didn't want any juvenile connections, bad news in any language.
The Priest had had enough bad news in his life.
He heard the groan again, a groan he could feel, no mistaking that groan
and what it meant. "Maybe he had an accident or something.
In any case, I can't enjoy my priestly medications with that sound coming
through the wall." Thin walls you understand. The Priest put down his
dropper, cold hall, and knocked on the door of room eighteen.

"Quien es?" "It's the Preist, kid, I live next door."
He could hear someone hobbling across the floor.
A bolt slid. The boy stood there in his underwear shorts, eyes black with pain. He started to fall. The Priest helped him over to the bed.
"What's wrong, son?" "It's my legs, senor, cramps, and now I am without
medicine." The Priest could see the cramps, like knots of wood there
in the young legs, dark shiny black leg hairs.
"A few years ago I damaged myself in a bicycle race,
it was then that the cramps started." And now he has the leg cramps back
with compound junk interest. The old Priest stood there, feeling the boy
groan. He inclined his head as if in prayer, went back and got his dropper.
"It's just a quarter G, kid." "I do not require much, senor."

The boy was sleeping when the Priest left room eighteen.
He went back to his room and sat down on the bed.
Then it hit him like heavy silent snow. All the gray junk yesterdays.
He sat there received the immaculate fix. And since he was himself a priest,
there was no need to call one.

Pensata do dia

2011-04-05T16:38:00.000-07:00

"Ora, dizer que alguém faz noise por falta de talento musical é o mesmo que dizer que alguém faz música por falta de competência para o barulho" (Theo, da banda curitibana de noise/industrial Gengivas Negras - da qual eu nunca tinha ouvido falar até meia hora atrás)

Sax + guitarras + barulho

2011-04-02T17:35:00.000-07:00

De uns tempos pra cá (tempos = uns 3 anos) venho percebendo como saxofone combina com guitarras - claro que me refiro a sax e guitarras barulhentos. Como muita gente que teve o primeiro contato com o som de saxofone por meio de músicas do Kenny G (agradecimento aos meus pais, que sempre botavam o rádio do carro na Antena 1), eu tinha um certo preconceito contra o instrumento.
Mas o tempo passou e descobri que dá pra fazer miséria com o sax, e que este vai bem além do jazz e da música de elevador. A playlist que linko aqui traz 6 bons exemplos, começando com o proto-punk dos Stooges e terminando com o black metal de Ihsahn, ex-vocal do Emperor. No meio tem música do James White & the Blacks, Faust, Flipper e Naked City. Mas se você não curtir a seleção, sempre há esta outra opção.

Nota sobre Sweat, Sperm + Blood: essa faixa é a única que não possui guitarras - é só sax e vocal. Mas a escolhi porque ouvindo os outros discos do Naked City em que o cantor Yamatsuka Eye participa, eu achava que ele era só um maluco que berrava; depois de ouvir essa música percebi que ele é um maluco que berra - mas que tem plena noção e domínio sobre o que está fazendo.

Excitação sonora

2011-03-31T18:55:00.000-07:00

Ano passado fiz um post sobre ter sentido medo ao ouvir a música Aumgn, do Can. Acontece que ontem tive uma experiência ainda mais bizarra: eu senti tesão ouvindo uma música. Não no sentido "ai que tesão essa música", mas de ter sido estimulada fisicamente por sons. Weeeird.

A música em questão é The Six Button of Sex Appeal (ó só o nome...), do Nurse With Wound, e é uma barulheira dos infernos - ou dos céus, se você curtir uma barulheira - e se você está por aqui deve curtir. Mas voltando... Essa é uma daquelas músicas em que o compositor brinca com a espacialidade dos sons, que vão da esquerda pra direita (ou o contrário) e quando estão passando de um lado para o outro é como se estivessem atrás da cabeça. Bom, estava eu escutando com uns fones bem grandes e nas horas em que um som se concetrava apenas em um lado, não me pergunte como, mas ele vibrava de uma tal maneira que a sensação era a de alguém acariciando bem de leve as bordas da orelha, o que dá um tesão danado.

Talvez tenha saído assim sem querer ou talvez minhas orelhas andem sensíveis demais (se bem que não senti nada nem remotamente parecido com isso nunca antes nesta vida), mas se a coisa toda foi proposital o Steven Stapleton é uma porra dum gênio.

Ficou curioso(a)? Então baixe aqui o arquivo, arrume uns fones grandes e confortáveis e....

(suspirosssssss)

Naked City e os clássicos

2011-03-25T12:09:00.000-07:00

Se tem uma coisa que dá errado é banda de rock/metal fazendo versão para música clássica (alguns exemplos desastrosos podem ser vistos aqui, aqui e aqui), mas se a banda em questão for o Naked City, projeto de rock/metal/grindcore/whathafuck do John Zorn, são outros 500.

No disco Grand Guignol, de 1992, o grupo gravou algumas peças clássicas, entre elas as belíssimas La Cathedrale Engloutie (Debussy) e Louange a l'Eternite de Jesus (Messiaen). Aqui haveria uma censura a fazer ao grupo, já que Louange é parte da obra Quatuor pour la Fin du Temps e esse negócio de gravar um só movimento é meio que o mesmo que gravar só o refrão de uma música do Chico Buarque. Fica fora de contexto e, como a maioria do pessoal que faz isso escolhe justamente o movimento mais "pop" da obra, a coisa fica descaradamente com cara de caça-níquel (oi, Andre Rieu).

Mas nem isso estraga as versões do Naked City. Com exceção da bateria e de uns barulhinhos bem discretos em Cathedrale, John Zorn e Cia. foram bastante fieis e respeitosos ao material original, criando não "versões pra bater cabeça" e sim um trabalho muito inteligente e delicado com timbres, que lembra bastante Well Tempered Sinthesizer e Switched On Bach da Wendy Carlos.

A seguir link para baixar o MP3 tanto das versões do Naked City quanto das "originais".
Aproveito para mandar um trecho do livro Verão no Aquário, da Lygia Fangundes Telles, no qual a protagonista, Raíza, descreve lindamente a peça de Debussy:

Fiquei ouvindo a música contar a história da catedral submersa no mar, uma antiga catedral encantada e que às vezes vinha até a tona por um curto instante. Os sons então subiam arfando como um ser vivo escorrendo água. E era belo ouvi-los tão lavados, tão limpos, triunfantes lá na crista da onda que sustinha as torres na altura do céu. Depois, aos poucos, do mesmo modo como subira, a catedral inteira ia afundando e voltava para as profundezas do mar. Lentamente a água cobria tudo. O órgão enrouquecia, os sinos se diluíam e da aparição restava apenas um som brilhante cada vez mais fraco, mais fraco...

La Cathedrale Engloutie - versão Naked City
La Cathedrale Engloutie - versão original (gravação de Nelson Freire)

Louange l'Eternite de Jesus - versão Naked City
Louange l'Eternite de Jesus - versão original

Off-topic: Perguntas que não querem calar

2011-03-15T18:22:00.001-07:00

Dividindo algumas questões do mundo da música que me afligem a alma:

Existe vida inteligente no metal melódico?

O que há de universitário no sertanejo universitário?

Você tem ou conhece alguém que tenha ou conhece alguém que conhece alguém que tenha um disco do Orlando Moraes?

Sério mesmo que as pessoas "de bom gosto" consideram os versos Pois há menos peixinhos a nadar no mar/ do que beijinho que eu darei na sua boca uma coisa assim... de bom gosto?

Diamanda Galás

2011-03-08T09:15:00.000-08:00

Porque o mundo da música precisa de cantoras que não têm medo de explorar timbres "feios" e incômodos. E porque o mundo em geral precisa de mulheres que não têm medo de parecer loucas, de enfiar o dedo pra valer na ferida e, de quebra, mandar à merda vários conceitos estúpidos de "elegância" e de "bom gosto ao se vestir":

(vale assistir a todas as partes do show, disponíveis nesse mesmo canal do youtube)

440Hz edição extra: Rock japonês - no Brasil

2011-03-02T07:01:00.000-08:00

Rock andrógino otaku

Guitarras distorcidas, maquiagem, animes, orkut e tambores de maracatu: benvindo ao mundo peculiar do rock nipo-brasileiro

Antes de ler o texto, assista ao videoclipe abaixo:

Se você achou um lixo, tenho uma má notícia: essa é uma das bandas pioneiras de J-rock (rock japonês) e há grupos semelhantes no Brasil. Se você ficou interessado(a) no vocalista com cara de menina, também tenho uma má notícia: dificilmente você irá encontrar um clone do Atsushi Sakurai dando sopa pelos trópicos. Mas se você simplesmente gostou do som, eu finalmente tenho uma boa notícia: nas próximas linhas você vai saber mais sobre a música pop japonesa e sua influência no Brasil.

Não se sabe exatamente quando o rock deu as caras no Japão, mas ele começou a ganhar força nos anos 80 com as bandas X Japan e Buck Tick. Atravessou as fronteiras da terra do sol nascente no fim dos anos 90 devido a dois acontecimentos marcantes. O primeiro foi a morte de Hide, guitarrista do X Japan que em 1998 se enforcou com uma toalha de rosto presa à maçaneta da porta do banheiro do hotel onde estava hospedado. Além das circunstâncias esdrúxulas, que dão margem a teorias da conspiração, a morte de Hide foi notícia no mundo todo por desencadear um fenômeno mais ou menos comum no Japão: quando alguém muito famoso ou querido se suicida, alguns fãs se matam exatamente da mesma maneira.

O segundo fator que fez o J-rock se popularizar no Ocidente foi o surgimento de sites de compartilhamento de arquivos, cujo precursor foi o Napster, inaugurado em 1999. Com o acesso a praticamente todo material produzido pelas bandas de lá, não demorou muito para que o J-rock ganhasse sua versão brasileira. Segundo Hick Duarte, fundador do site Radio Blast!, especializado em música pop oriental, os primeiros grupos foram Psygai e KuroHana, ambos do Rio de Janeiro e criados logo no começo dos anos 2000.

Made in Brasiru

Embora não seja um gênero musical propriamente dito, há duas características que diferenciam as bandas de J-rock (japonesas ou não) das demais: as letras em japonês e o visual kei. Criado nos anos 80 como uma maneira de confrontar uma sociedade extremamente regrada e padronizada, o visual kei é marcado por cabelos coloridos, indumentária espalhafatosa que pode ser inspirada no glamour dos anos 50, nos exageros da corte francesa do século 18 ou nas roupas negras do gótico oitentista, e muita androginia. No caso das bandas japonesas Malice Mizer e Versailles, por exemplo, é impossível perceber que aquelas donzelas de vestido e maquiagem são, na verdade, homens. Mas, se para os ocidentais de cabeça fechada essa confusão de gêneros é a prova de que o fim do mundo se aproxima, para os japoneses isso faz parte de uma tradição milenar. “No Japão, antigamente, tinha teatro que era só homem que apresentava. Os que tinham rosto mais feminino faziam papel de mulher. A androginia está presente desde a antiguidade”, explica Haru, baixista da banda paulistana Erisu. “Pras meninas, quanto mais o cara parece com mulher, mais bonito ele se torna. E se ele se enrosca com outro homem de brincadeira, melhor ainda”, completa, rindo.

Zan e Yue, guitarristas da Erisu em 2007, quando a banda usava visual kei

A Erisu existe desde 2004 e faz covers de bandas como Dir en Grey, Ayabie e Nightmare. “As bandas de J-rock fazem músicas que contam uma história profunda, passam uma mensagem. Se você quiser, até pode ouvir por puro entretenimento, mas não precisa ser só isso”, explica o vocalista, Camui. Já para Haru o mais interessante é a mistura de estilos: uma mesma banda pode agregar influências de metal, hard rock, punk, eletrônica e até de música brasileira. O Dir en Grey, um dos nomes mais consagrados da cena japonesa, vai do nu metal pesadão para a balada em poucos compassos e trata de temas polêmicos, como aborto.

Os integrantes da Erisu até tentaram adotar o visual kei no começo da carreira, mas hoje apostam numa produção mais clean. “Aqui é difícil encontrar o material que você precisa para uma produção decente. Até tem um pessoal que tenta, mas fica na tentativa”, opina Camui. Esse é apenas um dos perrengues pelos quais as bandas brasileiras de J-rock passam. Encontrar integrantes é um problema e as cinco bandas com quem conversei passaram por trocas intensas de formação. Ren, baixista da Kazoku NiBan, conta que ele e o vocalista, Nel, vinham desde 2006 tentando montar um conjunto de J-rock. Conseguiram uma formação estável só na metade de 2009 e o show de estreia aconteceu em setembro de 2010: “Encontrar gente que toca é fácil, difícil é achar quem é responsável e leve a sério”.

Andy, Nel e Nah no show de estreia da Kazoku NiBan no Animecon 2010

O que mais chamou a atenção de Ren no J-rock foi a sonoridade do idioma japonês, totalmente diferente do inglês e das línguas latinas. Ironicamente, o idioma é um dos maiores entraves na hora de achar lugares para tocar. Mas não chega a ser uma barreira intransponível. Em setembro de 2010, a Erisu participou de um festival no Manifesto Bar, muito frequentado pelo pessoal que curte metal, e, apesar das torcidas de nariz iniciais, o público acabou gostando do que ouviu. Quando entrevistei a banda, eles estavam com show marcado no Cerveja Azul, bar que também não tem nada a ver com a cultura japonesa. Além disso, alguns clubes pequenos abrem espaço para baladas esporádicas de J-rock como Macabre, Visual KK, Alterna J-rock e Miss Take. Em 2006, a própria Erisu organizou uma noite chamada Lust no Dynamite Pub, na Vila Madalena. O evento teve um público bom, mas nem sempre é assim: “O problema é que os fãs são acomodados e acabam não indo. O por que a gente ainda não sabe”, revela Camui. Talvez um dos motivos seja a pouca idade dos fãs de J-rock, que acabam barrados em casas noturnas.

Erisu, No Manifesto

As bandas têm mais espaço para se apresentar em encontros de anime (aqueles desenhos animados japoneses em que todos os personagens têm olhos enormes), mas o público que gosta de J-rock não é necessariamente o mesmo que curte Pokemon. “Nesses eventos, o pessoal já conhece a cultura japonesa, então aceita com mais facilidade”, diz Camui. “Tocar em eventos de anime acaba sendo um mal necessário”, completa o guitarrista Zan, também da Erisu. Bruno Bort, guitarrista da Plaise a Dieu, não vê com bons olhos a confusão entre o universo dos animes e o do J-rock: “Tem muita banda que cresce porque toca música de anime. É vender seu som pra atrair público”. A Plaise a Dieu existe desde meados de 2005 e é formada por integrantes de Santos e de São Paulo. O repertório é baseado em covers de L’arc-en-Ciel, Dir en Grey e MUCC e em composições próprias em japonês.

Paula Magario, Rafael Masoni e Bruno Bort, da Plaise a Dieu, encarando o "mal necessário"

Mas o fato é que as próprias bandas japonesas de rock gravam temas de anime e isso acaba sendo um canal para que gente do mundo todo conheça o estilo. E, se o J-rock brazuca não anda bem das pernas, não dá para culpar só os fãs ou os donos de casas de show. Os grupos daqui ainda são muito amadores, tanto que a maior plataforma de divulgação são comunidades no orkut. Muitos têm página no myspace sem música nenhuma, outros disponibilizam faixas em mp3 ou vídeos no youtube com qualidade de áudio precária. As bandas formadas por pessoas na faixa dos 20, 25 anos, sofrem com a falta de tempo para ensaiar, já que os integrantes trabalham e estudam. E as montadas por adolescentes em busca de diversão acabam assim que a curtição passa e os interesses mudam.

Planeta otaku

Se eventos de anime são um mal necessário para as bandas de J-Rock, também são para quem resolve escrever sobre elas. Assim, no dia 10 de outubro, parti para o Anime Fantasy, realizado em uma escola do bairro da Saúde. Para quem nunca viu sequer um episódio de Dragon Ball Z, entrar em um evento de anime é como aterrissar em um planeta onde quem usa calça jeans e camiseta é imediatamente identificado como alienígena – só pra enturmar quem também nunca foi: imagine fãs de Star Wars, adicione os elementos “pouca idade”, “travestismo”, “bebida à base de leite de soja” e voilá!

Após caminhar por entre guerreiras sexies, Super Mario e uma colegial que até agora não sei se era uma menina com muito buço ou um cara com pouca saia, e de assistir a um concurso de cosplay, fui para o auditório do colégio, onde rolou o show da banda Unmei. Apesar de ter uma formação tipicamente de banda de rock e de não economizar em distorções e solos, a Unmei toca apenas temas de anime e de totsukatsu (programas trash-cult como Jaspion e Jiraya). Com um repertório tão específico, ela só se apresenta em eventos de anime. E foi nessas convenções que os vocalistas Bruno Piatto e Thaís Sakura se conheceram. Desde 2006, eles participam de concursos de animekê – só pra esclarecer quem não sacou o trocadilho: imagine um karaokê, adicione os elementos “cardápio de músicas composto exclusivamente por temas de anime” e “competição” e tcharã! “Em 2008, tanto eu quanto a Sakura brilhamos bastante em eventos de anime”, conta Piatto. “Os concursos têm três categorias: Iniciante, A e Especial. Em 2008, ela passou pra categoria A e eu passei pra Especial”.

Bruno Piatto e Thaís Sakura agitando a massa otaku

Apesar da ligação umbilical com o mundo dos animes, o único integrante da Unmei que se considera um fanático é o guitarrista Rafa Weiss. Sakura gosta só de mangás e o baterista, Victor Hasselmann, não tem medo de assumir que odeia animes e mangás. Mas todos adoram as músicas dos programas e, no show, se empolgavam ao entoar versos como “Pelo mundo viajarei tentando encontrar/ um pokemon e com o seu poder tudo transformar”. O público também estava animado e cantou junto, levantou plaquinhas declarando seu amor pelo guitarrista Hell e foi ao delírio quando a banda encerrou o show com “Pegasus Fantasy”, tema de Cavaleiros do Zodíaco que deve ser a “Smoke on the Water” otaku.

Esquadrão nipo-nerd-headbanger

Mas nem toda banda de J-Rock está fadada a passar o resto da existência tocando para algumas dezenas de adolescentes fantasiados de Naruto. A Gaijin Sentai é um ótimo exemplo. Formada em 2004 por músicos com idade média de 25 anos residentes em Caraguatatuba, Mogi das Cruzes e São Paulo, começou como uma brincadeira: “A gente montou a banda pra tocar músicas do Jaspion, Changeman, Kamen Rider, essas séries que passavam na rede Manchete”, conta o vocalista Nordan Manz. O nome Gaijin Sentai significa “esquadrão estrangeiro” e já é uma referência aos programas, assim como o visual da banda: “Nesses esquadrões, cada herói usa uma cor na roupa de batalha. Nós usamos verde para o tecladista, azul para o guitarrista, vermelho para o baixista e amarelo para o baterista”, detalha o tecladista Jefferson Amorin.

Gaijin Sentai e seu figurino inspirado nos seriados da Manchete

O que diferencia a Gaijin Sentai é que, apesar do compromisso inicial ser com a diversão, todos os integrantes já tinham experiência profissional com música. Além disso, o grupo vai além da mera reprodução de temas de seriado e aposta em composições próprias em que a influência da música de anime e de totsukatsu é misturada com hard rock, heavy metal e enka, a música tradicional japonesa. No caso da faixa “Jaguatiman vs Sunrider”, disponível para audição no myspace da banda, o caldo é engrossado por tambores de maracatu. A música foi escrita especialmente para uma parceria com o cantor japonês Eizo Sakamoto (ex-JAM Project, Anthem e Animetal), que a Gaijin conheceu no Anime Friends de 2004. “Um personagem representa o Brasil e outro, o Japão. A gente criou o Jaguatiman, que é de “jaguatirica”, e o “cavaleiro do sol”, que representa os valores do Japão, e buscamos na música elementos que pudessem refletir isso. Usamos tambores japoneses (taikô) e a percussão e o ritmo brasileiro do maracatu”, explica Nordan.

Com ao menos trinta shows por ano, a Gaijin já tocou em eventos da colônia japonesa no bairro paulistano da Liberdade, em festivais de rock e metal, na Virada Cultural, em SESCs e em eventos de anime na Argentina, no Chile e em Portugal (onde também fez um pocket show em duas filiais da rede de livrarias Fnac). Tem um fã-clube oficial chamado Gigantes Guerreiros e um admirador mais exaltado tatuou o símbolo da banda, mesmo sob os gritos de “não faz isso, peloamordedeus!” do esquadrão todo. Sobre a suposta acomodação dos fãs de J-rock, Nordan é categórico: “Eu nunca culpo o público, ele não está acomodado. Na verdade, foram as pessoas (das bandas) que não conseguiram cativá-lo”.

Outra iniciativa profissa é o site Radio Blast!, criado em agosto de 2007 pelos primos Hick Duarte e Gui Dix Est, de Uberlândia. Fãs de música pop oriental, eles montaram o site para mostrar que esse universo vai muito além dos temas de anime. “A rádio surgiu de um experimento simples: contratamos um servidor de streaming com limite para trinta ouvintes e começamos a colocar os programas no ar”, conta Rick. A web rádio cresceu tanto que, em dois anos, a capacidade de streaming teve que passar de trinta para 400 ouvintes. Atualmente, o site conta com cinquenta colaboradores, que fazem programas, assinam colunas e cobrem eventos e festivais no Brasil todo. Há bastante espaço para bandas nacionais de J-rock, mas de todas que já foram entrevistadas e perfiladas pelo Radio Blast!, Hick calcula que apenas umas cinco ainda estejam na ativa.

Saionará, trouxas

O J-rock é um universo que comporta grupos e artistas dos mais diferentes estilos (ou de todos os estilos misturados). Se você detestou o clipe postado lá em cima, tente conhecer as outras bandas citadas. Se continuar achando um lixo, tenho uma boa notícia: mantenha-se longe de eventos de anime e estará a salvo do J-rock. Mas se você se apaixonou já à primeira audição ou superou o estranhamento inicial e acabou gostando do som, tenho uma má notícia: J-rock vicia. Você passará horas fuçando na internet, ficará com músicas martelando na cabeça e se surpreenderá cantarolando em “japonês embromation”. Quando começar a sonhar com “Pegasus, ajuda o teu cavaleiro/ Gelo, dragão e os guerreiros...”, talvez seja hora de procurar ajuda profissional.

440Hz: Horizonte de eventos Tommy Hilfiger

2011-02-24T18:07:00.000-08:00

Tô relendo o ótimo livro Pattern Recognition, do pai do cyberpunk William Gibson, e um parágrafo em especial chamou minha atenção. Usando a grife Tommy Hilfiger como exemplo (o livro trata muito de marcas, principalmente as de roupa), Gibson comenta o fenômeno da diluição:

This stuff is simulacra of simulacra of simulacra. A dilucted tincture of Ralph Lauren, who had himself diluted the glory days of Brooks Brothers, who themselves had stepped on the product of Jeremyn Street and Savile Row, flavoring their ready-to-wear with liberal lashings of polo kit and regimental stripes. But Tommy surely is the null point, the black hole. There must be some Tommy Hilfiger event horizon, beyond which is impossible to be more derivative, more romoved from the source, more devoid of soul. Or so she hopes, and doesn't know, but suspects in her heart that this in fact is what accounts for his long ubiquity.
(Tradução do negrito: Deve haver um horizonte de eventos Tommy Hilfiger, além do qual é impossível ser mais derivativo, mais distante da fonte, mais desprovido de alma)

Aí fiquei pensando: E na música, quais seriam os casos extremos? Até agora não consegui achar nenhum que tivesse três fases de diluição, mas alguns artistas são tão profissas na arte de diluir que de uma tacada só já transformam vinho em água. Vejamos:

Metal Progressivo/Metal Melódico/ Power Metal e afins

Nos anos 70, bandas como Yes e Emerson Lake & Palmer começaram a misturar música clássica dos séculos 18 e 19 com guitarras e sintetizadores. Uma ótima maneira de afetar erudição: pegar o que o gosto ocidental já digeriu e devolver como novidade em uma época em que compositores como Stockhausen já haviam mandado os conceitos tradicionais de melodia, harmonia e ritmo pro espaço. E aí os rédibenguers aproveitaram o que o Yes e o ELP tinham de mais insuportável, elevando à décima potência o vistuosismo vazio e a necessidade de explicitar a influência (pseudo)erudita. E ao trocarem o rock pelo metal acrescentaram à já deprimente receita vocalistas castratti, guitarristas que não entenderam a diferença entre música e fórmula 1 e, nos piores casos, letras falando sobre dragões, espadas e gnomos.

Cantores líricos pop

Quando os três tenores e Monserrat Cabalet resolveram fazer duetos com artistas pop, abriram a porteira para um dos fenômenos mais trash dos anos 90, o dos cantores líricos pop como Andrea Bocceli e Sarah Brightman, que vendiam pastiche da pior espécie travestido de música erudita. A coisa se espalhou e até no Brasil a moda chegou. Lembram daquela dupla Rinaldo & Liriel, que se apresentava no Raul Gil? Não? Então vou refrescar sua memória:

Emerson Nogueira

Esse cara deveria ganhar o título de diluidor universal, porque ele consegue transformar toda e qualquer coisa em música de barzinho, e assim The Police soa exatamente como Toto, que soa exatamente como Supertramp, que soa exatamente como Eagles... O engraçado disso tudo é que ele não se apresenta em barzinhos em que as pessoas ficam frustradas de ter que pagar 5 reais pra ouvir essa merda, ele se apresenta em casas de show grandes em que as pessoas ficam felizes de pagar 50 reais pra ouvir essa merda.

Mais algum??

A voz do monolito

2011-02-18T18:14:00.000-08:00

Já comentei nestes dois posts como Stanley Kubrick era um camarada que sabia brincar de trilha sonora. Com a obra-prima 2001, Uma Odisseia no Espaço, não foi diferente. Tem aquelas valsas vienenses enquanto a nave imensa e pesada flutua como uma pluma pelo vazio do espaço sideral, tem também a grandiosa Also Sprach Zarathustra (que infelizmente se tornou música-de-noiva-brega-entrar-na-igreja, mas isso não é culpa do Richard Strauss), mas a que realmente me pega pelas vísceras é a música fantasmagórica que soa quando aparece o misterioso monolito (que pra mim é Deus, mas deixemos discussões religioso-cinematográficas pra mesa de boteco). Trata-se de Lux Aeterna, de Gyorgy Ligeti, e a boa notícia é que ela será apresentada na Sala São Paulo dia 10 de abril, em um concerto que também trará obras de Arvo Part e Penderecki. Já comprei meu ingresso.

O amor é lindo - e barulhento

2011-02-14T08:23:00.000-08:00

Aproveitando o dia do Valentim, uma listchinha dos meus casais favoritos do mundo da música (e além):

1. Thurston Moore e Kim Gordon
Se casaram e montaram a melhor banda do mundo. Só isso.

Sonic Youth - Titanium Expose
Enviado por Sonic-Youth. - Veja os últimos vídeos de música em destaque.

2. PJ Harvey e Nick Cave
Fico triste que essa relação não tenha durado muito, porque curto quando duas pessoas estranhas se unem. No início de suas carreiras, tanto PJ quanto Cave faziam canções viscerais sobre amor e a obsessão que o acompanha (tipo este melô da romântica psicopata). Até onde eu sei, a única colaboração artística é a música Henry Lee, que tem o vídeoclipe mais sexy da história:

3. Lou Reed e Laurie Anderson
Lou Reed chegou a fazer tratamento com choque elétrico quando adolescente pra controlar seus "impulsos homossexuais" e foi casado com uma travesti. Aí, quando já era um senhor de certa idade, resolveu sossegar ao lado de Laurie Anderson, que, como ele, é uma lenda da vanguarda novaiorquina. Eles funcionam no esquema "cada um no seu quadrado", mas às vezes fazem uns shows juntos:

4. Michael Gira e Jarboe
Fico triste quando lembro que eles não estão mais juntos, porque perto deles PJ Harvey e Nick Cave são a quintescência da normalidade. Só pra ter uma ideia: Michael Gira conta que se mudou pra Nova York porque achava legal a cidade ser infestada por ratos gigantes e Jarboe certa vez disse que iria fazer uma trepanação - não sei se chegou as finalmentes. Ah, e eles tocavam juntos numa bandinha aí chamada SWANS:

5. Kurt Cobain e Courtney Love
Sou uma das poucas fãs de Nirvana que não odeia a Courtney Love - quer dizer, a Courtney Love de hoje eu acho o fim do mundo, mas ela era bem legal na época em que cantava "and the sky was all violets/ i want again but violent, more violence" - aliás, dizem que esse disco foi inteiro feito pelo Cobain, vai saber... O fato é que eles se conheceram trocando socos em um bar. Algum tempo depois, ela deu de presente pra ele uma caixinha com vários mimos, incluindo um pedaço de pano que havia esfregado na xana. E algum tempo depois, eles se casaram no Havaí: ele de pijama e ela com um vestido da atriz Francis Farmer, que foi internada num manicômio.

6. Patti Smith e Robert Mapplethorpe/ Patti Smith e Jim Carroll
Conheço quase nada do fotógrafo Robert Mapplethorpe ou do escritor/cantor Jim Carroll, mas a Patti Smith é fodona e a história que une os três é mais foda ainda. Patti casou com Robert, ele descobriu que era gay e começou a namorar um cara, mas continuou morando com Patti por mais um tempo - e foi aí que ela começou um caso rápido com Carroll. Mas a parte punk da história é a seguinte: durante a tarde, enquanto Patti estava trabalhando numa livraria (ela nem cantava nessa época), Robert e Carroll faziam programa juntos, Robert pra pagar o aluguel e Carroll pra comprar heroína. Detalhe: ela sabia de tudo. Detalhe 2: depois disso ela ainda casou com Allan Lanier, do Blue Oyster Cult, e com Fred Sonic Smith, ex-MC5.

7. Marina Abramovic e Ulay
Casal não-musical mas provavelmente o mais punk da lista. Quando eles se conheceram, Marina fazia performances envolvendo fogo, facas e armas, e Ulay explorava questões de gênero - metade do rosto dele era masculina e outra metade feminina, um troço bem estranho. Aí eles começaram a namorar e a fazer performances juntos, entre elas Relation in Time, em que passaram 17 horas presos um ao outro pelo cabelo:

Clássicos do dia 7: Metal Machine Music - Lou Reed

2011-02-07T09:05:00.001-08:00

O urinol de Lou Reed

Na sexta-feira, dia 4 de fevereiro de 2011 fiz uma resolução: iria ouvir de uma só vez os quase 65 minutos de Metal Machine Music – e tentar não entrar em colapso durante o processo.

Figura fácil em listas de piores discos de todos os tempos, esse álbum duplo lançado por Lou Reed em 1975 é barulho em estado bruto, uma torrente amorfa de distorção, feedback, ruídos de fitas em rotação acelerada e microfonias capazes de matar um chiuaua. Perto dele, qualquer disco do Sonic Youth parecer canto gregoriano. E não é nem uma experiência transcendental, em que lampejos de beleza despontam do aterro de barulho – como é com Glenn Branca e os eletroacústicos. MMM está na mesma categoria de Leng Tché e Delirium Cordia (discos sobre os quais falei aqui): é terrorismo sonoro, tortura por meio de frequências. Aliás, é pior que os outros dois discos, pois aqueles ainda têm uma narrativa (ainda que narrativa de filme de terror gore), enquanto MMM vai do nada a lugar nenhum – e ainda leva parte da lucidez e da audição do ouvinte no caminho. Então por que Lou Reed lançou essa porra e, até hoje, sai pelo mundo fazendo shows com um “repertório” semelhante? Ato de rebeldia/sadismo? Provavelmente. Mas não é só isso.

A arte possui suas limitações, suas fronteiras (claro, se não houvesse fronteira nenhuma, tudo seria arte, portanto nada seria arte, e portanto ela nem existiria). Artistas de importância, aqueles lembrados por séculos a fio, são justamente os que alargam essas fronteiras. Na maioria das vezes, isso é feito de maneira sutil, uma transformação lenta e gradual. Mas de vez em quando acontece de um louco criar uma obra com linguagem tão distante das antigas fronteiras que a primeira reação do público será um berro de “Isso não é arte!”. Essas são as obras de vanguarda.

A função delas não é propiciar experiências prazerosas ao público, e sim abalar suas estruturas psíquicas, fazendo toda uma sociedade rever seus conceitos de arte e beleza. A alegoria é meio boba, mas imaginemos a arte como um círculo. Num momento x ele tem 20 km de diâmetro. A expansão abrupta provocada por alguma obra de vanguarda faz com que o círculo passe a ter 25 km de diâmetro. E o que isso significa? Significa que tudo o que existe nesses 5 km passa a ser possível. Dessa maneira, Metal Machine Music, de 75, pavimentou o caminho para a no wave, o Sonic Youth, as sinfonias de guitarra de Glenn Branca, a música industrial.

Metal Machine Music é comparável ao urinol de Duchamp: feio, incômodo e aparentemente sem sentido, porém absolutamente necessário para o que entendemos hoje como arte.
Aqui estão alguns reviews legais de MMM. O primeiro, do Lester Bangs, é impagável:

http://www.rocknroll.net/loureed/articles/mmmbangs.html

http://www.guardian.co.uk/music/2010/apr/11/morley-lou-reed-metal-machine

http://www.rollingstone.com/music/reviews/album/2747/21123

ps: A quem interessar possa, saí ilesa da experiência de encarar MMM. Agora, se eu vou escutá-lo de novo? Talvez... mas não nessa encarnação.

Música instrumental brasileira não-coxinha

2011-02-04T09:26:00.000-08:00

Certamente, a forma musical mais importante no Brasil é a canção (e aí não estão só Chico Buarque e Tom Jobim, mas também Tati Quebra-Barraco, Ratos de Porão, "Fugidinha com você" etc). Mas, de uns anos pra cá, está rolando um fenômeno bem legal de bandas jovens de música instrumental. E se ao ler a expressão "música instrumental" você já ficou com medo, imaginando uma legião de almofadinhas desfilando escalas mixopentahiperdóricas sobre a base de "Wave", CALMA. Porque essa nova geração da música instrumental não tem nada a ver com isso. Começa que as bandas não massacram clássicos da música brasileira que já foram massacrados 3865846 vezes antes e por isso hoje se tornaram insuportáveis (você consegue ouvir as quatro primeiras notas de "Wave" sem querer matar alguém? Eu não). E também não têm medo de distorção. E, o melhor de tudo, abandonaram a figura do solista virtuosi e apostam em uma linguagem em que o som da banda como um todo é mais importante que a exibição do umbigo de cada integrante. A seguir, algumas delas:

Hurtmold
Já falei dela aqui e é a veterana dessa geração. Perdeu uns pontos ao se tornar a banda base do Marcelo Camelo, mas ganhou todos os pontos do mundo quando alguns integrantes acompanharam Pharoah Sanders no show putaqueopariu que o mestre do free jazz fez em São Paulo no ano passado. O trabalho-solo do baterista/trompetista Maurício Takara também merece atenção.

A Banda de Joseph Tourton
Molecada do Recife que mostra que a competência juvenil pode ir alguns milhares de passos além da Mallu Magalhães. Ok, eles não têm 15 anos, mas também não passam muito dos 20. E fazem um som que passeia por guitarras noise, flautas bossa-nova e escaletas - sem nenhum "tchubaruba" no meio.

Macaco Bong
O som do Macaco Bong é mais calcado no rock, ainda que não tenha nada a ver com a forma estrofes-ponte-refrão. Entrevistei os caras ano passado (a matéria deve sair em breve na +Soma) e o guitarrista Bruno Kayapy disse uma das melhores frases que já ouvi de entrevistado: "Adoro Pat Metheny, mas eu considero esteticamente o Cannibal Corpse uma das melhores bandas".

Rá! E eles também curtem Nirvana!!! (acabei de descobrir esse vídeo, por isso a animação)

Satanique Samba Trio
Na minha humilde opinião o SST é o mais foda de todos. A banda tem uma proposta estética diferente das que citei anteriormente: enquanto as composições daquelas são (ou ao menos parecem ser) resultado de horas de jam session e correm fluidas, indo aos poucos de um clima x para um clima y, o Satanique Samba Trio trabalha com blocos sonoros que se alternam bem rápido e têm bastante influência da música nordestina. Resumindo: é tipo um John Zorn do cangaço. Fora que uma banda que batiza suas composições com títulos como "Lambada Post-Morten" e "Cabra da Peste Negra" ganharia meu eterno respeito mesmo se soasse como Maria Rita fazendo samba.

(ah, esqueci de dizer que o Satanique Samba Trio montou um trio elétrico e vem promovendo "micaretas do capeta" na capital federal. Precisa mais?)

Joguinho das semelhanças

2011-02-03T17:00:00.000-08:00

Eis que o blog (bem legal, por sinal) Música Para Seus Ouvidos lançou um pacote de resenhas de discos pesadões de 2010 e logo o primeiro texto é sobre o mais recente do Swans - e é sempre legal quando as pessoas lembram do Swans. Mas enquanto eu lia o texto, também comecei a me lembrar de algo: da resenha que eu fiz desse disco em agosto de 2010 pro Rraurl. Acontece que o texto do MPSO está estranhamente parecido com o meu. Aqui vão alguns trechinhos que não me deixam mentir (os do MPSO estão em azul e os do meu, em vermelho):

Antes do lançamento do novo álbum do Swans, o vocalista e líder Michael Gira fez questão de frisar que isto não significaria apenas uma reunião. Como tudo o que faz na vida, Gira, de cara feia, foi logo afiando a sua língua maldita: “não é um ato de nostalgia imbecil!”.

Após um hiato de 13 anos, a banda Swans voltou à ativa no começo de 2010 e agora está lançando um disco novo, My Father Will Guide Me Up a Rope to the Sky. [...]... o vocalista/guitarrista Michael Gira deixou bem claro no site da gravadora Young God Records que "ISSO NÃO É UMA REUNIÃO. Não é um ato de nostalgia imbecil. Não é repetir o passado. Após cinco álbuns do Angels of Light (banda que Gira formou depois do fim do Swans), eu senti necessidade de seguir EM FRENTE, em uma nova direção, e reavivar a idéia do Swans está me permitindo fazer isso".

Para quem não sabe, o Swans é daquelas bandas espetaculares que surgiu no começo da década de 1980, junto com Sonic Youth e afins, e ficou eternamente no submundo adorado por pessoas do submundo. Em seus primeiros anos de sons extremamente pesados e sombrios, com características mais ligadas ao metal, o grupo foi amaciando e modernizando a sua música, mas sem nunca sair do underground. As coisas ficaram mais bem trabalhadas, o que não significa que ficaram alegres e sorridentes.

O Swans foi formado na Nova York em 1982 e fez parte da segunda geração da no wave, mesma cena em que nasceu o Sonic Youth. Nesse primeiro momento, a música da banda era bem pesada (resvalando no metal), arrastada e repetitiva. A temática das letras girava em torno de morte, violência, crueldade. Imagine um disco do Slayer em rotação lenta: é mais ou menos isso. Em 1986, com a entrada da vocalista/tecladista Jarboe, o som do grupo começou a passar por um lento processo de mudança: o andamento deixou de ser tão lento, a repetição ad nauseum de uma mesma célula musical deu lugar a estruturas mais convencionais (baseadas em estrofes e refrões), o vocal ficou mais melodioso e as guitarras barulhentas abriram espaço para instrumentos acústicos. A agressividade do período inicial foi abrandada, sem que a banda se tornasse comercial ou perdesse seu caráter sombrio.

O bom de ver álbuns recentes de pessoas competentes e com pensamentos desnorteados de caos total é perceber a qualidade tecnológica aliada a sons realmente impactantes. My Father… é, acima de tudo, um álbum muito bem encaminhado e executado, desde as nuances de 9 minutos da faixa de abertura “No Words/No Thoughts” até a delicadeza imponente de “Little Mouth”. O que vale perceber é a mudança de espírito em cada faixa, que sai do mais puro silêncio inocente para tensões de graves repetitivos, algo muito claro na música “You Fucking People Make Me Sick”, que possui até participações leves de Devendra Banhart e da filha de 3 anos de Gira, para logo mais ser cortado por uma sinfonia assustadora.

O disco abre com "No words/no thoughts", uma pedrada de 9 minutos e meio em que uma sucessão de sinos, guitarras distorcidas e ruídos fantasmagóricos maravilham e massacram o ouvinte. Essa faixa possui duas características marcantes e que acompanham o álbum como um todo. A primeira delas é o uso da dinâmica. Em uma época de arquivos digitais em que o som é compactado e comprimido, é interessante ver uma banda trabalhar com diversas intensidades em uma mesma música. A passagem da serenidade para o caos pode se dar de maneira gradual (em crescendos) ou abrupta (se o Swans original trabalhava com uma constância que chegava a ser agonizante, agora há sempre uma surpresa no caminho). Já a passagem do caos para a serenidade é sempre instantânea, levando a uma sensação de alívio imediato, mas que não dura muito tempo. [...] No quesito susto, destaca-se "You Fucking People Make Me Sick". Com participação especial do bicho-grilo Devendra Banhart e da filha de três anos de Gira nos vocais, a faixa começa com um clima meio hippie e inocente. Até que, sem nenhum aviso prévio, as vozes e violões simplesmente somem, dando lugar a um bumbo grave e a um piano literalmente socado. Trompetes e trombones dissonantes e assustadores completam o filme de terror sonoro que se desenrola por dois minutos.

Agora o que mais me impressionou nas semelhanças não foi nem que ambos falamos que no começo o som do Swans era mais agressivo e ligado ao metal e com o passar dos anos isso foi mudando sem que a banda perdesse o caráter sombrio, ou que uma das características marcantes do novo disco é a mudança abrupta de climas, ou ambos termos destacado que a faixa de abertura tem 9 minutos, ou mesmo usado a palavra "assustador" para falar da faixa You Fucking People Make Me Sick. O que me deixou mais impressionada é que esses trechos que selecionei aparecem exatamente na mesma ordem nos dois textos: sim, os dois começam com Gira dizendo que não é uma reunião, seguem para a origem e história da banda e aí entram na descrição de faixas do disco novo.

Sei não, mas me parece que rolou uma inspiração aí - ou então esse foi um caso bizarro que coincidência como quando eu e uma amiga do colegial sonhamos na mesma noite que estávamos em Alto Paraíso com nossos pais e uma cobra aparecia. Vou botar o link pra esse post nos comentários de lá. Esperemos a resposta do autor.

ps: não tô acusando ninguém de nada e mesmo que tenha rolado uma chupinhação cara-dura não vou fazer escândalo - até porque sou a favor do copyleft e tal. Mas sei lá, talvez um agradecimentozinho fosse gentil. Ou me pagar uma cerveja da próxima vez.

Fuck yeah Jarboe

2011-01-17T18:02:00.000-08:00

Além de estar no rol das "mulheres fodonas da música", Jarboe faz parte do seleto grupo dos "seres pensantes do metal". E também é esquisitona e faz tantas caretas bizarras pra cantar que parece um cruzamento de Kate Bush com Charles Manson.

Ela começou a carreira pra valer quando entrou no Swans em 1985. No começo sua participação era mínima: um tecladinho bem escondido aqui, um backing vocal bem discreto ali - e antes disso ela passou um tempo como roadie da banda. Com o passar dos anos ela foi ganhando mais espaço no grupo de Michael Gira, mas nunca pode, digamos assim, mostrar seu potencial metaleiro. Nas músicas mais pauleiras ou ela não aparecia ou era coadjuvante, e só assumia o vocal nas menos agressivas, com mais teclado que guitarra - menos agressivas no quesito instrumental, porque as letras não tinham nada de meigas. Abaixo, um video do World of Skin, um projeto dela com o Gira:

Desde 1991, com o disco Thirteen Masks, ela iniciou uma carreira-solo paralela à banda - que se tornou seu projeto principal após o fim do grupo, em 1998. Ano passado, Michael Gira ressuscitou o Swans e lançou o ótimo My father will guide me up a rope to the sky, mas Jarboe ficou de fora. Vai saber...

Foi fora do Swans que Jarboe pode explorar o metal. Mas nada de guitarras em ritmo de galope e essas merdas. O metal de Jarboe é arrastado, denso, cheio de climas e com pitadas de espiritualidade oriental. Pra ser sincera, estou conhecendo o trabalho dela agora e por enquanto o que posso destacar é o disco Mahakali, de 2008, que traz as participações do ex-Pantera Phil Anselmo e de Atila Csihar, que além de cantar no Mayhem também faz uns shows e lançou um disco com o Sunn O))).

Jarboe | NYC @ Santo's Party House | 27 Jun 2009 | Kali V from (((unartig))) on Vimeo.

Mas a moça (ops, senhora) também dá umas escorregadas. Ano passado lançou um disco chamado Primal Barroque Experiment, que é um mix infeliz de pseudo-batucadas com teclados malas, tudo muito tedioso e com aparência de ter sido feito no laptop. Resumindo, o negócio é o seguinte: quando ela pende pro lado mais new age/world music (desculpe os palavrões), os resultados são decepcionantes, mas quando ela cai pro lado macabro/metal... fuck yeah Jarboe!!!

ps: queria embedar mais vídeos, mas não achei nenhum com áudio decente...

Ah, lindos cisnes...

2011-01-12T20:28:00.000-08:00

Taí um pessoal que poderia dar um pulinho no Brasil em 2011:

Centésimo post

2010-12-30T17:18:00.001-08:00

Comemorando a chegada do centésimo post do Destruindo Pianos, preparei uma playlist com 100 músicas que representam bem o espírito do blog: tem Velvet, Sonic Youth, no wave, Vanguarda Paulistana, coisas dos anos 90, barulhos e esquisitices em geral. Alguns dos artistas já apareceram em posts por aqui, outros aparecerão em breve. Só baixar e ser feliz!
(obs: os arquivos estão em vários formatos diferentes. Sugiro baixar o Reprodutor de mídias VLC, um software gratuito, livre, que toca qualquer coisa e não enguiça)

Pasta A – Novaiorquices, noventices e pós-punk

01 - 30 seconds over Tokyo – Pere Ubu
02 - Antiworld – Nina Hagen
03 - Braid 1 and Leaping song – Meredith Monk
04 - Ddiamondd – Battles
05 - Design to kill – James Chance and the Contortions
06 - Ecstasy – Lou Reed
07 - Eric’s trip – Sonic Youth
08 - Face place – The Slits
09 - Forgiveness – Yeasayer
10 - From her to eternity – Nick Cave & The Bad Seeds
11 - From the air – Laurie Anderson
12 - Gallons of rubbing alcohol flow through the strip – Nirvana
13 - Ghost rider – Suicide
14 - Harness your hopes – Pavement
15 - Here she comes now – The Velvet Underground
16 - In the flowers – Animal Collective
17 - Junkhead – Alice in Chains
18 - Kill yr. Idols – Sonic Youth
19 - Lesson No. 1 for electric guitar – Glenn Branca
20 - Lounge act – Nirvana
21 - New new – DNA
22 - Ono soul – Thourston Moore
23 - Rain on Tin – Sonic Youth
24 - Red dress – TV on the Radio
25 - Rock’n’roll nigger – Patti Smith
26 - Staircase – Beirut Slump
27 - Suck you dry – Mudhoney
28 - The wagon – Dinosaur Jr.
29 - Tonight tonight – Smashing Pumpkins
23 - Too much paranoias – Devo
31 - Under the house – PIL
32 - Useful chamber – Dirty Projectors
33 - Venus in furs – The Velvet Underground
34 - Violet – Hole
35 - Walk on the wild side – Lou Reed
36 - We die young – Alice in Chains
37 - While you wait for the others – Grizzly Bear

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Pasta B – Metal, industrial, kraut, eletrônico

38 - A hanging – Swans
39 - Akuma no kuma – Sunn O))) + Boris
40 - Boris – Melvins
41 - Born Stubborn – Sepultura
42 - Come do daddy – Aphex Twin
43 - Convincing people – Throbbing Gristle
44 - Country lane – Wendy Carlos
45 - Do the Mussolini (headkick) – Cabaret Voltaire
46 - Facelifter – Naked City
47 - Halber Mensch – Einstuerzende Neubauten
48 - Headhunter – Front 242
49 - Loneliness – Tuxedomoon
50 - Longue Route – The Young Gods
51 - Machine Gun – Portishead
52 - Masked ball – Jocelyn Pook
53 - Mushroom – Can
54 - Negativland – Neu!
55 - No words no thoughts – Swans
56 - One step beyond – Fantômas
57 - Short piece – Krieger
58 - Start the riot – Atari Teenage Riot
59 - The man machine – Kraftwerk
60 - The soul continues – Jarbor + Attila Csihar
61 - Urlo Negro – Mike Patton
62 - Warm leatherette – The Normal

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Pasta C – Freejaz, Radiohead, Beck, psicodelia, Vanguarda Paulistana, instrumental brazuca e outros

63 - All I need – Radiohead
64 - Anteontem – Itamar Assumpção
65 - Apaixonite aguda – Itamar Assumpção
66 - Astronomy Domine – Pink Floyd
67 - Che belew shellela – Getatchew Mekuria + The Ex
68 - Chemtrails – Beck
69 - China my China – Brian Eno
70 - Colors – Pharoah Sanders
71 - Dear darkness – PJ Harvey
72 - Diversões eletrônicas – Arrigo Barnabé
73 - Embalos – Itamar Assumpção
74 - Friction – Vandermark 5
75 - Gray sunset – Ariel Pink
76 - Harry Partch – Beck
77 - In limbo – Radiohead
78 - Indiu – Tetê Espíndola + Philippe Kadosch
79 - Kokend asfalt – Ex Orkest
80 - Leeds United – Amanda Palmer
81 - Lubenica – Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra
82 - Machine Gun – Peter Broetzmann Octet
83 - Man-size sextet – PJ Harvey
84 - Only Shallow – My Bloody Valentine
85 - Paranoid Android – Radiohead
86 - Pentagramarama – Satanique Samba Trio
87 - Provolone – A Banda de Joseph Tourton
88 - Resh hex – Tobacco + Beck
89 - Santo Antonio – Hermeto Pascoal
90 - Sertão – Tetê Espíndola
91 - Sova – Hurtmoldt
92 - Sutil – Na Ozzetti
93 - Tô tenso – Patife Band
94 - Treci Vavilon – Darkwood Dub
95 - Trench – Jonny Greenwood
96 - Trio de efeitos – Grupo Rumo
97 - Vamos dar mais uma – Macaco Bong
98 - We travel the spaceways – Sun Ra
99 - White rabbit – Jefferson Airplane
100 - Who needs the peace corps – Frank Zappa

DOWNLOAD

Queria ter colocado alguma coisa de black metal também, mas não achei. Então fica esse vídeo de bonus track (as roupas são ridículas, a mensagem é uma merda e os caras não são pessoas que eu chamaria pruma cerveja, mas essa música é bem interessante, principalmente as mudanças bruscas de um clima pra outro):

Tchau 2010

2010-12-30T07:33:00.000-08:00

Este ano foi bem parado aqui no blog, mas eu andei fazendo umas matérias/resenhas bem legais por aí (e já tem coisa prontinha pra sair em 2011 também). Aqui vão os links:

Reportagem sobre o disco Clara Crocodilo, que completou 30 anos em 2010 (essa matéria foi minha estreia na revista +Soma, que é tipo a revista dos sonhos de quem quer trabalhar com cultura e escrever sem amarras): http://www.maissoma.com/2010/8/20/ensaio-clara-crocodilo-por-raquel-setz

Entrevista com a Banda Isca de Polícia, falando sobre os discos de inéditas do Itamar e sobre os shows de lançamento: http://www.maissoma.com/2010/10/13/entrevista-isca-de-policia-fala-sobre-o-show-caixa-preta

Review do show insólito do duo Phil Minton (voz) e do Han Bennink (bateria): http://www.maissoma.com/2010/12/16/show-phil-minton-e-han-bennink-centro-cultural-vergueiro

Nesta edição da +Soma, tem uma entrevista que fiz com o Luiz Tatit e uma resenha da Caixa Preta, do Itamar. Baixe aqui.

No rraurl, resenhei os discos novos da Charlotte Gainsbourg (produzido pelo Beck), Holly Miranda, Mike Patton, Swans e, na seção tesouros, falei sobre o crássico No New York.

Por fim, uma matéria sobre o bizarro festival de viking metal que rolou no Manifesto Bar (e esta foi minha estreia no blog da Vice, outra revista dos sonhos): http://www.viceland.com/blogs/br/2010/07/29/por-odin-ce-ta-pensando-que-sou-loki/

Ooooops

2010-11-23T09:40:00.000-08:00

Na minha listinha de ontem, esqueci de uma importante:

5. I IN U, da Laurie Anderson, no CCBB

Eis que uma exposição com fotos, vídeos e muitas instalações sonoras da artista multimídia e ícone da vanguarda Laurie Anderson desembarcou em Sampa, no CCBB. Ocupando quatro andares do prédio e reunindo trabalhos de 1970 até os dias de hoje, I IN U tinha tudo para ser uma puta exposição de cair o queixo. O único problema é que 90% das obras sonoras estão inaudíveis. Sem isolamento acústico entre as instalações, o que se ouve é uma cacofonia dos infernos. Isso sem contar o barulho que vem da rua (como é no centrão e a porta fica aberta, joga uns 80 decibéis aí), da cafeteria e dos funcionários do lugar, que conversam alto e cantam (é, CANTAM) no meio das obras. No dia em que fui, ainda fui presenteada com dois grupos de crianças não muito educadas e uma professorinha que, ao ver as diversas obras cuja temática é o sono e os sonhos, soltou a seguinte pérola:
- Como essa Laurie gosta de dormir! Tô achando que ou ela é preguiçosa, ou tem anemia ou então está esperando o príncipe encantado vir dar um beijo.

Mas mesmo em meio ao caos foi possível apreciar algumas obras, como 'Night Life', em que sonhos bizarros são descritos em pequenos textos e ilustrados com lindos desenhos digitais, a instalação multimídia (vídeo, músicas e objetos) 'Delusion' com sua perturbadora história da cadela Loebelle, o caderno com instruções sobre como virar as páginas de um caderno, e a genial 'Handphone Table', em que os braços e mãos do público se tornam fones de ouvido - pena que, por estar no hall de entrada com toda a barulheira do centro e uma tv passando a gravação de uma performance de Anderson, não deu pra ouvir muita coisa.

A seguir, um videozinho sobre 'Delusion':

Breve apanhado do último mês

2010-11-22T07:55:00.000-08:00

Algumas coisas que vi/ouvi no tempo que passei sem postar:

1. Lançamento da Caixa Preta de Itamar Assumpção

Finalmente, o box contendo a discografia toda do mestre + dois álbuns de inéditas foi lançado e, pra marcar o acontecimento, rolaram vários shows no SESC Pompeia. Todos os discos foram apresentados quase na íntegra durante três fins de semana, com dois discos/shows por noite. A primeira noite, de 15 de outubro, foi com a clássica Banda Isca de Polícia fazendo o ainda mais clássico Beleléu Leléu Eu, e com os mineiros do Porcas Borboletas tocando Às Próprias Custas s.A. O show da Isca (entrevistei a banda pro site da +Soma, aqui) foi incrível e emocionante, com Suzana Salles e Vange Milliet quebrando tudo nos vocais e na performance. Zena, a viúva de Itamar, estava sentada em uma mesa da choperia, e enquanto a banda tocava Baby, lembrava dela me contando que essa música foi feita pra ela. Foi difícil segurar a lagriminha. E o pessoal do Porcas mandou bem recriando o disco mais difícil da carreira de Itamar.

No dia 16 de outubro, teve Anelis Assumpção fazendo Sampa Midnight, que talvez seja o meu favorito do Nego Dito, e Karina Buhr Intercontinental. Curti bastante os dois, e fiquei bem surpresa com a Karina. Tinha visto uma participação dela num show em homenagem ao Manguebeat e achei nada de mais. Mas a garota apavorou transformando Filho de Santa Maria em embolada, Sexto Sentido em rock pesadão e Zé Pelintra em ponto de terreiro (cantou acompanhada apenas de atabaques, que ela mesma tocou). As participações de Elke Maravilha, falando sobre a morte de um jeito leve e bonito ("O Itamar foi brincar de outra coisa, daqui a pouco eu vou também") e cantando uma música em alemão sobre a guerra foi foda. E Denise Assunção no meio da plateia cantando Parece que foi ontem parecia uma força da natureza. Lindo.

No dia 23 foi a vez das Orquídeas do Brasil apresentarem o primeiro volume da trilogia Bicho de 7 Cabeças. Não sou uma mega fã dessa fase do Itamar, mas reconheço o trabalho profundo de artesanato musical que há ali. O problema das Orquídeas, a meu ver, é o teclado, que além de ser desnecessário em uma banda com trocentas musicistas, tem um timbre horroroso. Mas o show foi bem bacana, principalmente pela participação de Alzira e Tetê Espíndola e pela inclusão da música Sei dos Caminhos, uma das melhores parcerias de Ita e Alice Ruiz e que, apesar de sempre tocada nos shows das Orquídeas, nunca foi gravada.

O show que veio em seguida, de Mariela Santiago, foi o que se pode chamar, sem injustiça, de DESASTRE. A cantora tem ótimos músicos na banda e a mistura de diversos gêneros da música negra é bem interessante, mas o que ela fez com as faixas do volume 2 da trilogia foi um crime. As faixas do disco devem ter, em média, 3 minutos. No show, cada música durou uns 10. No começo, ela embromava minutos a fio, depois repetia a letra umas 5 vezes e embromava mais um tanto no final. Metade da plateia estava vazia no fim do show e quem ficou até o fim saiu reclamando.

Sobre a Caixa Preta não vou falar agora, porque uma resenha minha sairá na próxima edição da +Soma. Boto o link aqui depois.

2. Festival de Jazz de Cascavel
Aí aconteceu uma coisa engraçada: fui ao Oeste paranaense ouvir música brasileira instrumental e, por conta da trilha sonora dos ônibus que vão de Cascavel para cidades vizinhas, acabei tendo um intensivão de sertanejo universitário, pagode de corno e dance music - e tenho que confessar que em alguns momentos essa parte inesperada foi mais divertida e agradável que a outra. O primeiro dia foi ótimo, com os catarinenses do Rio Vermelho fazendo um som com melodias cativantes e sem solos longos, e a super banda formada pelo pianista Nelson Ayres, o violonista Ulisses Rocha e o acordeonista Toninho Ferragutti. O terceiro dia foi bom, com o show de Marcell Powell, filho de Baden que toca pra cecete, tem uma boa escolha de repertório, mas às vezes enche o saco com subidas e descidas de escala nos looongos solos (aliás, achei o solo do baixista da banda o melhor da noite) e o chatinho Portinho Trio (saca piano bar? quase isso).

Mas queria mesmo falar do segundo dia, que foi insuportável. E escolho comentar mais sobre esse não porque eu goste de falar mal das coisas, mas porque ele abriu uma brecha pra eu dizer algumas coisas que estão entaladas na garganta há alguns anos. Vamos lá: o primeiro show, do pianista Gilson Peranzetta e do saxofonista/flautista Mauro Senise não me empolgou (clima piano bar, de novo), mas não ofendeu. O segundo show, do guitarrista Ricardo Silveira, é que foi dose.

Existe um dogma de que jazz é uma música de alto nível e, portanto, tudo o que recebe o rótulo jazz deve ser respeitado (ou melhor, venerado), e quem criticar é um ignorante. Mas, como os livros sagrados, bandas e artistas de jazz não só podem como devem ser criticados, se não quisermos nos tornar fundamentalistas musicais. O que se viu no palco do Cascavel Jazz Festival no show de Ricardo Silveira, foi o máximo da falta de originalidade e do egotismo: primeiro a banda toca um tema, aí o guitarrista fica três horas solando (dessas três, duas são subindo e descendo escalas de nomes estranhos - outro dogma jazzístico, aliás), volta o tema e tchau. Uma vez um professor muito querido mas também um tanto equivocado disse que "a música é pretexto para improvisar", o que equivale dizer que "a arte é pretexto para a exibição narcisística". É esse tipo de mentalidade que faz com que 90% das pessoas fuja da música instrumental - eu mesma não via a hora de buscar refúgio no som trash do busão cascavelense.

3. Planeta Terra

Sábado, dia em que completei 26 anos, rolou o Festival Planeta Terra, disparado o melhor e mais bem organizado do Brasil. Como já estou velha, resolvi ver poucas atrações. Comecei pelo Yeasayer, ótima banda do Brooklyn que fez um show delicioso. Vi o início do Passion Pit, mas a voz de gás hélio do vocalista me encheu o saco, então encontrei umas amigas e fui comer. Fugi do Phoenix, banda sem graça que misteriosamente lotooooooou a pista do palco principal, e voltei pro Pavement (agradecimentos eternos ao pessoal hype que foi ver Hot Chip e deixou a pista parecendo salão de baile). Show FODA: Stephen Malkmus em pose blasé enquanto os outros caras da banda piravam, super alegres de estarem ali. No set list, Stereo, Gold Soundz, Shady Lane e Cut Your Hair. Nessa, achei que a plateia fosse cantar o 'uh uh uh uh...' com mais vigor - mas também achei que veria montes de camisa de falnela e não vi, nada é perfeito nessa vida. Ah, e teve também Range Life, em que eles tiram um sarro do Smashing Pumpkins.

Já o show do Smashing Pumpkins foi polêmico: monte de gente descendo o cacete, mas eu achei bem bom. Ok, o solo de bateria foi ridículo, a guitarra tava desafinada em Today e a baixista estava lá de enfeite, mas justiça seja feita: a versão mais roqueira de Ava Adore foi animal, Tonight Tonight e Bullet with buterfly wings não tem como dar errado e as músicas novas não são geniais, mas estão longe da mediocridade. Então por que tanta implicância com Billy e sua turma? Tenho um palpite: a implicância vem do fato de Billy Corgan ser um mala e, pior do que isso, de sua atitude de rockstar de gênio difícil estar fora de moda. Enquanto o Pavement e as bandas pós-Strokes são formadas por caras comuns, desses com quem gostaríamos de tomar uma cerveja no boteco, Corgan não se livra da aura de estrela de multidões. Nos anos 90, quando isso ainda existia e o Pumpkins era uma puta banda, dava pra engolir o temperamento do moço. Hoje não dá mais.

4. Metal Machine Trio
Lou Reed desembarcou em Sampa pra fazer um show baseado no inaudível disco Metal Machine Music. Os ingressos evaporaram em uma hora e eu acabei ficando sem.

Cinema punk

2010-10-27T19:25:00.000-07:00

Hoje, na Mostra de Cinema de São Paulo, vi um filme do diretor punk francês François-Jacques Ossang chamado O caso da divisão Morituri. 'Bizarro' é o único adjetivo que consigo colocar nesse treco. Nem sei se gostei ou não, porque não dá pra entender lhufas da história misturando gladiadores pós-modernos, jornalistas espertalhões, deuses pagãos, RAF (aka Grupo Baader-Meinhof) e experiências de privação sensorial. Os defeitos na legendagem eletrônica, marca da Mostra, também não ajudaram no quesito 'compreensão'. Mas a trilha sonora é fodástica e e dá o tom nas cenas mais frenéticas - o 'problema' é que a montagem esquisita cria vários momentos de clímax que são rapidamente abortados.

Na hora dos créditos, apareceu o nome das bandas que colaboraram, mas como o negócio ficou durante um micro segundo, só consegui ler Cabaret Voltaire. Fucei na internet, mas não consegui achar a lista certinha. Se alguém souber, fico eternamente grata. E se alguém souber que banda é nessa cena específica, também agradeço:

Morituri_privation_sensorielle
Carregado por boukan-boukin. - Temporadas completas e episódios inteiros online

Há pouquíssimo material de Ossang na internet. O média metragem Silence, com trilha sonora do Throbbing Gristle, é um dos raros registros on-line:

FJ Ossang - Silencio

Dougherty | Myspace Music Videos

440 Hz: The Runaways - o filme

2010-10-20T09:22:00.000-07:00

Ontem fui assistir ao filme The Runaways, sobre a banda homônima formada só por garotas nos anos 70. Minha história com a banda é antiga: quando eu tinha uns 13 ou 14 anos, vi um clipe delas no Fúria MTV (lembram??) e fiquei "Uau, uma banda de rock só de mulheres, que foda!!". Meu sonho era ter uma banda de rock só de mulheres e o The Runaways era espelho do que queria pra mim. Vasculhei a Galeria do Rock inteira atrás de discos da banda e a única coisa que eu achei foi um Best Of feito tão toscamente que o queixo da Lita Ford foi cortado na capa. Mas comprei e ouvi, ouvi, ouvi... Passaram-se os anos, conheci outras coisas e me toquei que o som do Runaways era uma puta duma fuleiragem. Mas sempre tive um carinho pela banda e, apesar de bestas, as músicas são uma delícia de ouvir pra 'desopilar o fígado'.

Bom, foi com esse ar saudosista que fui assistir ao filme que conta a história do grupo. E, por sinal, ela é bem diferente do que eu imaginava: uma noite, Joan Jett viu um produtor chamado Kim Fowley em um clube de rock, disse que era guitarrista e que queria montar uma banda de rock feminina. Quintessência da canalhice, Fowley viu aí uma oportunidade de ganhar dinheiro e recrutou outras garotas para formar a banda. O filme mostra o produtor como um ser odioso, verdadeiro carrasco que gritava com as meninas, humilhava e, na ânsia por grana e fama, fez com que elas se comportassem como moleques arruaceiros, cantassem letras quase pornográficas, fizessem poses insinuantes e usassem a vagina como uma arma de destruição em massa. Detalhe: todas tinham por volta de 15, 16 anos. Um porco escroto, certo?

Certo. O único problema é que as pessoas envolvidas na produção do filme se comportaram como Fowley - provavelmente, não jogaram merda de cachorro nas atrizes para torná-las duronas, mas o uso da sensualidade é tão forte que em algumas horas pensei que estava na verdade assistindo a um soft porn. Kristen Stewart, que interpreta Joan Jett, tem 20 anos; as atrizes que fazem Lita Ford, Sandy West e Jackie Fox tambem devem ser maiores de idade, mas Dakota Fanning, que interpreta Cherrie Currie, tem 16 anos. E é justamente nela que a eroticidade está concentrada. Logo nas primeiras cenas, um cara enfia a mão no meio das suas pernas. Ela ainda é bolinada por mais duas pessoas ao longo do filme e faz performances ultra-sensuais usando apenas espartilho e cinta-liga - isso sem contar os closes gratuitos em sua virilha.

Que fique claro que eu não sou moralista: não tenho nada contra filmes pornô, e óbvio que não acho que uma garota de 16 anos seja uma criança pura e inocente (aliás, nem acredito que as crianças sejam puras e inocentes), mas um bando de adultos se aproveitar da sensualidade/sexualidade dela para ganhar dinheiro é escrotice pura. E não sejamos bobos: as cenas de amasso com Kristen Stewart não estão lá para mostrar uma menina descobrindo e experimentando a sexualidade (o que é bem saudável, aliás). Elas estão lá pra fazer a alegria de marmanjos punheteiros. Dakota Fanning é ótima, linda e encantadora, mas, se a intenção do filme é realmente ser mais sexual do que musical, o casting poderia ao menos ter escolhido uma atriz maior de idade.

E esse não é o único problema do filme: a pobre da baixista não abre a boca sequer uma vez e Lita Ford só abre a boca pra brigar com a frágil Cherrie. O roteiro é cheio de lacunas: dá a entender que o grupo acabou no meio da gravação do disco de estreia, mas, nos créditos finais, ficamos sabendo que o Runaways existiu por mais dois anos, com Jett nos vocais; em certo ponto do longa, Jett diz que era ela quem compunha as músicas, mas apenas vemos as garotas repetindo o que o mestre Fowley mandava; e a imagem final é simplesmente patética - parece que Cherrie está felicíssima por ter jogado a carreira de rockstar no lixo para trabalhar em uma loja de acessórios para casamento.

O que se salva é a trilha sonora (Bowie, Gary Glitter, The Stooges e, claro, The Runaways), os figurinos glam rock, a interpretação das meninas e algumas poucas cenas. Em uma delas, Joan Jett tem um surto de raiva e sai quebrando tudo no estúdio. O produtor, em vez de ficar bravo, comemora: "Anarquia! Destruição!" - gestalt perfeita da rebeldia virando produto para consumo.

Um pouco do The Runaways original:

Avant-garde project

2010-08-25T11:21:00.001-07:00

Já falei rapidinho aqui sobre o Avant-garde Project, iniciativa de um cara chamado Lou Davenport, dono de uma grande coleção de discos de música erudita contemporânea. Ao perceber que muitos desses discos estavam fora de circulação, ele resolveu convertê-los em arquivos de áudio e compartilhar com o mundo. Zero comercialismo e 100% idealismo, visto que ele não lucra nada e ainda tem o trabalhão de fazer as conversões. Alguns meses atrás, tive um probleminha baixando um dos discos, mandei um email para ele comunicando a falha e aproveitei para fazer uma entrevistinha por email. Segue aqui:

Como você se tornou um fã de música erudita contemporânea? É apenas algo que você aprecia ou você trabalha com música?
Não tenho nenhuma educação em música, não toco ou componho. Comecei a ouvir esse tipo de música décadas atrás, quando percebi que um monte de compositores do pós- guerra estavam produzindo combinações de timbres e harmonias fascinantes e sem precendentes. Eu amo sons e gosto de me expor à maior variedade possível de sons interessantes, então comecei a colecionar e ouvir LPs de música clássica de vanguarda.

Quando você teve a ideia do Avant-garde project?
No começo de 2006, percebi que Acustica, do Mauricio Kagel, não estava disponível em nenhum formato além de alguns MP3 na ubuweb. Eu queria compartilhar esse trabalho incrível, então tive a ideia de converter meu LP e fazer upload no bittorrent. Isso me fez pensar que eu era uma das poucas pessoas com (a) uma coleção grande de LPs de música clássica do fim do século 20, (b) um aparelho analógico topo de linha com conversor analógico-digital, (c) familiaridade com bittorrents e (d) tempo livre suficiente para transcrever e fazer upload desse material. Assim, senti uma certa obrigação em fazer com que esses discos estejam disponíveis para mais pessoas.
Comecei com alguns favoritos pessoais, e, a partir do momento em que ficou claro que havia interesse no projeto, comecei a transcrever trabalhos fora de circulação de maneira mais sistemática. De início, pensei que fosse fazer umas trinta ou quarenta partes, então pareceu que eu teria material para umas oitenta, e agora estou com mais do dobro desse número. Depois de fazer upload de uns vinte discos, percebi que a “seeding bandwidth” dos partidários do AGP estava se estreitando para manter todos esses torrents disponíveis, então comprei o domínio avantgardeproject.org e assim as pessoas podem fazer download direto do servidor.

Quais são seus favoritos entre toda sua coleção e entre os discos que estão no arquivo do Avant-garde project?

Veja aqui: http://www.avantgardeproject.org/favorites.htm

Você mantém o site sozinho?
Sim. Apesar de alguns partidários do AGP terem ajudado fornecendo material e hospedando “mirror sites”, continua sendo uma operação de um homem só.

Discos de música clássica contemporânea são extremamente difíceis de achar e também muito caros. Os que você postou no site são ainda mais difíceis de conseguir. Me conte como você formou sua coleção de discos – você costuma ir a sebos? Compra pela Internet?
Comprei MUITO em lojas de discos usados em um período de décadas. Eu comprava agressivamente no fim dos anos 80 e começo dos 90, quando pessoas com coleções grandes de LPs estavam mudando para o CD e se desfazendo de suas coleções. Perda deles, ganho meu.

Existe algum disco que você esteja procurando, mas ainda não conseguiu?
Não me vem nada à cabeça imediatamente. Com pouquíssimas exceções, o ebay me proporcionou preencher as lacunas, exceto naqueles casos em que o preço é muito alto para mim.

Apesar do site conter apenas trabalhos fora de circulação, você teve algum problema com copyright?
Tive alguns pedidos para remover material, e o fiz imediatamente após ler o email, e os representantes dos donos dos copyright têm sido geralmente amigáveis. Acho que eles perceberam que o AGP existe para servir os compositores e os fãs dessa música incrível, e que eu não quero interferir em nenhuma atividade comercial, já que o mecanismo comercial sempre será o melhor meio de oferecer mais música a mais pessoas, e temos que respeitar isso.

O projeto é focado na música do século 20. Você tem intenção de expandi-lo para a música do século 21 também?
Só se começarem a lançar montes de LPs de música clássica do século 21 e estes LPs saiam de circulação.

Para terminar: a música clássima contemporânea é considerada a forma de arte contemporânea mais impopular. Por exemplo, pessoas comuns conseguem curtir uma exposição de artes visuais em um museu, mas ouvir algo como música eletroacústica é quase insuportável para elas. Você recomenda algum tipo de “treinamento auditivo” para aqueles que querem entrar nesse universo, mas ainda não são familiarizados a ele?
Honestamente, não tinha pensado muito nisso. Lembro de ter lido em algum lugar que música é sobre preencher as expectativas dos ouvintes o suficiente para lhes proporcionar satisfação e uma experiência inteligível, mas não tanto a ponto da música soar banal e desinteressante. Acho que as pessoas variam em quanto elas preferem uma música que fica no terreno do familiar e previsível versus música que as desafiam com o novo e o inesperado. Para gostar de música clássica conemporânea, acredito que você já tem que querer ser desafiado pela música. A maioria das pessoas não quer isso. Elas gostam do que é familiar e previsível porque elas querem simplesmente ser entretidas pela música. Duvido que as pessoas possam se treinar para querer algo diferente do que elas querem naturalmente. Mas talvez!

Dossiê Brooklyn 2: Dirty Projectors

2010-07-09T15:02:00.000-07:00

Ano passado, quando lançou o disco Bitte Orca, o Dirty Projectors deixou todo mundo passado. Ao lado de Merriweather Post Pavilion, do Animal Collective, e Veckatimest, do Grizzly Bear, foi um dos melhores álbuns de 2009 e uma das razões de existir do Dossiê Brooklyn.

Agora no fim de junho, a banda lançou um EP em parceria com a Bjork, ligado a uma campanha para salvar as baleias (o site, em que dá pra baixar o disco é http://www.mountwittenbergorca.com/). Nas sete faixas do EP, o Dirty Projectors consegue um resultado ainda melhor do que o de Bitte Orca em aliar ousadia e delicadeza e beleza e esquisitice. Apesar de ter baixo, bateria e guitarra/violão, o Dirty Projectors usa muito a voz como instrumento de base - e, para isso, as três vocalistas muitas vezes utilizam timbres estranhos e, podemos até dizer, feios. Mas essa possível feiúra se dilui na beleza das melodias, na delicadeza dos arranjos. E o resultado dessa mistura é uma música que não chega a ser etérea ou onírica. É música terrena mesmo, mas que passeia por paisagens incomuns e estranhamente belas.

A primeira faixa do EP Mount Wittenberg Orca (observação inútil: o DP deve ser a única banda do mundo que já usou a balavra "orca" no título de dois discos) tem um clima "canto de baleias" que pode ser um pouco sacal, mas que faz muito sentido como introdução de um disco feito para salvar o cetáceo. E, embora haja algumas letras cujo eu-lírico é uma baleia, a coisa passa longe de "We are the orcas/ save the orcas/ let's make a better orca place". Não, nada de demagogia sentimentalista. Apenas um ótimo disco voltado para uma igualmente ótima causa.

Minhas duas faixas favoritas são When the world comes to an end e No embrace, ambas cantadas por David Longstreth, criador do DP e compositor de todas as músicas do grupo, além de guitarrista e vocalista.

A New York Magazine publicou há um tempo um artigo bem legal sobre a banda e o por quê do Brooklyn ter se tornado um celeiro de bandas boas - e não é nada na água, como eu supunha....

A cura do pastiche

2010-07-04T20:27:00.000-07:00

Desde o ano passado, o genial Beck está levando a cabo um projeto insano chamado Record Club. Ele junta uns colegas e, em um dia, regrava algum disco clássico (ou "clássico"). A cada semana, ele disponibiliza em seu site um vídeo com uma faixa. Tudo começou com The Velvet Underground & Nico (o cara tem BOLAS, vamos combinar) e o último da lista foi Kick, do INXS - e não é que Beck conseguiu tornar inteligentes e empolgantes as músicas de uma das bandas mais insossas da música pop? A balada breguinha Never Tear Us Apart ficou linda de morrer, apesar dos versos melecados continuarem os mesmos.

Mas eis que o moço resolveu chutar o balde: chamou Thurston Moore, Tortoise e diversos músicos de estúdio para regravar (tremei) Live at Acropolis, do Yanni (!!!!!). Mesmo que não se lembre do nome, você já deve ter visto esse show pelo menos de relance quando zapeava a TV na época do Natal - embora não seja um show natalino, as emissoras ganham um ar épico nessa época do ano. Enfim... Esse show, gravado na Acrópole, em Atenas, é a definição de kitsch: pretende ser grandioso, mas é apenas cafona; pretende ser erudito, mas é tão vulgar quanto uma Surra de Bunda. Zeus deve ser um camarada bem misericordioso, do contrário teria lançado um raio bem na testa de Yanni, enquanto este tocava melodias baratas fazendo cara solene e batendo cabelo. Isso sem falar no bigode INDECENTE. Um clássico do mau gosto dos anos 90.

Mas Beck, que é um cara de coragem, resolveu encarar a besta-fera. A primeira faixa, Santorini, já está disponível e é de cair o queixo. Ouça e veja a original e a de Beck/Thurston - sim, eles encontraram a cura do pastiche:

Record Club: Yanni "Santorini" from Beck Hansen on Vimeo.

Observação: este blog acabou de completar dois aninhos - e eu, mãe desnaturada, nem dei uma festinha. Mas o 100º post se aproxima e aí vai rolar uma playlist comemorativa. Até!

Metal, aqui me tens de regresso + arte & tortura

2010-06-21T11:42:00.000-07:00

Dos 13 aos 18 anos fui uma fã incondicional de metal, prinipalmente do (engasgo constrangido) metal melódico. Lembro que uma vez eu li uma entrevista com o Max Cavalera, logo que ele montou o Soulfly, dizendo que o metal é o gênero de música mais brega que existe. Na hora, fiquei com raiva e achei que o cara tava querendo aparecer (afinal, o Soulfly É uma banda de metal, ainda que misturado com 300 outras coisas), mas depois que conheci Velvet Underground e me toquei que tudo aquilo que eu achava uma puta música bem feita era uma bela duma farofa kitsch, entendi o que Max dizia.

Mas eis que, de uns tempos pra cá, venho me deparando com bandas que provam que há, sim, vida inteligente no mundo do metal (não no do metal melódico, esse é uma desgraça mesmo). Primeiro foi o Swans, que não é exatamente metal, mas também não deixa de ser (falei deles aqui), depois o Sunn O))), depois o Fantômas e agora o Naked City, do saxofonista esquizofrênico-avant-garde John Zorn.

Acabei de ouvir a Black Box, que é uma espécie de compilação contendo as "miniaturas grindcore" do disco Torture Garden e a faixa Leng Tch'e. Só para ter uma ideia de como o cara é louco: a miniatura mais longa dura 1min18 (algumas duram 10 segundos) e Leng Tch'e dura 31min39. Moderação não é um conceito muito apreciado por Zorn.

As miniaturas são uma espécie de cruzamento entre Napalm Death e Ornette Coleman: barulhentas, experimentais, desagradáveis e muito bem tocadas - quando a banda dá uma leve guinada pro jazz, é possível perceber como os músicos são bons e técnicos. Uma delas aparece na abertura do filme Violência Gratuita, de Michel Haneke:

Não gostou? Então nem pense em chegar perto de Leng Tch'e. Durante a primeira metade da música, ela segue uma linha drone: bem pesada e arrastaaaaaaada. Não gostou? Então aperte stop enquanto é tempo, porque mais ou menos da metade pro final, a coisa se transforma em um inferno. Yamakata Eye, o japonês doido que berra em certas faixas de Torture Garden, reaparece aqui, só que dessa vez berrando durante vários minutos - e ainda por cima acompanhado de um saxofone que parece querer imitar uma garota de 11 anos tendo ataque de histeria. Tentei achar uma metáfora de sensação física para expressar o que é essa música (estupro? tortura? ter o estômago cutucado por uma agulha de tricô??), até que dei um rápido pulinho na Wikipedia e achei a analogia perfeita.

Acontece que o próprio nome da música, Leng Tch'e, quer dizer "morte por mil cortes" e foi uma "técnica" de execução praticada na China. A última aconteceu em 1905, foi fotografada e adivinha? A capa do álbum é justamente essa foto (quem quiser ver, clique aqui).

Agora voltemos ao começo, quando eu falei da vida inteligente no metal. Uma das bandas citadas foi o Fantômas, do Mike Patton. Pois este grupo também lançou um disco parecido com Leng Tch'e, só que PIOR. Trata-se de Delirium Cordia, faixa de 75 minutos de duração cujos últimos 20 minutos consistem em um barulho de vitrola tocando um disco sem nada gravado, apenas um arranhão. VINTE MINUTOS. E o que vem antes também não é muito mais agradável que isso não. Na wiki, Delirium Cordia é comparado a uma cirurgia sem anestesia. Acredite, não é uma comparação injusta.

Agora voltemos alguns meses atrás, quando fiz a resenha de Devil Choirs at the Gates of Heaven, do Glenn Branca, e contei a historinha de que John Cage o acusou de fazer fascismo musical. Imagine o que o papa avant-garde diria se ouvisse os dois discos acima citados. Porque a música do Glenn Branca, se você se submeter a ela, é bonita. Já Leng Tch'e e Delirium Cordia não. E não é uma questão de gosto: elas foram claramente feitas para serem desagradáveis, quase insuportáveis.

Agora voltemos ao presente e perguntemos: por que um artista quer torturar seu público? O que está por trás disso? Revolta contra o sistema? Revolta contra a necessidade da arte ser bela? Sadismo? Terrorismo sonoro? Não sei. Só sei que, quando a música acaba, dá um alívio imenso, uma sensação de "sobrevivi, agora me tira daqui!!".

Se eu odiei os discos? Não, pelo contrário. Tenho certeza de que em breve ouvirei novamente. E por que o público (eu) quer ser torturado outra vez? Sei menos ainda...

My name is Noise 1

2010-05-27T19:52:00.000-07:00

Seguindo a tradição de prometer e não cumprir, crio mais uma seção no blog: My name is Noise, sobre bandas que têm a palavra "noise" no nome.

Inauguro a seção com a banda inglesa que atende pela meiga alcunha Extreme Noise Terror, representante de um sub-gênero chamado grindcore, filho bastardo da união promíscua entre hardcore e death metal. Assim como o black metal, o grindcore prima pela antimusicalidade. É um som absolutamente (e propositalmente) medonho, que, segundo essa matéria da revista Vice, nasceu em nosso solo tupiniquim (Já dizia Noel Rosa que "a tosqueira, a podridão e outras bostas são nossas coisas, coisas nossas").

A (anti-)música do Extreme Noise Terror pode ser descrita como um amálgama de guitarras extremamente distorcidas e mal tocadas, uma bateria tão desconjuntada que parece que os caras pegaram bumbo, chimbal, pratos e caixas e arremessaram escada abaixo, e vocais guturais que entoam versos de protesto contra o sistema e pelos direitos dos animais - mas somente um ouvido super-humano pode entender as letras bem intencionadas; para os meros mortais, fica a impressão de que os vocalistas estão apenas vomitando na frente do microfone.

Por meio deste canal do Youtube, ouvi o primeiro LP do grupo, A Holocaust in Your Head, de 1989. Depois vi mais uns dois ou três vídeos de músicas de outros discos e confesso que não tenho disposição para ir atrás de mais coisas. Não sei se é porque passei meus anos de adolescência dando audiência para o Fúria MTV, o Oitenta e Noise e o Backstage, e acabei familiarizando meus ouvidos com esse tipo de música, mas o suposto terrorismo sonoro do ENT não me assusta nem empolga.

Na verdade, acho toda a proposta estética da banda um tanto ingênua. Primeiro porque em 1985 (ano de fundação do grupo), músicos que não sabiam tocar já não eram novidade no mundo do rock; segundo porque as letras são de um ativismo tão simplório que chega a constranger (essa aqui, por exemplo); e terceiro porque não há nada de original ali.

Na cena no wave novaiorquina, por exemplo, os artistas se valeram da própria ignorância musical para criar uma nova música. Eles pegavam uma guitarra e, não sabendo tocar nenhum acorde ou compor melodioas, tiravam som do instrumento esfregando uma garrafa de vidro nas cordas ou batendo nelas com baquetas ou simplesmente descendo a mão de maneira completamente caótica - Pat Place, guitarrista do Contortions conta que, nas primeiras apresentações do grupo, saiu do palco com os dedos sangrando, de tanto esmurrar e arranhar o instrumento. Já o Extreme Noise Terror simplesmente executa uns três ou quatro power chords em uma guitarra com a distorção no máximo. Além disso, com o passar dos anos, o grupo foi se aproximando cada vez mais do metal, o que acabou por acertar a rítmica desconjuntada da bateria - elemento que causava um baita mal-estar sonoro (mas, como a ideia era causar mal-estar, talvez não tenha sido uma sacada muito inteligente).

Analisando bem, os caras têm mais barulho no nome do que na música em si...

Leiturinhas parte 2

2010-05-24T10:44:00.000-07:00

Do livro Música Impopular, de Julio Medaglia - capítulo Música Eletrônica (os negritos são meus):

"Assim como um compositor dodecafonista se policiava ao extremo, evitando todo e qualquer acorde que pudesse lembrar um encadeamento tonal-tradicional, o de música eletrônica, na criação do seu arsenal sonoro, cuidava para que ele fosse inteiramente original e livre de qualquer associação com sons ou ruídos existentes. [...] Os sons inventados para uma composição assim como sua estruturação são utilizados uma única vez. Os teipes preparados são, em seguida, apagados, restando, por fim, apenas a matriz da qual são feitas as cópias em fitas ou discos.

"Em linhas gerais, a composição de música se processa da seguinte maneira: a obra é realizada pelo compositor inteiramente dentro de um estúdio de gravação com a ajuda de um técnico. Esse estúdio possui um gerador de frequências que emite um som sinusoidal, a matéria-prima básica do compositor. A diferença entre um som sinusoidal e aquele produzido por instrumentos tradicionais é que o som sinusoidal é "puro", não tem timbre. Se analisarmos num aparelho especializado as características de um som produzido por um instrumento tradicional, vamos observar que, além do som fundamental, aquele que lhe dá nome (dó, fá-sustenido, si-bemol), certa quantidade de sons menos audíveis também integra sua estrutura e são chamados de harmônicos. [...]

"De acordo com o instrumento que emite o som, varia a quantidade de harmônicos, suas intensidades, alturas e durações (os "harmônicos são intermitentes). A relação estabelecida nesse conjunto de características dos harmônicos presentes num som é que determina seu timbre. Na realidade, cada harmônico é um som sinusoidal. Assim, o compositor registrando numa pista do gravador um som sinusoidal básico (fundamental) e for acrescentando nos demais outras frequências (hoje existem máquinas que gravam canais simultâneos e independentes), ele tem condições de inventar o timbre que quiser. [...]

"O material utilizado pelo compositor varia do som ao ruído. No som, com coloração determinada, os harmônicos possuem um relacionamento proporcional entre si, chamado de "peridiocidade". Quando não existe esse relacionamento "periódico", os harmônicos se atritam e o resultado é o ruído. Para a música eletrônica, o som e o ruído tanto fazem parte de sua linguagem como as vogais e consonantes em qualquer idioma. [...]

"O repertório sonoro criado pelo compositor vai sendo armazenado num arquivo e quando ele estiver completo os fragmentos vão sendo pinçados e editados num processo semelhante ao da montagem de um copião cinematográfico. Desse copião é extraída, então, a fita-matriz da peça."

Nessas, acabei conhecendo esse canal incrível no Youtube - pena que a qualidade de áudio do site seja bem precária:
http://www.youtube.com/user/NewMusicXX

Leiturinhas

2010-05-11T21:12:00.000-07:00

Dois textículos bem interessantes sobre música disponíveis na internet:

The wolf at our hills (Jan Swafford para a Slate Magazine): esse texto é uma resenha do livro How equal temperament ruined harmony (and why you should care), do professor Ross W. Duffin, mas vai muito além do compre ou não compre/leia ou não leia: é uma pequena aula sobre os sistemas de afinação ocidentais, desde a Renascença até os dias de hoje. E também é uma prova de que o mundo da música pode ser ao mesmo tempo fascinante, enlouquecedor e até um tanto fútil.

How black is black metal (Kevin Coogan): este também é uma resenha, só que do polêmico livro Lords of chaos, de Michael Moynihan e Didrik Sederlind, que conta a história da ainda mais polêmica cena black metal norueguesa do início dos anos 90. Kevin Coogan usa sua técnica de jornalista investigativo para destrinchar as ligações entre black metal, igreja de satã, organizações nazi-fascistas, Charles Manson, a cultuada banda de industrial Throbbing Gristle e o autor Michael Moynihan (que é assumidamente de extrema-direita). Ele aproveita para explicar a diferença entre fascismo/terrorismo cultural (praticado pelo Throbbing Gristle) e fascismo/terrorismo de fato (praticado por Moynihan, Varg Viekernes e todo esse pessoal bacaninha).
Observação: em alguns momentos do texto, Coogan ataca o comunismo, o que pode levar à ideia de que ele também é simpático ao ideal de extrema-direita. Dei uma pesquisada e descobri que ele lançou um livro (Dreamer of the day: Francis Parker Yoker and Postwar Fascist International) pela editora Autonomidia, especializada em obras de caráter anarquista. Portanto, pode ler sem medo que Coogan é um cara confiável.

Por fim, queria indicar o livro Rip it up and start again - Postpunk 1978-1984, do jornalista musical Simon Reynolds. Ainda estou no começo, mas só o prólogo já valeu os reais investidos: ao comparar o que veio antes do punk (como Frank Zappa, Brian Eno, krautrock e a santa trindade glam rock David Bowie/Lou Reed/Iggy Pop) com o que veio depois (no wave, industrial, Joy Division, PIL), ele chega à seguinte conclusão:

In hindsight, is punk rock that seems the historical aberration - a clear-the-decks return to basic rock'n'roll that ultimatelly turned out to be a brief blip in an otherwise unbroken continuum of art-rock spanning the seventies from start to finish.
[tradução livre: Em retrospecto, o punk rock é que parece ter sido a aberração histórica - um retorno ao rock básico que acabou sendo apenas uma pequena quebra no contínuo de art-rock que, não fosse o punk, teria acompanhado os anos 70 do começo ao fim]

Ou seja, Reynolds praticamente esvazia a importância musical do punk rock. A história de que o punk salvou o mundo do rock progressivo de grupos como Yes e Emerson, Lake & Palmer é uma falácia: já antes de 1976 (ano zero do punk rock) havia outras bandas/artistas fazendo coisas muito mais interessantes que o progressivo xarope e que o próprio punk. Moço corajoso esse Simon Reynolds...

Dossiê Brooklyn 1: Battles

2010-04-29T18:22:00.000-07:00

Demoreeeeeei horrores pra finalmente botar essa seção Dossiê Brooklyn para funcionar, mas esse atraso se deve ao fato de que, desde o início, tinha em mente que o primeiro post deveria ser sobre o Battles - que é, na minha opinião, a banda mais surpreendente dessa cena.

Formada em 2003, até agora o Battles lançou apenas um EP e um álbum, o excelente Mirrored. Em vários lugares a banda aparece sob o rótulo "math rock", o que até poderia ser mais uma das várias baboseiras da imprensa musical, mas a ideia de que talvez a banda utilize deliberadamente a matemática em suas composições não é absurda: o frontman Tyondai Braxton tem formação musical sólida, além de ser filho de um compositor de vanguarda chamado Anthony Braxton.

Somando isso ao fato do disco se chamar Mirrored e da primeira faixa se chamar Race: In e a última, Race: Out, entrei numas de tentar descobrir se as faixas do disco se relacionam de maneira espelhada (a primeira se refletindo na última, a segunda se refletindo na penúltima e assim por diante) - seja por meio de temas, do compasso utilizado, do clima, enfim. E a Internet não me ajudou muito nessa hora, porque além de eu não encontrar partituras das músicas, não achei nenhuma entrevista abordando as técnicas de composição que a banda utiliza - ê, jornalismo musical capenga. Enfim, o resultado foi que eu queimei meus já parcos neurônios e nada.

Mas, apesar de não ter feito nenhuma grande descoberta, acredito que ainda seja possível falar algumas coisinhas sobre o Battles e, mais especificamente, o disco Mirrored.

De maneira geral, o grande trunfo da banda e do disco é a rítmica. Instrumentistas excelentes (mas não virtuoses, ainda bem), os integrantes do Battles trabalham com compassos e polirritmias com as quais 99% das bandas de rock não poderia nem sonhar em explorar. Estranhamente, a faixa de Mirrored que se tornou mais conhecida foi Atlas, justamente uma das menos complexas em termos rítmicos:

Mas a habilidade do Battles quando o assunto é ritmo se revela mesmo nas faixas Race: In, Rainbow, Snare Hanger, Tij e na excepcional Ddiamondd, para mim a melhor do disco - e, sinceramente, uma das músicas mais instigantes que já ouvi na vida. E talvez a própria banda a considere a mais importante do álbum, já que é ela que trata diretamente do tema "espelhos", a começar pelo título (os Ds que se repetem no início e no fim). A letra da música é um negócio tão maluco (embora não seja nada nonsense) que no fim o eu lírico já está se perguntando se ele próprio não é um diamante. Fora a velocidade com que é cantada - queria saber quanto tempo o vocalista teve que treinar pra conseguir dar conta do recado...

Curiosidade: foi por meio de Ddiamondd que conheci o Battles. Isso aconteceu alguns anos atrás, quando o blog Trabalho Sujo publicou um mashup bizarro feito com essa música e um clipe do É o Tchan:

440 Hz: o tal do grunge...

2010-04-23T20:36:00.000-07:00

Mês em que se comemora o aniversário da morte de Kurt Cobain (16 anos... caraio) + show do Mudhoney em breve, e me peguei reescutando meu amado Nevermind e meu querido In Utero, procurando vídeos no Youtube e pensando sobre o tal do grunge. Não precisa nem dizer que o termo "grunge" foi inventado pela maledeta imprensa musical e que o suposto "porta-voz" do "movimento" detestava-o. Mesmo assim, vamos usar o termo grunge para designar bandas nascidas em Seattle no fim dos anos 80/começo dos 90, influenciadas pelo punk rock e que não economizavam nos power chords e distorções.

Escutando hoje essas bandas, tenho que admitir que, do ponto de vista estritamente musical, elas são quase indefensáveis, assim como também o é (sejamos realistas) o punk rock de Sex Pistols e Ramones (The Clash já são outros 500...). Assim como no punk, a relevância do grunge não pode ser medida em termos puramente musicais, e sim levando em conta o contexto em que surgiu.

Primeiro, devemos lembrar do estado lastimável em que se encontrava o rock no fim dos anos 80, dominado pelo hard rock farofa. Só por ter tirado Skid Row e similares do top 10, Cobain já mereceria estátua em praça pública, mas sua importância foi muito além da esfera do rock.

Desde a época dos nossos tatatataravós, os velhos tentam convencer os jovens de que eles (os jovens) são um monte de merda inútil, sem ideais e sem coragem para lutar. Normal, todo mundo tem essa coisa de "no meu tempo é que era bom". O problema é que há gerações de jovens que acreditam nessa ladainha e, de tanto ouvirem que são esse monte de merda, acabam realmente se tornando um monte de merda. A geração do começo dos anos 90 foi assim: adolescentes enterrados no sofá, sendo sugados pela MTV e comendo junk food. Se há uma palavra que pode resumir o zeitgeist de então é "tédio". O grunge, com timbres graves, andamento arrastado e o discurso que alternava desesperança e desespero foi a tradução musical do sentimento dessa geração que se jogou no lixo: "Olá, papai e mamãe, olhem o monte de merda que os senhores criaram". A raiva não é direcionada contra a sociedade (como era no punk), é direcionada contra si mesmo. E isso acabou sendo um belo de um tapa na cara da sociedade. Afinal, enquanto os filhinhos estão apáticos em frente à TV, tudo bem; mas e quando eles resolvem manifestar o desprezo que sentem por si mesmos partindo para a autodestruição?

Não havia no grunge espaço para os sentimentos singelos, assim como também não havia espaço para o ódio cru - afinal, não havia motivação suficiente para nenhum dos dois. Tudo é cinza, o mundo é chato. Músicas que tratam de temas como suicídio, depressão, incompreensão são constantes no repertório das bandas grunge e até o amor está impregnado dessa visão pouco animadora do mundo: Drain you, do Nirvana, uma das poucas canções "românticas" do grunge, compara o amor à doença e utiliza imagens escatológicas para falar do sentimento (Mastigo sua carne pra você/ Passo pra frente e pra trás/ em um beijo apaixonado/ da minha boca para a sua/ porque gosto de você):

Nesse contexto, o tiro com que Cobain explodiu os miolos em 5 de abril de 1994 "apenas" enfatiza o (anti-)discurso da geração. Mas há no grunge outra obra tão ou até mais perturbadora que esta: trata-se de Dirt, disco de 1992 do Alice in Chains. Dirt é quse um álbum conceitual, cujo tema é "heroína", a droga que anula a vida e transforma o usuário em um morto-vivo (como cantou Lou Reed, cara que entendia do assunto, em Heroin), e que acabou por matar o vocalista Lanney Stanley em 2003. Would?, faixa de maior sucesso do disco, entrou na trilha sonora de Singles, filme água-com-açúcar de Cameron Crowe que se passa em Seattle em plena era grunge, mas no qual não aparece uma seringa sequer.

(Alice in Chains na festa de lançamento do filme. Atenção na letra de Junkhead, música que eles tocam antes de Would? e que também faz parte de Dirt)

Um texto conciso e bem interessante para entender o fenômeno grunge está aqui e faz parte do livro 1989 - Bob Dylan didn't have this to sing about, de Joshua Clover. Aliás, olha só a capa do livro:

Mike Patton x originais

2010-04-14T12:09:00.000-07:00

Eis que a usina musical chamada Mike Patton (Faith no more, Fantômas, entre outros) lançou em 2010 o disco-solo Mondo Cane, só com regravações de canções italianas das décadas de 50 e 60 (!!!). Tô fazendo resenha pro Rraurl e, pra entender melhor o disco, resolvi ir atrás das gravações originais, que, por sorte, foram bem fáceis de encontrar no Youtube. Como Mondo Cane foi feito com base em alguns shows que Patton gravou 2008 e que também estão no Youtube, dá pra comparar o antes e depois das canções. Usei um show em Amsterdã, que está inteirinho e com boa qualidade e ordenei as faixas conforme o disco, não a apresentação. Ó só:

1. Il Cielo in una Stanza

2. Che Notte!

3.Ore D'amore

4. Deep Deep Down

5. Quello che conta

6. L'Urlo Negro

7. Scalinatella

8. L’uomo Che non sapeva amare

9. 20 Km al Giorno

10. Ti Offro da Bere

11. Senza Fine

Amando ou odiando o Mike Patton, em uma coisa todos têm que concordar: o cara é um puta cantor. Ele faz o que quer com a voz, seja berrar como um insandecido, seja entoar belas melodias como um gentleman.

O show todo tem mais onze músicas, que acabaram de fora do CD. Depois publico o restante da apresentação + as versões originais.

Steve Shelley à toda

2010-03-23T12:40:00.000-07:00

A exemplo do coleguinha Thurston Moore, Steve Shelley agora também tem um blog, o Vampire Blues, em parceria com Chris Lee.

E falando no moço, dá pra ouvir aqui, em streamming, uma seleção que ele fez pro Daily Session. As escolhas são tudo aquilo que eu não esperava do baterista do Sonic Youth: muita música africana, jamaicana, soul, rock'n'roll "de raiz" e... tcharã: Canto de Ossanha, afrossamba de Baden Powell e Vinícius de Moraes (!!!)

Perguntinha do dia

2010-03-22T11:16:00.001-07:00

A instalação em si é arte, mas e a música produzida sem querer pelos passarinhos, também é??

Paulicéia Avant-Garde: Grupo Rumo

2010-03-14T22:12:00.000-07:00

Luiz Tatit estava de férias, ouvindo Minha Nega na Janela (música de Germano Mathias e Doca regravada por Gilberto Gil), quando teve um insight: “as melodias das canções não têm origem propriamente musical mas sim entoativa”. Estudar e explorar a entoação da fala na canção popular passou a ser prioridade da banda de Tatit. Batizado de Grupo Rumo, esse “coletivo” de dez jovens estudantes universitários já tinha no nome a pretensão de encontrar um novo caminho para a canção brasileira. E encontraram.

A base da sonoridade do Rumo está toda no texto da canção, desde a maneira como se configura a melodia (ou a não-melodia, já que se trata muito mais de fala do que propriamente de canto) até detalhes dos arranjos. Apesar da profusão de instrumentistas, os arranjos são bastante comedidos – afinal, é a palavra que deve estar em primeiro plano. Além da proposta musical inovadora, o Rumo tinha dois grandes trunfos: a incrível cantora Ná Ozzetti e o humor sutil de suas canções – no livro Todos Entoam, Luiz Tatit conta que a veia humorística do grupo acabou surgindo de maneira imprevista. O canto-falado, pela estranheza, acabava gerando risos na plateia, o que não era uma intenção do grupo. Mas, já que as pessoas riam, eles resolveram incorporar o humor nas letras e acabaram criando coisas impagáveis como Ah!, Carnaval do Geraldo, Trio de efeitos e Delírio, meu!

(registro de show de 2004, em comemoração aos 30 anos da fundação do grupo)

Em 1981, o Rumo lançou de maneira completamente independente seus dois (isso, dois!) discos de estréia: Rumo e Rumo aos Antigos, álbum de regravações de canções brasileiras de Lamartine Babo, Noel Rosa, Sinhô, entre outros. Em 1983, veio Diletantismo, em 1985, Caprichoso e, em 1988, Vamos Passear, ótimo disco de canções infantis.

O trabalho mais consistente do Rumo (segundo a opinião do próprio Tatit e endossada por mim), no entanto, é Rumo ao Vivo, de 1992, que também é o último disco da banda. A maioria das 13 faixas do disco é composta de canções de caráter humorístico e que contam historinhas. Também há espaço para o lirismo (como em Esboço, que fala sobre uma dessas pessoas que parecem personagens – embora ela seja gente como a gente, “pois se aperta ela chora”) e para neuroses urbanas (Dia útil, que conta a história de um trabalhador que ficou tão apegado aos azulejos e ao piso do escritório que teve um colapso nervoso quando o local foi reformado) e para a metalinguagem (Essa é para acabar).

Ouvindo o disco, me deparei com tantas tiradas geniais que resolvi deixar aqui uma pequena lista com as minhas preferidas:

- De tanto vigorar, gorou/ Esperando Godard, Godot (O menino)

- Gosta de entrar um pouco na USP/ Gosta de sentir que é estudante/ E mesmo que não estude ele embroma/ com tanta perfeição que sempre sai com um diploma (Esboço)

- Cê não sabe, eu to mais calmo/ e totalmente envolvido com o trabalho/ já tenho outra menina/ não é linda, mas já dá pra quebrar o galho (Banzo)

- Um sentimento indefinido/ foi me tomando ao cair da tarde/ Infelizmente era felicidade (Felicidade)

Professor Pardal da música

2010-03-12T10:42:00.000-08:00

Na revista + Soma desse mês (que pode ser baixada de graça aqui), saiu uma matéria com Felix Thorn, cara que tem um jeito peculiar de fazer música: além de compor, ele cria engenhocas que, alimentadas por um motor de brinquedo ou eletrodoméstico, tocam suas composições. O curioso do negócio é que, apesar da música ser executada por uma máquina, ela trabalha com sons de instrumentos analógios como bumbos e vibrafones. E, para tornar o efeito visual ainda mais impressionante, Felix instalou em suas traquitanas lâmpadas coloridas que se acendem e apagam em sincronia com os sons - e que sons...

Clássicos do dia 7: Can - Tago Mago

2010-03-08T11:20:00.000-08:00

Era uma vez uma banda de rock alemã cujo vocalista teve um colapso nervoso. Até aí nada de mais, já que pessoas vivem surtando o tempo todo em todos os lugares. Mas esta história possui três detalhes que a tornam um tanto mais interessante:

Detalhe 1 – O cantor teve o colapso durante um show da banda. Completamente atordoado, ficou repetindo as palavras “upstairs, downstairs” sobre o palco.
Detalhe 2 – Seu psiquiatra disse que o ataque foi, em parte, ocasionado pelo tipo de música executado pelo grupo, e lhe aconselhou a fazer as malas e voltar para sua terra natal, os EUA.
Detalhe 3 – Para substituí-lo, o baixista do grupo chamou um japonês maluco que vira cantando/rezando para o sol no meio da rua em Munique.

Essa seqüência de acontecimentos bizarros (porém verdadeiros) foi o ponto de partida para o nascimento de uma obra-prima do rock experimental-progressivo-psicodélico-vanguardista: Tago Mago, segundo álbum do grupo Can, lançado em formato de disco-duplo em 1971. Assim como The Velvet Underground & Nico, Tago Mago até hoje impressiona pela originalidade, pelo novo. Se você mostrá-lo pela primeira vez a alguém e disser que o disco foi lançado semana passada, ela não só vai acreditar como vai exclamar: “Nossa, que som diferente!” - ou “Caralho, que porra é essa?!”, o que tem mais ou menos o mesmo sentido: de algo novo, nunca escutado antes.

Também à semelhança do Velvet, o Can teve forte influência da música erudita do século 20: Holger Czukay, baixista do grupo, foi aluno de Stockhausen. Holger também dava aulas de música e foi por meio de um aluno seu, o guitarrista Michael Karoli, que ouviu I am the walrus pela primeira vez e percebeu que havia vida inteligente no rock. Passou a ouvir Jimi Hendrix e Frank Zappa e montou uma banda com Karoli, o tecladista Irmin Schmidt, o baterista Jaki Liebzeit e o vocalista americano Malcolm Mooney (depois substituído pelo loucaço Damo Suzuki).

“[Tago Mago] foi uma tentativa de alcançar um mundo musical misterioso da luz para a escuridão e de volta à luz”. A descrição de Holger é um bom ponto de partida para entender esse instigante álbum, recheado de mudanças de clima, experimentações sonoras, versos repetidos como mantras e momentos de pura viagem lisérgica.

O disco 1 se assemelha bastante ao Pink Floyd fase Syd Barret, e meu conselho para aprecia-lo é: ouça-o com o corpo. Coloque para tocar, relaxe os músculos e se deixe levar pela música. Qualquer movimento louco que der vontade de fazer, faça. Logo você vai se perceber tomado pelo som, mexendo o corpo de maneira louca, libertadora, num semi-transe psicodélico. Como canta Damo Suzuki na ótima faixa de abertura, Paperhouse: You can make everything/ what you want with your head. Nada faz mais sentido.

A segunda música, Mushroom, é curta (pouco mais de 4 minutos) e sem longas intervenções instrumentais, mas mesmo assim pode ser considerada um hino psicodélico. Com um clima sombrio, batida constante e letra abstrata (I saw a mushroom head/ I was born and I was dead), ela remete à clássica White Rabbit, do Jefferson Airplane, verdadeira ode aos alucinógenos.

A viagem continua em Oh Yeah, que começa com uma sutil explosão, utiliza o recurso da gravação de voz tocada ao contrário (que deixa tudo meio assustador) e tem parte da letra em japonês, e desemboca na funky e loooooooonga Halleluhwah, de mais de 18 minutos de duração. Apesar de boa parte dela ser instrumental e de haver alguns solos, não há nenhuma exibição de virtuosismo – o Can queria sempre soar como um organismo musical, não como um conjunto de indivíduos querendo mostrar o quanto são bons tecnicamente.

Quem teve dificuldades em absorver o disco 1 deve esperar mais um pouco para continuar, porque a segunda parte de Tago Mago faz Jefferson Airplane parecer banda de fanfarra. Ele começa com a estranha e amedrontadora Aumgn, na qual a banda deixou o rock de lado e resolveu explorar a eletroacústica. São mais de17 minutos de todo tipo de barulhos esquisitos, violinos desafinados, teclados e guitarras tocados insanamente, percussões tribais e gemidos assustadores, numa espécie de ritual religioso-sonoro de alteração de consciência. Terror e beleza.

Peking O começa com um vocal arrastado acompanhado por um teclado e alguns efeitos eletrônicos até que, aos 2:30, vira um... samba! Bastante desengonçado (afinal, é uma banda ALEMÃ), o batuque dura uns dois minutos. Daí até o fim, a música se torna algo completamente inexplicável, jam session de internos de um manicômio – aliás, entre a gravação de uma música e outra, quando os técnicos tinham que trocar os aparelhos, Holger sempre deixava um gravador ligado. Assim registrou, sem os outros integrantes saberem, todas as improvisações que faziam durante os momentos de espera. Com um precioso trabalho de edição sonora, Holger colocou muitos trechos dessas gravações escondidas no álbum.

Depois dessas duas bombas atômicas em cima do cérebro, Tago Mago encerra com a relativamente tranqüila e curta Bring me coffee or tea, hora do ouvinte finalmente respirar e avaliar se a viagem alucinógena proposta pelo Can foi uma experiência prazerosa ou uma bad trip. De qualquer forma, pode ter certeza de que ninguém volta igual desse passeio...

Aliás... será que Malcolm Mooney ouviu esse disco?

Que meda...

2010-03-05T18:38:00.000-08:00

Outro dia aconteceu uma coisa engraçada... estava ouvindo a música "Aumgn", do Can (do álbum Tago Mago, que será resenhado no próximo Clássicos do dia 7, aliás), com fones de ouvido e de olhos fechados, e aí... senti medo. Isso mesmo: MEDO. Tive que até abrir os olhos um pouco. Já ouvi muitas músicas sombrias, agonizantes e que posso até descrever como assustadoras, mas que me lembre essa foi a primeira vez que realmente senti medo de uma música. Então recordei de um colega que contou que ficou sem dormir a primeira vez que, ainda criança, escutou "Black Sabbath".

Afinal, se há músicas capazes de emocionar, alegrar, entirstecer ou fazer suspirar, também deve haver músicas que dão medo. Um cara que parecia saber bem disso era o falecido cineasta Stanley Kubrick, que fez uma seleção de músicas tenebrosas de nomes como Bartók e Penderecki para a trilha sonora do aterrorizante filme O Iluminado:

E trilha da cena do ritual erótico de De olhos bem fechados, então? Composição de Jocelyn Pook, Masked Ball foi construída sobre a gravação de uma missa em romeno tocada de trás pra frente. Aliás, não é a toa que o pessoal da teoria da conspiração adora encontrar mensagens subliminares satânicas em gravações tocadas ao contrário - qualquer coisa tocada ao contrário, até uma missa, soa diabólica:

Dossiê Brooklyn

2010-02-22T20:40:00.000-08:00

Quem acompanha o cenário musical contemporâneo já deve ter se deparado com o intrigante fenômeno "bandas do Brooklyn". Minha teoria é a de que a prefeitura de Nova York colocou alguma poção mágica na água das estações que abastecem o Brooklyn - de que outra forma, em alguns anos, um mesmo BAIRRO pode originar Grizzly Bear, Dirty Projectors, Battles e TV on the Radio (só pra citar as de primeiríssimo escalão)?

Conspirações à parte, o fato é que bandas e artistas bons/ótimos existem em qualquer lugar e em qualquer época, basta fuçar bem. Só que, de vez em quando, acontece de vários artistas bons/ótimos aparecerem em um mesmo local e em uma mesma época. Foi assim com a vanguarda paulistana na São Paulo dos anos 80, a no wave na NY do fim dos 70, o grunge em Seattle no começo dos anos 90 e por aí vai. Repare que não se tratam exatamente de movimentos culturais - não há manifesto, objetivos ideológico-estéticos pré-estabelecidos nem nada disso. Simplesmente uma soma de fatores do espaço e do tempo deu origem a esses cenários. O que não impede a existência de semelhanças entre as bandas e artistas.

No caso das "bandas do Brooklyn", o que parece comum a todas elas é terem um pé no experimentalismo e outro no pop. Coisa de gente que cresceu absorvendo a influência das vanguardas novaiorquinas (punk, no wave, Velvet Underground) ao mesmo tempo em que curtia Michael Jackson e Madonna. E isso tem tudo a ver com o momento cultural atual. Se, nos anos 80, eram famosas as brigas entre punks e metaleiros, por exemplo, hoje, além dessas brigas não existirem mais, as próprias fronteiras entre as "tribos" estão diluídas. Não é de se espantar que o cara que estava batendo cabeça no show do Metallica ontem esteja hoje tocando cavaquinho numa roda de samba e amanhã dançando numa rave.

Por conseguir captar o Zeitgeist atual e também pela inegável qualidade musical é que acredito que, daqui a 15 anos pessoas farão TCCs e escreverão livros sobre as "bandas do Brooklyn" (talvez incluindo no pacote a estrangeira Animal Collective, que nasceu em Maryland, mas tem tudo a ver com o som do bairro novaiorquino).
Como diria o mestre Itamar: "Ouvidos atentos!!"

E Dossiê Brooklyn vai virar mais uma sessão fixa do blog, a ser publicada quando der na veneta.

Christian Marclay

2010-02-16T20:15:00.001-08:00

Não entendo lhufas de hip-hop e também não sou uma grande amante do gênero, apesar de respeitá-lo imensamente. Uma das coisas que eu sempre admirei no rap é a habilidade dos DJs com as picapes, que acabam se tornando instrumentos musicais. Pois outro dia, explorando aquele blog português fodaço, fiquei sabendo que o turntablism não só nasceu fora do gênero hip-hop, como nasceu antes do hip-hop, pelas mãos do artista multimídia de Nova York Christian Marclay. Influenciado pela música concreta, John Cage, punk rock e no wave, Marclay começou a explorar o potencial dos toca-discos na virada dos anos 70 para os 80. "Eu comecei a usar discos porque eu não sabia tocar nenhum instrumento, mas queria me apresentar", ele explicou em entrevista ao Journal of Contemporary Art, explicitando a veia do it yourself do gênero que acabou criando.

Avant-garde por formação, Marclay foi ainda mais longe: utilizou os próprios discos como instrumentos musicais na performance Record Players (a incorporação não foi permitida... saco). Na série Body Mix, do comecinho dos anos 90, as "vítimas" foram capas de LPs. Ele coletou diversas capas que apelavam para a sensualidade e as rearranjou de maneira a criar um efeito de humor grotesco (o que torna Marclay também um precursor da arte do mash-up, tão em voga atualmente):

Para finalizar, um mini-documentário sobre suas várias facetas artísticas:

ps.: se algum dia um milagre acontecer e eu achar um disco dele, comentarei aqui. Rezemos.